En torno al concepto de arte
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El Arte y la Historia
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miércoles, 6 de abril de 2011
miércoles, 23 de marzo de 2011
La arquitectura: introducción conceptual
Adaptado de “Introducción general al arte”, de Gonzalo Borrás, Juan Esteban Lorente e Isabel Àlvaro Zamora. Ediciones Istmo. 1996. Madrid.
La preocupación por distinguir entre obra arquitectónica o simple construcción, es un planteamiento moderno, que no estuvo presente en el pasado.
En el Antiguo Egipto al arquitecto se le designaba por una perífrasis: constructor de las obras reales, quedando bien claro lo que se entendía por arquitectura: la monumental de carácter sagrado o palaciego. El mismo sentido podemos ver en la época griega a través de los pocos escritos que nos quedan, figurando los arquitectos y sus obras -grandes empr
esas de carácter religioso o civil- entre los artistas, considerados a la par que escultores y pintores.
Partenón. S. V a.C.
Vitrubio, en sus “Diez libros de arquitectura”, entiende por arquitectura un arte y ciencia teórico-práctico de carácter enciclopédico, humanista y técnico, cuya ocupación es la construcción de obras religiosas, públicas, militares y casas privadas. Es significativo que lo primero que cita Vitrubio es un templo dedicado a Minerva, así como la dedicación de dos libros a la arquitectura religiosa, uno a la civil, otro a la casa nobiliaria y unas pocas referencias a la arquitectura militar. En este tratadista encontramos, en definición y contenido, lo que ha sido la arquitectura práctica hasta nuestros días: un arte dedicado a la construcción de edificios religiosos, civiles públicos y palacios.
En la Edad Media el arte de la arquitectura se restringe a las obras puramente religiosas. Los edificios civiles públicos pierden por completo la preocupación artística, así como los militares. Recién a finales del Gótico, y sobre todo en el Renacimiento, asistimos a la equiparación entre iglesia, palacio y construcción civil pública como obras de arte.
“De re aedificatoria” (Florencia, 1485), de León Battista Alberti, es el primer tratado arquitectónico del Renacimiento y en lo esencial continúa la propuesta arquitectónica de Vitrubio.
Palacio Rucellai. S. XV
Este sentir la arquitectura como un arte elitista de la construcción monumental religiosa, palaciega y pública-civil va a perdurar y continuar casi hasta nuestros días.
La urbanística como arte, formando parte de la teoría de la arquitectura, había sido insinuada teóricamente por Vitrubio y por los renacentistas. Pero su ejecución artística deliberada es fruto del Barroco, siendo especialmente cultivada a finales del siglo XVI y en el siglo XVII en la ordenación urbana de Roma, y a finales del siglo XVIII y principios del XIX con las remodelaciones de Londres y París.
La preocupación por distinguir entre obra arquitectónica o simple construcción, es un planteamiento moderno, que no estuvo presente en el pasado.
En el Antiguo Egipto al arquitecto se le designaba por una perífrasis: constructor de las obras reales, quedando bien claro lo que se entendía por arquitectura: la monumental de carácter sagrado o palaciego. El mismo sentido podemos ver en la época griega a través de los pocos escritos que nos quedan, figurando los arquitectos y sus obras -grandes empr
esas de carácter religioso o civil- entre los artistas, considerados a la par que escultores y pintores.Partenón. S. V a.C.
Vitrubio, en sus “Diez libros de arquitectura”, entiende por arquitectura un arte y ciencia teórico-práctico de carácter enciclopédico, humanista y técnico, cuya ocupación es la construcción de obras religiosas, públicas, militares y casas privadas. Es significativo que lo primero que cita Vitrubio es un templo dedicado a Minerva, así como la dedicación de dos libros a la arquitectura religiosa, uno a la civil, otro a la casa nobiliaria y unas pocas referencias a la arquitectura militar. En este tratadista encontramos, en definición y contenido, lo que ha sido la arquitectura práctica hasta nuestros días: un arte dedicado a la construcción de edificios religiosos, civiles públicos y palacios.
