tag:blogger.com,1999:blog-75335715440823996252024-03-16T15:50:38.546-03:00Estudi-Arte: El Arte en la HistoriaEl Arte y la HistoriaMónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.comBlogger272125tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-89957019704034259732024-01-30T10:25:00.016-03:002024-01-30T10:32:49.698-03:00Ciclo de charlas por Zoom sobre Mujeres Artistas en Latinoamérica, siglo XXSe han seleccionado 8 mujeres artistas, algunas muy poco conocidas y olvidadas por la Historia del Arte, para acercarnos a la producción artística en Latinoamérica a través de varios lenguajes: pintura, escultura, fotografía, arquitectura, grabado. <div>Comienzo del ciclo: sábado 3 de febrero de 2024 y va los 4 sábados de febrero de 10 a 12 hrs. </div><div>Si no se puede participar en la emisión en vivo, les comentamos que se envía grabación de las charlas junto con materiales para ampliar y sugerencias de sitios web complementarios. </div><div>Costo y formas de ampliar información constan en el programa que se adjunta más abajo!<div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPKjlrzQ15Q5JwbtN7SLZeXEWeVNJENka0_6ERbkb4aw_nFPfVcNYedq2QYG0hIMJe0f_LzFmJVgAg-fiwGOspY-tqzrXkSFcmsX2QZwb8Cqp4t5o5x3ZvnRvEtxMwZp_hHCICKwGJHKBS0aGcNokNJQJg5w-9qcvaDekRB9zX1pZfRJrUTP5IZNxSG00/s1080/afiche%20ciclo%20Mujeres%20artistas%20Latinoam%C3%A9rica%20siglo%20XX%201.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPKjlrzQ15Q5JwbtN7SLZeXEWeVNJENka0_6ERbkb4aw_nFPfVcNYedq2QYG0hIMJe0f_LzFmJVgAg-fiwGOspY-tqzrXkSFcmsX2QZwb8Cqp4t5o5x3ZvnRvEtxMwZp_hHCICKwGJHKBS0aGcNokNJQJg5w-9qcvaDekRB9zX1pZfRJrUTP5IZNxSG00/s600/afiche%20ciclo%20Mujeres%20artistas%20Latinoam%C3%A9rica%20siglo%20XX%201.jpg" width="600" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPKjlrzQ15Q5JwbtN7SLZeXEWeVNJENka0_6ERbkb4aw_nFPfVcNYedq2QYG0hIMJe0f_LzFmJVgAg-fiwGOspY-tqzrXkSFcmsX2QZwb8Cqp4t5o5x3ZvnRvEtxMwZp_hHCICKwGJHKBS0aGcNokNJQJg5w-9qcvaDekRB9zX1pZfRJrUTP5IZNxSG00/s1080/afiche%20ciclo%20Mujeres%20artistas%20Latinoam%C3%A9rica%20siglo%20XX%201.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: justify;"><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 16pt; line-height: 115%;">PROGRAMA "MUJERES ARTISTAS EN
LATINOAMÉRICA, SIGLO XX"<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">UNA ARBITRARIA
SELECCIÓN. PINTURA, ESCULTURA, FOTOGRAFÍA, ARQUITECTURA Y GRABADO<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Ciclo de charlas por
Zoom a cargo de la Prof. Mónica Salandrú<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">SESIÓN 1 – 3 de
febrero de 2024<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">Los mundos
periféricos de Cecilia Marcovich y Gertrudis Chale (ambas en Argentina)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">SESIÓN 2 – 10 de
febrero de 2024<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">Aproximación a dos
fotógrafas: Grete Stern (Argentina) y Kati Horna (México)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">SESIÓN 3 – 17 de
febrero de 2024<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">La mirada social en
la arquitectura de Lina Bo Bardi (Brasil). Los distintos lenguajes artísticos
de Fanny Rabel (México)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">SESIÓN 4 – 24 de
febrero de 2024<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">La particular mirada
en la pintura de Lily Salvo. La fuerza expresiva de los grabados de Leonilda
González (ambas de Uruguay)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p> </o:p></i></b></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Charlas por plataforma
Zoom, sábados 3, 10, 17 y 24 de febrero de 2024 de 10 a 12 hrs.<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Para el caso de no
poder participar de la charla en vivo, se envía la grabación de las
conferencias<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Costo: ciclo completo:
$ 2500<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Por charla: $ 750<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Forma de pago:
transferencia bancaria, depósito en Abitab, Mercado Pago<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Se incluyen materiales
y constancia<o:p></o:p></i></p>
</a><p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPKjlrzQ15Q5JwbtN7SLZeXEWeVNJENka0_6ERbkb4aw_nFPfVcNYedq2QYG0hIMJe0f_LzFmJVgAg-fiwGOspY-tqzrXkSFcmsX2QZwb8Cqp4t5o5x3ZvnRvEtxMwZp_hHCICKwGJHKBS0aGcNokNJQJg5w-9qcvaDekRB9zX1pZfRJrUTP5IZNxSG00/s1080/afiche%20ciclo%20Mujeres%20artistas%20Latinoam%C3%A9rica%20siglo%20XX%201.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Información e
inscripciones: por whatsapp 095 322261 y/o por correo electrónico: </i></a><a href="mailto:arteenlahistoria2021@gmail.com"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">arteenlahistoria2021@gmail.com</i></a><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></p>Formulario de inscripción: <a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSftRkk6flmblkFPaCWOzl5zIo7WuPSxXWWv3BXgeDuBmISDCg/viewform?fbclid=IwAR0ZYwTprFJFh27vMAiRN5lChfg91UICUVp3hSqfCnt6Wu1n6afSQDxVgRY" target="_blank">AQUÍ</a></div></div></div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-20917126650560666362023-10-26T13:02:00.010-03:002023-10-26T13:03:31.149-03:00Ciclo de Charlas sobre La Imagen de la Mujer en el Arte: del Renacimiento a la Ilustración<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTKRIerAQDkmpNDGNMXSFV5p72T06hRzJzBeAbQReehiExGCIhEI0A-mi2ZPgwu0o7b8E2DMRoxY_6IuWZcg032VEOLMmr0ErxlaqNo-HYEtj6LNRejp3J9M2Zn1NH9VbpBAFWl5gb-C2-m-5mxt_Lxd1G5Z_IrBufOyRIfuyrOoqhCc9xfvulMSnrH1M/s940/Post%20de%20Facebook%20Giorgione.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="788" data-original-width="940" height="536" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTKRIerAQDkmpNDGNMXSFV5p72T06hRzJzBeAbQReehiExGCIhEI0A-mi2ZPgwu0o7b8E2DMRoxY_6IuWZcg032VEOLMmr0ErxlaqNo-HYEtj6LNRejp3J9M2Zn1NH9VbpBAFWl5gb-C2-m-5mxt_Lxd1G5Z_IrBufOyRIfuyrOoqhCc9xfvulMSnrH1M/w640-h536/Post%20de%20Facebook%20Giorgione.png" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Informes: arteenlahistoria2021@gmail.com o por Whatsapp al 095 322261</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal"><v:shapetype coordsize="21600,21600" filled="f" id="_x0000_t75" o:preferrelative="t" o:spt="75" path="m@4@5l@4@11@9@11@9@5xe" stroked="f">
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</w:wrap></v:imagedata></v:shape><b></b></p><div style="text-align: justify;"><b><b>El Arte en la Historia</b><b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;"> </span></b></b></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;">LA IMAGEN DE LA MUJER EN
EL ARTE II<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">DEL RENACIMIENTO A LA
ILUSTRACIÓN (Siglos XVI a XVIII)<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ciclo de charlas por
Zoom a cargo de la Prof. Mónica Salandrú<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>SESIÓN 1 – 4 de
noviembre de 2023<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">La búsqueda de la
belleza y el desnudo femenino: idealización y erotismo. Renacimiento y
Manierismo, Barroco y Pintura galante y erótica del siglo XVIII.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>SESIÓN 2 – 11 de
noviembre de 2023<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">La mujer temida. La
Eva pecadora, las seductoras, las brujas. La fealdad y la vejez como recurso
para la condena moral.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>SESIÓN 3 – 18 de
noviembre de 2023<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Mujeres
representadas por mujeres. El lugar del autorretrato. Los casos de Sofonisba
Anguissola, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Clara Peeters y
Judith Leyster.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>SESIÓN 4 – 25 de noviembre
de 2023<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Universos femeninos en la pintura holandesa del siglo XVII y
francesa del XVIII. Los ejemplos de Johannes Vermeer y Elisabeth Louise Vigée
Le Brun entre otros.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i> </i></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Charlas por plataforma
Zoom, sábados 4, 11, 18 y 25 de noviembre de 2023 de 10 a 12 hrs.<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Para el caso de no
poder participar de la charla en vivo, se envía la grabación de las
conferencias<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Costo: ciclo completo:
$ 2300<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i> Por charla: $ 700<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Forma de pago:
transferencia bancaria, depósito en Abitab, Mercado Pago<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Se incluyen materiales
y constancia<o:p></o:p></i></p><p class="MsoNormal"><i><br /></i></p><p class="MsoNormal" style="text-align: left;">Formulario de inscripción: <a data-saferedirecturl="https://www.google.com/url?q=https://forms.gle/Dk3NwVtLYX9zweKh8&source=gmail&ust=1698421850151000&usg=AOvVaw0WjqF594QBcOkIR_tfyEIi" href="https://forms.gle/Dk3NwVtLYX9zweKh8" style="color: #1155cc;" target="_blank">https://forms.<wbr></wbr>gle/Dk3NwVtLYX9zweKh8</a></p><div class="adL"><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small; text-align: start;" /></div><div class="yj6qo"></div></div><br /><p></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-50623826166810889952023-10-13T13:17:00.000-03:002023-10-13T13:17:00.637-03:00Parque Batlle y Ordoñez: valioso ejemplo montevideano de jardín público del Novecientos<div style="text-align: right;"><span style="font-family: inherit;">Prof. Mónica Salandrú </span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;">En una entrada anterior del blog <a href="https://estudi-arte.blogspot.com/2023/04/el-parque-rodo-un-espacio-urbano.html" target="_blank">(https://estudi-arte.blogspot.com/2023/04/el-parque-rodo-un-espacio-urbano.html</a>) hacíamos referencia al uso del espacio público, durante el denominado “primer batllismo”, a los efectos de configurar un imaginario social donde el Estado jugaba un rol clave en el afianzamiento de procesos de integración de la población. Los parques públicos persiguieron embellecer la ciudad, generar áreas abiertas y verdes afines con las ideas higienistas de la época, y ofrecer espacios de esparcimiento y socialización que actuaran como elementos integradores y democratizadores de la sociedad uruguaya. Señalábamos allí: “El parque pasó a constituir el “jardín de los pobres”: trabajadores urbanos, constituidos mayoritariamente por inmigrantes, hacinados en viviendas ya sea colectivas o unipersonales modestas, pasaron a disfrutar en su tiempo libre de espacios arbolados, con fuentes, estatuas y senderos que sólo estaban presentes hasta entonces en los exclusivos jardines de las casas del patriciado montevideano. Al generar estos espacios, el batllismo los concibió también como instrumentos de nivelación social y de mejora de la calidad de vida de los trabajadores, es decir que respondieron a políticas educativas (el parque como lugar de educación, de ahí la importancia de la estatuaria) y de control social (del ocio de la clase trabajadora) al incentivar a través de ellos el deporte y el contacto con la naturaleza”.
Uno de estos parques del “Novecientos”, fue el actual Parque Batlle y Ordoñez, más conocido como “Parque Batlle”. Ya aparece proyectado en 1891, en el “Plan de Ensanche y Embellecimiento de Montevideo” que la Junta Económico-Administrativa había encargado al paisajista francés Edouard André. En él se proyectaba para la ciudad muchas áreas verdes jerarquizadas al estilo parisino: plazuelas, plazas y parques, vinculadas entre sí por una red de bulevares y avenidas, explotando con sentido estético los accidentes naturales del terreno. La crisis económica que se desata en el país en la década de 1890 impidió la concreción del proyecto, pero fue sin duda la base de todo el diseño de plazas, jardines y parques realizados en Montevideo en las primeras décadas del siglo XX.</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgo94v0SNRZYTkYUEfIyJkKLWSFI-umpIvB6MVoH__Xw3jkP7Hay3a1G1uXIxmWMYQjCyCcxB658wLqToOUthir6S8z8b7BFg7rj9rJ-6tj4uTx-P0J9Ar4yVaQeRlFrt_9bI3254Niua3zy0lTnkLSGcoXERQ0YWgon6grJwN0bQJ3FKav_9YBuRz5X0/s4000/parque.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><span style="font-family: inherit;"><img alt="" border="0" data-original-height="2000" data-original-width="4000" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgo94v0SNRZYTkYUEfIyJkKLWSFI-umpIvB6MVoH__Xw3jkP7Hay3a1G1uXIxmWMYQjCyCcxB658wLqToOUthir6S8z8b7BFg7rj9rJ-6tj4uTx-P0J9Ar4yVaQeRlFrt_9bI3254Niua3zy0lTnkLSGcoXERQ0YWgon6grJwN0bQJ3FKav_9YBuRz5X0/s400/parque.jpg" width="400" /></span></a><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">CREACIÓN Y
CARACTERÍSTICAS DEL PARQUE<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">Al momento de su
creación, el núcleo central del parque lo constituyeron los terrenos donados
por Antonio Pereira (hijo del ex presidente Gabriel A. Pereira) a la Junta
Económico Administrativa de Montevideo. Se trataba de unas 11 hectáreas a las
que la Junta sumó otras 38, producto de expropiaciones de terrenos adyacentes. Unos
años después se expropiaron algunas otras llegando en la actualidad a 60
hectáreas su superficie total. El primer nombre asignado al parque es aquel con
el que figura en el plan de André de 1891: Parque Central, aunque al momento de
su primer trazado se lo conocía con la denominación de Gran Parque Pereira.