En la Edad Media el arte de la arquitectura se restringe a las obras puramente religiosas. Los edificios civiles públicos pierden por completo la preocupación artística, así como los militares. Recién a finales del Gótico, y sobre todo en el Renacimiento, asistimos a la equiparación entre iglesia, palacio y construcción civil pública como obras de arte.
“De re aedificatoria” (Florencia, 1485), de León Battista Alberti, es el primer tratado arquitectónico del Renacimiento y en lo esencial continúa la propuesta arquitectónica de Vitrubio.
Palacio Rucellai. S. XV
Este sentir la arquitectura como un arte elitista de la construcción monumental religiosa, palaciega y pública-civil va a perdurar y continuar casi hasta nuestros días.
La urbanística como arte, formando parte de la teoría de la arquitectura, había sido insinuada teóricamente por Vitrubio y por los renacentistas. Pero su ejecución artística deliberada es fruto del Barroco, siendo especialmente cultivada a finales del siglo XVI y en el siglo XVII en la ordenación urbana de Roma, y a finales del siglo XVIII y principios del XIX con las remodelaciones de Londres y París.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX, y sobre todo con el movimiento modernista, la casa de la clase media acomodada se constituye en objeto de consideración artística; también con la arquitectura del hierro comienzan las construcciones de tipo industrial a ser valoradas artísticamente desde la perspectiva de la utilidad, ciencia y diseño.
Villa Saboya. S. XX
Hoy día todavía sigue en vigor el concepto monumental de la arquitectura, si bien el monumentalismo ha cambiado de signo, y de lo religioso o civil ha pasado al monumentalismo de símbolo económico. Pero muchas voces piden ya una arquitectura social, esto es, una arquitectura para el hombre en general y no para las elites, creadora de un espacio que resulte del equilibrio entre la utilidad y la preocupación por la belleza.
Villa Saboya. S. XXdomingo, 13 de marzo de 2011
Los lenguajes artísticos
La plástica, la música, el teatro, la danza, el cine, la fotografía, son algunos de los lenguajes artísticos más importantes.
Vamos a detenernos en esta entrada, dadas las características y alcances de nuestros cursos, en los diferentes lenguajes propios del mundo de las artes plásticas.
Las artes plásticas utilizan un lenguaje esencialmente visual. El arte se expresa por medio de la armoniosa combinación de los elementos que representan a la imagen: formas, colores y espacios, en el caso del dibujo y la pintura; el volumen, en la escultura y arquitectura.
Las imágenes tienen múltiples posibilidades en la comunicación. Según Gombrich, la lectura correcta de la imagen se rige por tres variables: el código, el texto y el contexto. El código facilita y permite la interpretación; el texto es el relato, se refiere al contenido mismo de la obra; y el contexto es la historia, el entorno y las características que complementan el lenguaje a través de las imágenes.
En el lenguaje del arte hay tres niveles de percepción: uno en que se capta la atención, se puede describir e informar sobre la obra. Otro en el que hay una observación reflexiva: se establecen analogías. El tercer nivel es en el que hay una contemplación de la obra: el observador logra entablar un diálogo con el artista. En la contemplación se ve la obra con los ojos pero se la entiende con la mente. Se la reconoce y analiza y se establece una relación directa y profunda entre el artista y quien la observa.
El arte es producido por la inteligencia humana. Mediante el lenguaje del arte el hombre expresa ideas, creencias, vivencias, interpreta el ámbito que lo rodea y crea un lenguaje artístico universal. Las imágenes, como signos icónicos, la plástica, pueden ser interpretadas en todo el mundo, lo importante son los fundamentos de esta interpretación.
Hacíamos referencia más arriba a los niveles de percepción de la obra de arte. El primero, que permite informar sobre la obra, describirla, requiere de elementos informativos mínimos sobre los componentes de cada lenguaje artístico. Detengámonos a continuación en aquellos aspectos elementales que definen el lenguaje arquitectónico, escultórico y pictórico:
ARQUITECTURA:
Para el estudio formal de una obra arquitectónica se han de tener en cuenta los siguientes elementos:
• Tipo de edificio: función, destino, etc. (templo, tumba, reunión, espectáculos, conmemorativo, ...)