Luego de la Primera Guerra Mundial se cambia a Parque de los Aliados, para ser
renombrado en 1930, en homenaje a José Batlle y Ordoñez fallecido en 1929,
Parque Batlle y Ordoñez (actual denominación).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">El parque fue creado
por ley en 1907. En 1911 se le encarga al paisajista francés Charles Thays su
trazado y ornamentación. En su diseño Thays se inspiró en los jardines ingleses
del siglo XIX creando una caminería sinuosa y arbolada, con gran diversidad de especies
que incluyen varias nativas. Contó con la colaboración del también paisajista
francés, por ese entonces al frente de la Dirección de Paseos del Municipio de
Montevideo, Charles Racine. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">El ingreso al
parque, que constituye un remate verde a la Avda. 18 de Julio, está enfatizado
por el Obelisco a los Constituyentes de 1830. A partir de allí se abren tres
vías separadas con áreas parquizadas, la central es la Avda. Luis Morquio, y
las laterales son las calles Jorge Canning y Lord Ponsomby, que ofician de
límites hacia las áreas urbanas con viviendas, la mayoría de ellas exentas. La
Avda. Morquio desemboca en la Avda. Ricaldoni que es una vía de circunvalación
que rodea todo el cuerpo del parque. En la confluencia de estas dos avenidas se
encuentra la denominada “fuente luminosa”, una fuente de volumetría simple, sin
componentes escultóricos, que enfatiza el protagonismo del agua y la luz que
emergen desde su centro. Su emplazamiento corresponde a la década de 1930, en
el marco de los muchos elementos de ornato que se agregaron a raíz de los
festejos por el centenario de la primera constitución. Además de la avenida de
circunvalación exterior referida, el parque consta de vías internas que definen
distintos sectores dentro de él. <o:p></o:p></span></span></p><span style="font-family: inherit;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtg2RXHCuU-i4BZVKEaurmMKb7-u4pwSalW-jYYGhB1LdBUAve9_Iuj3_iFUdVY20g_8gy6pnjpy50VZt5wVaCIoAGhhGoZ1oenmWubWMfzJMjwyg2p_YNev7UyfSpjZMEcnT6T_EkFoklkpHQJ6g67HmQ3Sq-aRe3dIi3l_Ac1LxyAPAL-SKD37HaE8U/s620/fuente%20luminosa.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="413" data-original-width="620" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtg2RXHCuU-i4BZVKEaurmMKb7-u4pwSalW-jYYGhB1LdBUAve9_Iuj3_iFUdVY20g_8gy6pnjpy50VZt5wVaCIoAGhhGoZ1oenmWubWMfzJMjwyg2p_YNev7UyfSpjZMEcnT6T_EkFoklkpHQJ6g67HmQ3Sq-aRe3dIi3l_Ac1LxyAPAL-SKD37HaE8U/w400-h266/fuente%20luminosa.png" width="400" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">Ya en el proyecto de
André, así como en el de Thays, se prevén áreas destinadas a actividades deportivas,
criterio que es mantenido luego por la Dirección de Paseos Públicos. Y esta
constituye una característica que distingue al Parque Batlle de los otros
parques públicos creados por la misma época. En 1917 se construyó un estadio con
una tribuna de madera, conocido como el estadio del Parque Pereira, con una
capacidad para 15000 espectadores. Fue demolido en 1921 y en este predio el
arquitecto Juan Antonio Scasso (funcionario de la Dirección de Parques y
Jardines de la Intendencia de Montevideo) inicia la construcción de la Pista de
Atletismo, que sobrevive hasta la actualidad. En 1929 el Arq. Scasso es
designado proyectista y director de las obras del Estadio Centenario de
Montevideo, ubicado también dentro del parque. Además del Centenario hoy hay
dos estadios de fútbol más: el Estadio Parque Palermo y el Estadio Parque Luis
Méndez Piana, así como varias canchas de baby fútbol y de fútbol 5. También
encontramos en el Parque Batlle el Velódromo Municipal, el Club Uruguayo de
Tiro y el Instituto Superior de Educación Física.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">El Parque Batlle fue
declarado Monumento Histórico Nacional en 1975.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">ESCULTURAS Y
MONUMENTOS NOTABLES<o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal"><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjT-Pacapuq62DGWm2ODhCfb__zHrR-mCleYzsR6XImHy47cuDLo-xLxJ4QqweiWdtzMRRZKBzb3mwh3GI_XN-b9QB_aTyC9dADF2I64grJiVQGuo1Cqp_iQWOPo2nmAiZeF-DcobKY-xc0tovpqIT8g24vWszk0c_wWTAdWJztZyZTBekIuQ-me8ZnEwQ/s1650/obelisco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></b></div><p></p></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;">El establecimiento de estatuas en
parques, plazas, canteros de avenidas, y otros espacios públicos, constituyó
una constante en la primera mitad del siglo XX. Además de su valor ornamental
(embellecer la ciudad fue muy importante para las élites y para los gobiernos
de la época), había una convicción en relación a su valor educacional. Con los
monumentos se buscaba no sólo homenajear a los personajes a los que estaban
dedicados, sino fijar en la memoria de la sociedad sus aportes.<span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%;"><span style="font-family: inherit;"><b><u>Obelisco a los Constituyentes de 1830</u></b> </span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1650" data-original-width="1237" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjT-Pacapuq62DGWm2ODhCfb__zHrR-mCleYzsR6XImHy47cuDLo-xLxJ4QqweiWdtzMRRZKBzb3mwh3GI_XN-b9QB_aTyC9dADF2I64grJiVQGuo1Cqp_iQWOPo2nmAiZeF-DcobKY-xc0tovpqIT8g24vWszk0c_wWTAdWJztZyZTBekIuQ-me8ZnEwQ/w300-h400/obelisco.jpg" style="font-family: inherit;" width="300" /></div><span style="font-family: inherit;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%;">Esta
obra forma parte de todos los monumentos y esculturas notables que se erigieron
en diferentes puntos de Montevideo a lo lardo de la década de 1930 en
conmemoración del Centenario de la Constitución de 1830. El Obelisco, obra del
escultor uruguayo José Luis Zorrilla de San Martín (1891-1975), homenajea a los
constituyentes al tiempo que conmemora los 100 años de la primera Constitución.
Emplazado en la confluencia del Bulevar Artigas con las Avenidas 18 de Julio y
Dr. Luis Morquio, se constituye en la puerta de entrada monumental al Parque. Realizado
por Zorrilla de San Martín entre 1934 y 1938 a partir de un encargo realizado
por la banca privada del Uruguay para donarlo al Estado, fue inaugurado el 25
de agosto de 1938. Una imponente aguja de granito rosado de 40 metros lleva
grabado el texto “A los Constituyentes de 1830”, y tiene, en su base, tres
esculturas alegóricas de bronce de 5 metros que representan la fuerza, la
libertad y la ley. En la base de las estatuas se ubican grifos que vierten agua
en una fuente hexagonal, también de granito, que rodea al Obelisco. En el borde
oeste de la fuente están grabados los nombres de las instituciones bancarias
que realizan el homenaje a los Constituyentes. Sostiene Liliana Carmona: “<i>José
Luis Zorrilla de San Martín evidenció su atracción por las metáforas de la
estatuaria griega, la monumentalidad y el cuidado en la relación de la obra con
el espacio público. Las tres esculturas son expresivamente potentes, con sus
cuerpos robustos y rostros decididos. La aguja presenta recursos expresivos del
art decó, en el ordenamiento vertical y ascendente -como la arquitectura
inspirada en los rascacielos estadounidenses-, en el juego geométrico del
basamento y en el uso de inscripciones como tratamiento plástico</i>” (</span>Carmona, Liliana, Obelisco a los Constituyentes de
1830, en Acervo cultural y patrimonial Monumentos Montevideanos, revista
Dossier <a href="https://revistadossier.com.uy/wp-content/uploads/stories/dossier11/dossier_11_acervo.pdf">https://revistadossier.com.uy/wp-content/uploads/stories/dossier11/dossier_11_acervo.pdf</a>)</span><p></p></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><u>Creugante y Damoxeno</u><o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: inherit;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: inherit;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXXN9G7TLqO6TK374wJ-g-Ctlo0bXD2Sha1UbXp3MhsrlZXnV5hkDSnotxRTvuZagHnN6BONxwtCIyc0jEmBQLmNIUPLgr2PGV1-7ycZm87e6N-vslo7enwIWs96FVTYRmbr2CL0m7REHDN3U0bSRroix0UQei1XkV8ALYGqX4a_dUtRhfCuIYS76KnNg/s2393/Creugante.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2393" data-original-width="1412" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXXN9G7TLqO6TK374wJ-g-Ctlo0bXD2Sha1UbXp3MhsrlZXnV5hkDSnotxRTvuZagHnN6BONxwtCIyc0jEmBQLmNIUPLgr2PGV1-7ycZm87e6N-vslo7enwIWs96FVTYRmbr2CL0m7REHDN3U0bSRroix0UQei1XkV8ALYGqX4a_dUtRhfCuIYS76KnNg/w236-h400/Creugante.jpg" width="236" /></a>Creugante</span></b></div><b><span style="font-family: inherit;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBobZiKSDi4SYqiDgo_FC6bp1V8jkcQPWpWssQ6RHuWYghu1k3s9imFcSoSoSTqVfZKFyDqzCTYJB5RVbRFk9Me_MWfnztiWztZ7OTaEaN5M_wuw4wGpamxE0v3XkKIv4N40o-Sc-bMHs0rAwvajmxJVJWLtQ1NRdiZbtFzEtMuSObWJN6uHcQpMtqBY4/s1828/Damoxeno.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1828" data-original-width="1257" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBobZiKSDi4SYqiDgo_FC6bp1V8jkcQPWpWssQ6RHuWYghu1k3s9imFcSoSoSTqVfZKFyDqzCTYJB5RVbRFk9Me_MWfnztiWztZ7OTaEaN5M_wuw4wGpamxE0v3XkKIv4N40o-Sc-bMHs0rAwvajmxJVJWLtQ1NRdiZbtFzEtMuSObWJN6uHcQpMtqBY4/w275-h400/Damoxeno.jpg" width="275" /></a> Damoxeno</div></span></b><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;">Se trata de copias
de mármol de las esculturas realizadas, también en mármol, por el escultor
italiano neoclásico Antonio Canova (1757-1822) hacia 1800 y que hoy se
encuentran en los Museos Vaticanos (Roma). Según el relato del historiador
griego Pausanias, del siglo II d.C., Creugante y Damoxeno eran dos pugilistas
griegos que se enfrentaron en los juegos que cada dos años se realizaban en la
polis de Nemea. Al no haber un claro vencedor, y para no seguir alargando el
enfrentamiento, los jueces resolvieron que se declararía ganador a aquel que
lograse derribar a su oponente asestándole un solo golpe. El primero en lanzar
su golpe fue Creugante quien no consiguió derribar a Damoxeno. Cuando fue el
turno de éste simulando que iba a golpear su cabeza, según relata Pausanias, golpeó
a Creugante con su mano extendida con tal fuerza en el costado que le extrajo
las entrañas y le provocó una muerte inmediata. Los jueces consideraron desleal
la actitud de Damoxeno y lo castigaron con el exilio, declararon vencedor a
Creugante y erigieron una estatua en su honor. Canova representa a Creugante
con las piernas separadas, bien plantado, esperando el golpe, con un brazo por
encima de su cabeza en actitud defensiva y ambos puños cerrados. Damoxeno
aparece con una expresión feroz, con una mano se protege el pecho mientras
tiene la otra extendida como una espada a punto de asestar el golpe mortal.