• Proporciones, verticalidad–horizontalidad, volúmenes, masas, ...
• Estructura:
• Tipo de arquitectura: arquitectura arquitrabada o abovedada.
• Planta del edificio: (rectangular, de cruz griega, de cruz latina, elipsoidal, semicircular, basilical, ...)
• Partes que lo integran: salas y/o naves y su distribución, elementos (pódium, columnas, pilares, ...), cúpula, torres, etc.
• Estilo/s u órdenes de los elementos.
• Decoración: exterior e interior (técnicas, motivos, fines, ...)
ESCULTURA:
Para el estudio formal de una obra escultórica se deben tener en cuenta los siguientes conceptos:
• Tipo: de bulto redondo, relieve (alto relieve/bajo relieve), -grabado-, ...
• Técnica: modelado, vaciado, tallado, etc.
• Material: piedra, madera, metal, ...
• Motivo: representación humana, zoomorfa, fitomorfa, geométrica, conjunto escultórico (escena), ...
• Característica de la representación: Se describirán los rasgos estilísticos más sobresalientes y aquellos que puedan considerarse como excepcionales. Se tendrán en cuenta los siguientes conceptos:
• Técnica de acabado: pulimento, policromía, etc.
• Realista, idealista, naturalista, esquemática, retrato, ...
• Estatismo/dinamismo (movimiento)
• Composición, planos, profundidad, perspectiva, ...
• Expresión: realista, idealizada, dramática, ...
Entendemos por lenguaje artístico aquél que utiliza un medio específico para expresar y representar ideas y sentimientos estéticos.
La música emplea, como elemento mediador, ciertas cualidades del mundo sonoro; la plástica emplea la imagen; las artes de la representación, el movimiento y la dramatización.
Vamos a detenernos en esta entrada, dadas las características y alcances de nuestros cursos, en los diferentes lenguajes propios del mundo de las artes plásticas.
Las artes plásticas utilizan un lenguaje esencialmente visual. El arte se expresa por medio de la armoniosa combinación de los elementos que representan a la imagen: formas, colores y espacios, en el caso del dibujo y la pintura; el volumen, en la escultura y arquitectura.
Las imágenes tienen múltiples posibilidades en la comunicación. Según Gombrich, la lectura correcta de la imagen se rige por tres variables: el código, el texto y el contexto. El código facilita y permite la interpretación; el texto es el relato, se refiere al contenido mismo de la obra; y el contexto es la historia, el entorno y las características que complementan el lenguaje a través de las imágenes.
En el lenguaje del arte hay tres niveles de percepción: uno en que se capta la atención, se puede describir e informar sobre la obra. Otro en el que hay una observación reflexiva: se establecen analogías. El tercer nivel es en el que hay una contemplación de la obra: el observador logra entablar un diálogo con el artista. En la contemplación se ve la obra con los ojos pero se la entiende con la mente. Se la reconoce y analiza y se establece una relación directa y profunda entre el artista y quien la observa.
El arte es producido por la inteligencia humana. Mediante el lenguaje del arte el hombre expresa ideas, creencias, vivencias, interpreta el ámbito que lo rodea y crea un lenguaje artístico universal. Las imágenes, como signos icónicos, la plástica, pueden ser interpretadas en todo el mundo, lo importante son los fundamentos de esta interpretación.
Hacíamos referencia más arriba a los niveles de percepción de la obra de arte. El primero, que permite informar sobre la obra, describirla, requiere de elementos informativos mínimos sobre los componentes de cada lenguaje artístico. Detengámonos a continuación en aquellos aspectos elementales que definen el lenguaje arquitectónico, escultórico y pictórico:
ARQUITECTURA:
Para el estudio formal de una obra arquitectónica se han de tener en cuenta los siguientes elementos:
• Tipo de edificio: función, destino, etc. (templo, tumba, reunión, espectáculos, conmemorativo, ...)
• Proporciones, verticalidad–horizontalidad, volúmenes, masas, ...
• Estructura:
• Tipo de arquitectura: arquitectura arquitrabada o abovedada.
• Planta del edificio: (rectangular, de cruz griega, de cruz latina, elipsoidal, semicircular, basilical, ...)
• Partes que lo integran: salas y/o naves y su distribución, elementos (pódium, columnas, pilares, ...), cúpula, torres, etc.
• Estilo/s u órdenes de los elementos.
• Decoración: exterior e interior (técnicas, motivos, fines, ...)
ESCULTURA:
Para el estudio formal de una obra escultórica se deben tener en cuenta los siguientes conceptos:
• Tipo: de bulto redondo, relieve (alto relieve/bajo relieve), -grabado-, ...
• Técnica: modelado, vaciado, tallado, etc.
• Material: piedra, madera, metal, ...
• Motivo: representación humana, zoomorfa, fitomorfa, geométrica, conjunto escultórico (escena), ...
• Característica de la representación: Se describirán los rasgos estilísticos más sobresalientes y aquellos que puedan considerarse como excepcionales. Se tendrán en cuenta los siguientes conceptos:
• Técnica de acabado: pulimento, policromía, etc.
• Realista, idealista, naturalista, esquemática, retrato, ...
• Estatismo/dinamismo (movimiento)
• Composición, planos, profundidad, perspectiva, ...
• Expresión: realista, idealizada, dramática, ...
PINTURA:
Para el análisis de una obra pi
ctórica de tendrán en consideración los elementos siguientes:
• Técnica: fresco, óleo, acuarela, etc.
• Soporte: muro o pared, madera, lienzo, papel ...
• Motivo o Temática: motivos geométricos, fitomorfos, zoomorfos, antropomorfos; tema religioso, profano, mitológico, bodegón, ...
• Características de la representación: Se describirán los rasgos estilísticos más sobresalientes y aquellos que puedan considerarse como excepcionales. Se tendrán en cuenta los siguientes conceptos:
• Realista, idealista, naturalista, esquemática, retrato, ...
• Estatismo/dinamismo (movimiento)
• Expresión: realista, idealizada, dramática, ...
• Composición: organización de la escena
• Planos, profundidad, perspectiva, ...
• Luz: ángulo, contrastes claro-oscuro, etc.
• Color: colores dominantes, contrastes, ...
“LEER” UNA OBRA DE ARTE: GUIA PARA SU ANÁLISIS
DESCRIPCIÓN MATERIAL DE LA OBRA
Autor:
Título:
Fecha:
Dimensiones y formato:
Material:
Soporte y técnica de ejecución:
Estilo:
Lugar de procedencia:
Lugar de emplazamiento:
ANÁLISIS DEL SIGNIFICADO
Tema:
Individualización del contenido:
Descripción de los personajes: (actitud, papel en la escena, disposición en el espacio)
Descripción del ambiente: (fondo arquitectónico, paisajístico...)
Finalidad:
ANÁLISIS DEL LENGUAJE VISUAL
Obra arquitectónica: materiales de construcción, elementos sustentantes, cubierta, muros, elementos decorativos, iluminación, función del edificio, otros aspectos.
Obra pictórica: Línea, Superficie, Color, Luz, Volumen, Espacio, Composición.
Obra escultórica: tipo: relieve, bulto redondo..., técnicas: talla, esculpido, cera, modelado..., Elementos formales: retoques posteriores, volúmenes, composición...
VALORACIÓN ESTÉTICA
ESTUDIO DEL AUTOR Y DE SU CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL
Para el análisis de una obra pi
ctórica de tendrán en consideración los elementos siguientes:• Técnica: fresco, óleo, acuarela, etc.
• Soporte: muro o pared, madera, lienzo, papel ...