Ambas esculturas revelan un claro dominio de la anatomía, así como una gran
tensión expresiva celebratoria sin duda de la fuerza. Ambas esculturas fueron
erigidas en el Parque Batlle en 1925 (que también cuenta con una copia del
Discóbolo de Mirón) en un momento en que, por la victoria de Uruguay en fútbol
en los juegos olímpicos de 1924, las temáticas vinculadas a estos juegos
despertaban interés en la población.</span></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><u>Vaso Borghese</u><o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq86q9dkC0ykyK6DaMZJ7pVh9GVwdyIrlZOi3Uw0DM4ACNZwEjInGP51v-1_YQrzqvztLYg4sMMGlBXZ5rftj3o14dSIGnH0zINnQDh-RKR_vTIKOzKK8EmSyCVlc2rQSEjdhEc4_utXxvVNVmr5pYv_WyG1LwGO8QZ9PAJ83uvV1bMS1j3smvVtmw4SE/s2772/vaso%20borghese.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="2772" data-original-width="1667" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq86q9dkC0ykyK6DaMZJ7pVh9GVwdyIrlZOi3Uw0DM4ACNZwEjInGP51v-1_YQrzqvztLYg4sMMGlBXZ5rftj3o14dSIGnH0zINnQDh-RKR_vTIKOzKK8EmSyCVlc2rQSEjdhEc4_utXxvVNVmr5pYv_WyG1LwGO8QZ9PAJ83uvV1bMS1j3smvVtmw4SE/w240-h400/vaso%20borghese.jpg" width="240" /></span></a></b></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">El Vaso Borghese es
un tipo de recipiente monumental en forma de crátera, esculpido en mármol, que
se comenzó a realizar en Grecia para el mercado romano, que lo utilizaba en la
decoración de sus jardines. Se denomina así ya que el que se considera un
original, y que hoy se exhibe en el Museo del Louvre, fue adquirido por la
familia Borghese. Este tipo de jarrón de mármol fue muy valorado durante los
períodos barroco y neoclásico para decorar los jardines de los palacios y las
casas importantes. A partir del siglo XIX fueron elaboradas muchas copias
destinadas al alhajamiento urbano (parques, plazas, canteros de avenidas
importantes…). En Montevideo, el paisajista francés Charles Racine que, como
vimos, se desempeñaba en la Dirección de Parques y Jardines del Municipio de
Montevideo, promovió su adquisición para el adorno del cantero central del
Bulevar Artigas y para el Parque Batlle.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><u>Monumento al Maestro</u><o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj91m2vUzMYOAqseWSFKMFk_ivlY5ynbq7gddnIDkxGW34BlcrVAQBNoBpCsGQszkJRI9wXQU0Cln-PqQMCoBUDTg5OVjZgAWAsLHa9PtzHlsimd9gxjxVZUqz3XcGSjLEIAAnipH5Vz0_tuuUzF16uzI6q2BdF-MJDaa_1ULJYNVoWqknchonqbSow4Qs/s4000/Al%20maestro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="2000" data-original-width="4000" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj91m2vUzMYOAqseWSFKMFk_ivlY5ynbq7gddnIDkxGW34BlcrVAQBNoBpCsGQszkJRI9wXQU0Cln-PqQMCoBUDTg5OVjZgAWAsLHa9PtzHlsimd9gxjxVZUqz3XcGSjLEIAAnipH5Vz0_tuuUzF16uzI6q2BdF-MJDaa_1ULJYNVoWqknchonqbSow4Qs/w400-h200/Al%20maestro.jpg" width="400" /></span></a></b></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">Al Maestro es un
conjunto escultórico realizado por el escultor uruguayo Bernabé Michelena
(1888-1963), en colaboración con el arquitecto José H. Domato, y que se
inauguró, como un homenaje a los educadores uruguayos, el 18 de mayo de 1945.
Realizado en granito rosado, presenta una figura femenina con los brazos
abiertos en cruz. Retranqueados y a los costados de la escultura, se presentan
cuatro paneles con bajorrelieves alegóricos que representan por su orden: la
enseñanza, las artes, las ciencias y el trabajo. Se trata de una obra mayor
dentro de la producida por Michelena y en la que, tanto la mujer de sereno
rostro como los bajorrelieves alegóricos, remiten a la escultura monumental de
carácter social que se desarrolló en estas décadas. Pero también hay rasgos
característicos del art decó que tanto permearon los relieves escultóricos
montevideanos entre las décadas de 1920 y 1940. Otro aspecto sobresaliente de
este monumento es la de constituir un ejemplo destacado de integración de una
obra en el paisaje, ubicada en una elevación del terreno posee una armonía
volumétrica que dialoga positivamente con el entorno arbolado, sin romper con
el verde del parque. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><u>El Trabajo</u><o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY7IV3QiY6-0zbh7XCBZUhfDO3h9sHZVJv0VS5eUAHFjxeh1rBFGj22n47Z4Fuzwak6LVrQDeTJUNDORySIT1CRByNKlzHpgu6UjasKPVbNdNtcuYB17dqDpiD7tJW8lJadBRItBIhI8vOt8IDLkSELsiBCY75Gc5LkQgitVbAQaCUwsh99o1CGNAGpBU/s2405/El%20trabajo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="1762" data-original-width="2405" height="293" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY7IV3QiY6-0zbh7XCBZUhfDO3h9sHZVJv0VS5eUAHFjxeh1rBFGj22n47Z4Fuzwak6LVrQDeTJUNDORySIT1CRByNKlzHpgu6UjasKPVbNdNtcuYB17dqDpiD7tJW8lJadBRItBIhI8vOt8IDLkSELsiBCY75Gc5LkQgitVbAQaCUwsh99o1CGNAGpBU/w400-h293/El%20trabajo.jpg" width="400" /></span></a></b></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">Este grupo
escultórico en mármol blanco es obra del artista uruguayo Ángel Ferrari Rocca
(1886-1973) y fue inaugurado en 1930. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">Víctima de la guerra
civil<o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwyRukg_hZXl-nMA1uUy7_UULDH1I8sW8n1Av9hmVDY9VO6OZpT1c9eS9Pg1aajBEcrAsblot3-nIWa2i-8Wii36gkNi64lk94G-xG5PrhAGNQnREQjOBSNPBB7jM9TOsDy_cVDoHxrEIf7kCZYIBQhxO0ONBmI5EaAh-f_Lwy_Gowc1he6siTX4AgiGw/s2322/v%C3%ADctima%20de%20la%20guerra%20civil.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="1882" data-original-width="2322" height="324" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwyRukg_hZXl-nMA1uUy7_UULDH1I8sW8n1Av9hmVDY9VO6OZpT1c9eS9Pg1aajBEcrAsblot3-nIWa2i-8Wii36gkNi64lk94G-xG5PrhAGNQnREQjOBSNPBB7jM9TOsDy_cVDoHxrEIf7kCZYIBQhxO0ONBmI5EaAh-f_Lwy_Gowc1he6siTX4AgiGw/w400-h324/v%C3%ADctima%20de%20la%20guerra%20civil.jpg" width="400" /></span></a></b></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">Esta obra fue
realizada, alrededor de 1875, por un escultor español, Domingo Mora
(1840-1911), quien vivió en Montevideo algunos años y se inspiró en la realidad
local para nutrir su propuesta artística. La escultura es un vaciado en bronce
a partir de un original modelado en yeso por Domingo Mora con una ampliación de
José Belloni, y fue inaugurada en 1930.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><span style="font-family: inherit;">La carreta<o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><b></b></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: inherit;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgump4G9jQmxtHSNfZyh-gV430H-2xx1cNh2vc_7T5-DQiUK5XFajgtl_Do6RjX_qiJNiz5i8HIf3oSPiTDZoyZ8J1NMmX-i2ebe-1iz4O2Hpi9BK63x0xcacYB5agB_G5ENcnL5DTb6201Xrs1qlnusO4MRf46M074wv8CsL6fpD1vaP1oFhwAf14alkA/s2000/la%20carreta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="2000" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgump4G9jQmxtHSNfZyh-gV430H-2xx1cNh2vc_7T5-DQiUK5XFajgtl_Do6RjX_qiJNiz5i8HIf3oSPiTDZoyZ8J1NMmX-i2ebe-1iz4O2Hpi9BK63x0xcacYB5agB_G5ENcnL5DTb6201Xrs1qlnusO4MRf46M074wv8CsL6fpD1vaP1oFhwAf14alkA/w400-h200/la%20carreta.jpg" width="400" /></a></b></span></div><span style="font-family: inherit;">Este monumental