• Motivo o Temática: motivos geométricos, fitomorfos, zoomorfos, antropomorfos; tema religioso, profano, mitológico, bodegón, ...
• Características de la representación: Se describirán los rasgos estilísticos más sobresalientes y aquellos que puedan considerarse como excepcionales. Se tendrán en cuenta los siguientes conceptos:
• Realista, idealista, naturalista, esquemática, retrato, ...
• Estatismo/dinamismo (movimiento)
• Expresión: realista, idealizada, dramática, ...
• Composición: organización de la escena
• Planos, profundidad, perspectiva, ...
• Luz: ángulo, contrastes claro-oscuro, etc.
• Color: colores dominantes, contrastes, ...
“LEER” UNA OBRA DE ARTE: GUIA PARA SU ANÁLISIS
DESCRIPCIÓN MATERIAL DE LA OBRA
Autor:
Título:
Fecha:
Dimensiones y formato:
Material:
Soporte y técnica de ejecución:
Estilo:
Lugar de procedencia:
Lugar de emplazamiento:
ANÁLISIS DEL SIGNIFICADO
Tema:
Individualización del contenido:
Descripción de los personajes: (actitud, papel en la escena, disposición en el espacio)
Descripción del ambiente: (fondo arquitectónico, paisajístico...)
Finalidad:
ANÁLISIS DEL LENGUAJE VISUAL
Obra arquitectónica: materiales de construcción, elementos sustentantes, cubierta, muros, elementos decorativos, iluminación, función del edificio, otros aspectos.
Obra pictórica: Línea, Superficie, Color, Luz, Volumen, Espacio, Composición.
Obra escultórica: tipo: relieve, bulto redondo..., técnicas: talla, esculpido, cera, modelado..., Elementos formales: retoques posteriores, volúmenes, composición...
VALORACIÓN ESTÉTICA
ESTUDIO DEL AUTOR Y DE SU CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL
lunes, 7 de marzo de 2011
¿Qué es el arte?
El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización o una pericia, como por ejemplo el arte de la jardinería, el arte de jugar al ajedrez o el arte de la guerra. Aunque nosotros lo entendemos más como el talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. Trata de provocar una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades. Partimos entonces de considerar al arte como una creación humana que ha acompañado al hombre a lo largo de su historia.Ahora bien, ¿cuándo un objeto es una obra de arte y cuándo no?, ¿cuál es su valor?, ¿para qué sirve?, ¿a qué dan importancia en una obra de arte los historiadores?
Cerámica Nazca. Cultura prehispánica, área andina, siglos I a VII d.C.
Para contestar estas preguntas digamos que el arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la naturaleza. Depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, el mundo de cada época. Pero, sin embargo, es atemporal, porque el observador de la obra de arte la interpreta según su sistema de valores actual, revalorizándola cada vez.
No hay, pues, un concepto de arte universal, ni un lenguaje universal del arte, cada época y cada cultura tiene el suyo e interpreta las manifestaciones artísticas desde su punto de vista
Por tanto aquello que nosotros hoy llamamos arte es una construcción intelectual, producto de los que han estudiado esta disciplina (y han elaborado por tanto una teoría del arte) durante los últimos doscientos cincuenta años.
No hay, pues, un concepto de arte universal, ni un lenguaje universal del arte, cada época y cada cultura tiene el suyo e interpreta las manifestaciones artísticas desde su punto de vista
Por tanto aquello que nosotros hoy llamamos arte es una construcción intelectual, producto de los que han estudiado esta disciplina (y han elaborado por tanto una teoría del arte) durante los últimos doscientos cincuenta años.
La Gioconda. Leonardo da Vinci. 1503-1506
El concepto de arte a través del tiempo
Las primeras manifestaciones de lo que llamamos arte están relacionadas con la magia: las pinturas rupestres, las estatuillas paleolíticas, por ejemplo. Pero la idea del arte ha evolucionado hasta dejar de tener ese sentido mágico para pasar a tener, un sentido estético. En todas las épocas ha habido una tensión entre estética y didáctica, según el concepto y la función que se tuviera del arte. Según las épocas ha dominado una u otra (Se denomina estética a la disciplina que se preocupa de definir teóricamente la belleza).