conjunto escultórico fue realizado por el escultor uruguayo José Belloni
(1882-1965) y recuerda al clásico medio de transporte y carga en nuestro
territorio con anterioridad al ferrocarril y los automotores. Consta de una
carreta con tres yuntas de bueyes tirando y dos bueyes detrás. A la derecha de
la carreta se ubica un gaucho a caballo, picana en mano. En 1929 la realización
de esta obra, cuyo boceto había ganado el premio del Ministerio de Instrucción
Pública, le fue encargada por el Municipio de Montevideo, disponiéndose su
fundición en un taller radicado en Florencia (1930), concurriendo el artista a
supervisar el trabajo. La carreta se ha constituido en un referente del Parque
Batlle y ocupó, en el clima del Centenario, un lugar muy importante en el
imaginario del país y de las transformaciones que se habían ido procesando en
las últimas tres décadas. Está hoy considerada no sólo una de las obras mayores
de Belloni, sino una de las mayores en la escultura nacional. El momento de su
inauguración, 14 de octubre de 1934, congregó gran cantidad de público muy
identificado con el monumento, en el marco de todos los festejos e
inauguraciones que se realizaron por el Centenario. Desde lo paisajístico, la
obra se encuentra excepcionalmente ubicada. El emplazamiento fue pensado
conjuntamente entre el escultor y el Arq. Scasso de la Dirección de Parques y
Jardines del municipio, optando por un promontorio, que realzara al conjunto
escultórico, y un espejo de agua que jugara con el reflejo.</span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><span lang="ES-TRAD" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"> <o:p></o:p></span>Sitios web sugeridos:</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><a href="https://nomada.uy/guide/view/attractions/4617"><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">https://nomada.uy/guide/view/attractions/4617</span></a><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"> <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><a href="https://turismoculturalenuruguay.blogspot.com/2010/08/el-parque-jose-batlle-y-ordonez-de_26.html"><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">https://turismoculturalenuruguay.blogspot.com/2010/08/el-parque-jose-batlle-y-ordonez-de_26.html</span></a><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><a href="https://www.jardinenuruguay.com/PARQUE_BATLLE/parque_batlle.htm"><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">https://www.jardinenuruguay.com/PARQUE_BATLLE/parque_batlle.htm</span></a><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"> <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit;"><a href="https://milpalabras.com.uy/2019/10/18/la-carreta-monumento-historico-y-algunas-cosas-poco-conocidas/"><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">https://milpalabras.com.uy/2019/10/18/la-carreta-monumento-historico-y-algunas-cosas-poco-conocidas/</span></a><span lang="EN-US" style="line-height: 107%; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"> <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p></div><p class="MsoEndnoteText"><o:p></o:p></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-3965069532992375062023-07-20T11:54:00.005-03:002023-07-20T11:54:38.578-03:00Ciclo de charlas sobre Torres García, el Taller y varios de sus principales alumnos<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij5R29xh8ZaqL5pN4NwC9pKg-u3ui4YbJ_hMt4iqPZRcDTGEorfYesu86UKQQDJLyeuOOWvohzWA1cHvDndutXSpoGEk6RLHzc8ztmLcEClKyYHEMCBBp1J3S4JacoSudjZH6_hFHMh5Y1MMGjnfd0obu-CUfFCAhhCK7ytK_v_1cs8bAC5Ymc2gEDpsM/s1080/TORRES%20GARCIA,%20EL%20TALLER%20Y%20SUS%20ALUMNOS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij5R29xh8ZaqL5pN4NwC9pKg-u3ui4YbJ_hMt4iqPZRcDTGEorfYesu86UKQQDJLyeuOOWvohzWA1cHvDndutXSpoGEk6RLHzc8ztmLcEClKyYHEMCBBp1J3S4JacoSudjZH6_hFHMh5Y1MMGjnfd0obu-CUfFCAhhCK7ytK_v_1cs8bAC5Ymc2gEDpsM/w400-h400/TORRES%20GARCIA,%20EL%20TALLER%20Y%20SUS%20ALUMNOS.png" width="400" /></a></div><br /><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEgUjRhn-_qFMPzlw0O-yR33jhnqXaiudyXSljG0JxvtWsQmIAmKTH0pTXTq58KJkVCa89qXuMATAaPrAbY-1buy-lYh1AyT-BcdBBftiOuRuWdl-Ks5U_YkQahfk9fm8426GWZFsvf3BvE-ScbQztwr889oik1aHnVFbR2Xi0GbpK8eX7mWQPznYxiLU/s1755/Programa%20ciclo%20Torres%20Garc%C3%ADa.%20El%20taller%20y%20sus%20alumnos.%20v2_page-0001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1755" data-original-width="1241" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEgUjRhn-_qFMPzlw0O-yR33jhnqXaiudyXSljG0JxvtWsQmIAmKTH0pTXTq58KJkVCa89qXuMATAaPrAbY-1buy-lYh1AyT-BcdBBftiOuRuWdl-Ks5U_YkQahfk9fm8426GWZFsvf3BvE-ScbQztwr889oik1aHnVFbR2Xi0GbpK8eX7mWQPznYxiLU/w453-h640/Programa%20ciclo%20Torres%20Garc%C3%ADa.%20El%20taller%20y%20sus%20alumnos.%20v2_page-0001.jpg" width="453" /></a></div><br />Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-50348541873558918592023-07-01T16:30:00.005-03:002023-07-01T16:30:49.641-03:00Wifredo Lam: lo real maravilloso en la pintura<p align="right" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: right;"><b>Prof.
Mónica Salandrú<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Wifredo Lam es
un artista cubano generador de una obra que contribuyó a definir, más que a la
identidad cubana, a la identidad caribeña. Es el primer pintor que asume lo
africano desde Latinoamérica, entendiendo por ello aquellos elementos
culturales africanos que perviven en la cultura del Caribe.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Creador de una
plástica singular, nace en 1902 en la localidad de Sagua la Grande al norte de
la isla, en medio de un enclave azucarero. Es hijo de una familia de
trabajadores compuesta de padre chino y madre mulata, descendiente directa esta
última de esclavos africanos. Es el menor de ocho hijos y su infancia en Sagua
la Grande está ligada al mundo de las creencias afrocubanas a través de su
madrina que estaba muy vinculada a la santería. Hacia 1916 parte de la familia
Lam se instala en La Habana y a partir de 1918 Wifredo va a comenzar a cursar
estudios en la Academia San Alejandro. En 1923 expone en La Habana y en Sagua
la Grande, y este mismo año el ayuntamiento de esta ciudad le concede una beca
para estudiar en Madrid. Se abre así una estancia de casi 18 años en Europa,
permaneciendo en España entre fines de 1923 y 1938. El director del Museo de La
Habana escribe una carta de recomendación al connotado pintor academicista
Fernando Álvarez de Sotomayor, a la sazón director del Museo del Prado y
profesor en la Academia de San Fernando en Madrid. Esta recomendación va a
permitir a Lam estudiar las pinturas de los maestros del Prado y asistir a
clases en la Academia de Madrid. Paralelamente frecuenta las salas del Museo
Arqueológico, donde conoce manifestaciones del arte prehistórico y del arte
africano, y se comienza a interesar por el paisaje y los retratos, géneros que
cultiva especialmente en una estancia que realiza en Cuenca entre 1925 y 1928.
Ya en 1924 pierde la beca, que por cambios de gobierno en la isla no le es
renovada, y sufre de gran estrechez económica para poder continuar con la
pintura. Paulatinamente se va alejando del academicismo y va acercándose a una
pintura renovadora en relación a la Academia. Conoce la obra de los simbolistas
y de Cézanne. Conecta con la Escuela de Vallecas y su propuesta de
revalorización del paisaje español de cara a la vanguardia surrealista, así
como a los aportes fauvistas y cubistas. Asiste en 1929 a una exposición de
obras de Picasso, entre otros, que lo impresiona fuertemente. En este año
contrae matrimonio con Eva Píriz, con quien tuvo un hijo en 1930. <o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5hdByOCR1YDPHnyjjpIIr5sNFnbaCwaYtrRf8JwO12yZzha4ujOfsA6sydpcUF-3aZmmutws8CozXkxMsYfgg_5TXrS2_imYN71D97AS3qu6OTKwCE4k4tw7T3ZO6x0x3gOZnY0Lzk_yB_XWu7vVsnZA8wQrLLFjXKY8kHTmmbJxWuPvgiiWxEP-fIbA/s566/campesina%20castellana%201927.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="566" data-original-width="439" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5hdByOCR1YDPHnyjjpIIr5sNFnbaCwaYtrRf8JwO12yZzha4ujOfsA6sydpcUF-3aZmmutws8CozXkxMsYfgg_5TXrS2_imYN71D97AS3qu6OTKwCE4k4tw7T3ZO6x0x3gOZnY0Lzk_yB_XWu7vVsnZA8wQrLLFjXKY8kHTmmbJxWuPvgiiWxEP-fIbA/w496-h640/campesina%20castellana%201927.jpg" width="496" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Campesina castellana". 1927. <span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt; text-align: left;">Lápiz sobre papel, 60 x 50 cm. Colección
particular.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Esta obra es
un ejemplo del interés de Wifredo Lam por los campesinos y su situación de vida
y trabajo, que le parecía comparable a la de los campesinos cubanos. En este
retrato, que realiza en lápiz sobre papel (soporte que utilizará repetidamente
a lo largo de su vida) apunta a plasmar precisamente ese universo vital que le
es familiar y por el que desarrolla una importante empatía.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">En estos años
comienza a interesarse cada vez más por las problemáticas sociales y políticas
de España, adhiriendo a la República, proclamada en 1931. Se inicia así un
compromiso político con la izquierda, compromiso que mantendrá vivo a lo largo
de su vida. El año 1931 fue para la vida personal del artista un año trágico,
ya que en el correr del mismo fallecen, a causa de la tuberculosis, su esposa
Eva y el pequeño hijo del matrimonio. Este triste acontecimiento se verá
reflejado en la recurrencia que en la obra posterior del pintor tiene la
temática de la maternidad. <o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif3gKy4XRV8zzGcU0Wg3u6CK-gxNpbnx9WSJ1DPy-M6IJzRaoOrej3jiswGAC0FPxVqoCU8QeHusShNgmGzDVTizKwQ1BpxY71do-TDJjHh8QdE5CSTi2cccCJQyx0MCOgVx8Kp2aX5GpFkLO7NKOAprNQrLNXb1hkgEFzOp26Nj3bpvQHMM55yBUSl_A/s452/la%20ventana%201935.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="452" data-original-width="388" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif3gKy4XRV8zzGcU0Wg3u6CK-gxNpbnx9WSJ1DPy-M6IJzRaoOrej3jiswGAC0FPxVqoCU8QeHusShNgmGzDVTizKwQ1BpxY71do-TDJjHh8QdE5CSTi2cccCJQyx0MCOgVx8Kp2aX5GpFkLO7NKOAprNQrLNXb1hkgEFzOp26Nj3bpvQHMM55yBUSl_A/w550-h640/la%20ventana%201935.jpg" width="550" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"La ventana I". <span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt; text-align: justify;">1935. Óleo sobre lienzo, 98 x 76 cm. Pérez Art
Museum, Miami.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt; text-align: justify;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Esta pintura
delata el acercamiento de Lam a esa pintura de vanguardia que ha estado
siguiendo en los últimos años. Es evidente sobre todo la influencia de Matisse,
pero también de los fauvistas y de los otros movimientos modernos de principios
del siglo XX. Simples líneas oscuras resaltan la silueta de la catedral y de
los edificios urbanos del fondo. Las superficies planas, la simplificación de
las formas y la perspectiva descentrada son elementos compositivos que
provienen de esas influencias. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">A partir de
1936 participa en la Guerra Civil Española a favor de la causa republicana.
Trabaja en la realización de carteles y también en la fabricación de
municiones, tarea que le provoca una intoxicación por la que es enviado, en
marzo de 1937, a un hospital en Barcelona. Una vez recuperado sigue colaborando
con el bando republicano frecuentando al mismo tiempo el medio artístico de
Barcelona. Es así como se relaciona con Manuel Martínez Hugué, pintor y
escultor amigo de Picasso quien redacta una carta de recomendación a los
efectos que el malagueño reciba a Lam, y le insiste a éste para que abandone
Barcelona. Lam viaja entonces a París, en abril de 1938 (ciudad en la que
permanecerá hasta 1940), siendo recibido por Picasso quien se sintió muy
entusiasmado por Lam, por sus posibilidades creativas y por la cultura de la
que este era portador. Lam a su vez se fascina con la colección de arte
africano de Picasso, así como con la ductilidad creativa del español. A través
de Picasso conoce a Matisse, Léger, Braque, los Eluard, Tristan Tzara y otros.