Desde Grecia el arte ha estado vinculado a la naturaleza, la cual se interpreta de forma más o menos idealizada o realista. Los griegos crearon un canon para la representación “bella” de la naturaleza: el ideal era aplicar una serie de principios como el orden, la proporción, la simetría, etc.
Aunque la forma de imitar la naturaleza cambia con las épocas. Sin embargo, siempre ha habido una tensión entre realismo y abstracción, entre la imitación fiel y la idealización más o menos simplificada. La abstracción llegará a su punto culminante en el siglo XX, con la abstracción no figurativa, que Kandinsky llamaría arte total.
Desde el siglo XVIII el arte se concibe como un juego, el arte por el arte, la estética pura, y el elemento decorativo sin más complicaciones. Pero el arte también, en la medida que interpreta la realidad, sirve como espejo de la época, y como vehículo de denuncia social y de transformación humana.
En el siglo XIX el liberalismo adopta una nueva concepción de lo que es el arte: la proyección de la personalidad genial del artista y de sus sentimientos; como Van Gogh que expresa subjetivamente su psicología. Aparece en el arte una tercera tensión: entre la imitación fría y la expresión. El expresionismo en el arte lo encontramos en todas las épocas, pero nunca tan claramente como en el siglo XX.
La fotografía ha liberado al arte de su obsesión por la imitación, por lo que ha de buscar otros caminos que le definan y le individualicen.
No hay, pues, un concepto de arte universal, ni un lenguaje universal del arte, cada época y cada cultura tiene el suyo e interpreta las manifestaciones artísticas desde su punto de vista.
Las primeras manifestaciones de lo que llamamos arte están relacionadas con la magia: las pinturas rupestres, las estatuillas paleolíticas, por ejemplo. Pero la idea del arte ha evolucionado hasta dejar de tener ese sentido mágico para pasar a tener, un sentido estético. En todas las épocas ha habido una tensión entre estética y didáctica, según el concepto y la función que se tuviera del arte. Según las épocas ha dominado una u otra (Se denomina estética a la disciplina que se preocupa de definir teóricamente la belleza).
Desde Grecia el arte ha estado vinculado a la naturaleza, la cual se interpreta de forma más o menos idealizada o realista. Los griegos crearon un canon para la representación “bella” de la naturaleza: el ideal era aplicar una serie de principios como el orden, la proporción, la simetría, etc.
Aunque la forma de imitar la naturaleza cambia con las épocas. Sin embargo, siempre ha habido una tensión entre realismo y abstracción, entre la imitación fiel y la idealización más o menos simplificada. La abstracción llegará a su punto culminante en el siglo XX, con la abstracción no figurativa, que Kandinsky llamaría arte total.
Desde el siglo XVIII el arte se concibe como un juego, el arte por el arte, la estética pura, y el elemento decorativo sin más complicaciones. Pero el arte también, en la medida que interpreta la realidad, sirve como espejo de la época, y como vehículo de denuncia social y de transformación humana.
En el siglo XIX el liberalismo adopta una nueva concepción de lo que es el arte: la proyección de la personalidad genial del artista y de sus sentimientos; como Van Gogh que expresa subjetivamente su psicología. Aparece en el arte una tercera tensión: entre la imitación fría y la expresión. El expresionismo en el arte lo encontramos en todas las épocas, pero nunca tan claramente como en el siglo XX.
La fotografía ha liberado al arte de su obsesión por la imitación, por lo que ha de buscar otros caminos que le definan y le individualicen.
No hay, pues, un concepto de arte universal, ni un lenguaje universal del arte, cada época y cada cultura tiene el suyo e interpreta las manifestaciones artísticas desde su punto de vista.
Sin título. Jean-Michel Basquiat, 1981.
Pintura cubana contemporánea.
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