El malagueño le presenta también a Michel Leiris, destacado poeta surrealista y
etnólogo que estaba como encargado del departamento de África negra en el Museo
del Hombre, quien lo introduce en las colecciones de arte de África y Oceanía
que impactarán fuertemente en Lam y le permitirán aflorar todo el mundo
cultural africano que él ha absorbido en su infancia y juventud. Leiris le
presenta a su vez a varios integrantes del grupo surrealista.</p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs0b7dQxj6WVePPmDLGqR7ZFGn8hd0hR0aj2tDQuSD0vDMAzFDG4N9bU5QRY07CxO4YU3nixzIDN6RuZCIwY4u5pjrXzTw2Ekg_3a-ciJkvdI6rKe8ag1x2Sd5a-OYGPlEMHktDF7OXfkNbZBn3xhxV7lPivpMbPjHDp5qFvO_umYGYdlMH1BI9zjhBqQ/s1971/wifredo-lam-autorretrato-ii-e1459930845664.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1971" data-original-width="1418" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs0b7dQxj6WVePPmDLGqR7ZFGn8hd0hR0aj2tDQuSD0vDMAzFDG4N9bU5QRY07CxO4YU3nixzIDN6RuZCIwY4u5pjrXzTw2Ekg_3a-ciJkvdI6rKe8ag1x2Sd5a-OYGPlEMHktDF7OXfkNbZBn3xhxV7lPivpMbPjHDp5qFvO_umYGYdlMH1BI9zjhBqQ/w460-h640/wifredo-lam-autorretrato-ii-e1459930845664.jpg" width="460" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Autorretrato II". <span style="text-align: justify;">c.1938.
Gouache sobre papel sobre lienzo, 87 x 60 cm. Colección particular.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5xjVFdTxyrI1m6hVty5NnkxuLrdugTc_rZIWBs3XkCFb1oZHLNIecC6kLAq2v-wIxB7L_lYqNVi0wcZm5Xx8ZOvzYMLXvEna4dC642JFX96RMsyqsODFVaqzKMQ8E6CFEejDxoDn-JBciMgu3fj365h06Pthg4hYacGfnX-8mWL-c0-u_OsG-jnra35k/s756/figura%202.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="756" data-original-width="435" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5xjVFdTxyrI1m6hVty5NnkxuLrdugTc_rZIWBs3XkCFb1oZHLNIecC6kLAq2v-wIxB7L_lYqNVi0wcZm5Xx8ZOvzYMLXvEna4dC642JFX96RMsyqsODFVaqzKMQ8E6CFEejDxoDn-JBciMgu3fj365h06Pthg4hYacGfnX-8mWL-c0-u_OsG-jnra35k/w368-h640/figura%202.png" width="368" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Figura". <span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt; text-align: justify;">1939. Óleo sobre tabla, 107 x 63 cm. Colección
particular.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEit1ZXFgYvjxp-CwoRlBy8xXNhWo5wPw8gD_eXl4nxIUF-6vCTMxozMEr20PI8mluwB9yIAx_yJitN6yvKleH-aU57_JugH1Tml_sebNYOxIncxfZdSudKbfHWQ5lPOIxKytKGDt4Kv3T5tDsFGRofLE48g8ah9w1PHkqRODnNAPApuYVqu8yfgRs_WeZE/s499/Madre%20e%20hijo%20MoMA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="499" data-original-width="344" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEit1ZXFgYvjxp-CwoRlBy8xXNhWo5wPw8gD_eXl4nxIUF-6vCTMxozMEr20PI8mluwB9yIAx_yJitN6yvKleH-aU57_JugH1Tml_sebNYOxIncxfZdSudKbfHWQ5lPOIxKytKGDt4Kv3T5tDsFGRofLE48g8ah9w1PHkqRODnNAPApuYVqu8yfgRs_WeZE/w442-h640/Madre%20e%20hijo%20MoMA.jpg" width="442" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-align: justify;">"Madre e hijo".
1939. Gouache sobre papel, 104 x 74 cm. MoMA, Nueva York.</span></div></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">A partir de entonces,
del contacto con Picasso, y con los contactos que éste le facilita, aumenta su
interés por el arte africano y las máscaras primitivas. Este interés repercute
en su obra, creando figuras estilizadas y totémicas, composiciones más
esquemáticas y con rostros que parecen máscaras. Se suceden toda una serie de
figuras frontales, hieráticas, despojadas y monumentales, así como maternidades
trágicas, como la obra Madre e hijo del MoMa.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><i>“Participé
en la Guerra Civil. Esto me dio una posición crítica que no tenía antes. Cuando
llegué a París, tras la caída de la República, me puse a pintar aquello que era
más sentido por mí. Y de una manera automática, como dicen los surrealistas, me
salió ese mundo. Es decir, que cargaba todo eso en el subconsciente, y al
dejarme llevar por la pintura automática me brotó ese mundo tan extraño”.</i><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El encuentro
con los surrealistas, sobre todo a partir de finales de 1939 en que conoce a
Breton y Peret, le abre un mundo nuevo a su creación. En 1940, con la invasión
nazi a París, Lam se dirige a Marsella. Allí se reúne con el grupo surrealista
liderado por Breton y participa de las prácticas colectivas y automáticas del
grupo, como los cadáveres exquisitos, los dibujos colectivos, el diseño de
cartas del juego de Marsella. Sus
dibujos ya comienzan a mostrar figuras híbridas en que se mezclan aspectos
humanos, animales y vegetales. Este período de Marsella (1940-41) fue clave
para la exploración de un estilo que se consolidará recién con su regreso a
Cuba en el año 1941. Entre las obras de este período se encuentran las
ilustraciones (con lápiz y pluma que anuncian las particularidades de su arte
posterior) para el poema Fata Morgana de Breton. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">En 1941 Lam
zarpa rumbo a América con parte del grupo de los surrealistas. El destino era
Martinica para desde allí llegar a Nueva York o México. Pero a la llegada a
Martinica van a ser recluidos debiendo permanecer en esta isla por varias
semanas. En este período se da el encuentro con el poeta Aimé Césaire, con el
que ensayan formas de expresión y de representación, a partir del surrealismo,
profundamente ancladas en el ámbito del Caribe, en las que afloran la cultura
antillana popular y el animismo heredado de África. Lam es seducido por la
vegetación y la naturaleza tropical que lo enlazan aún más con toda su herencia
familiar afro cubana. Pero fundamentalmente, el contacto con Aimé Césaire lo
lleva a poner el foco de su pensamiento más que en términos de relaciones de
clase y de dominación (que él había ido madurando a través de su experiencia
europea), en términos raciales. Césaire le transmite el concepto de “negritud”
que él ha venido desarrollando desde su estadía en Francia, pero sobre todo a
partir de su regreso a Martinica. En
mayo de 1941 abandona Martinica rumbo a Cuba (a la que llegará en agosto de ese
año, previo a una estadía en Santo Domingo), ya que no consiguió visa para
ingresar a Estados Unidos. La situación de Cuba le impresiona negativamente, no
sólo por cuestiones económicas y políticas (corrupción, racismo, miseria) sino
también desde el punto de vista del hacer artístico, al que percibe anclado en
el academicismo y el folclorismo. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><i>“Quería con
todo mi corazón pintar el drama de mi país, pero expresando a fondo el espíritu
negro, la belleza de la plástica de los negros. De este modo, podría actuar
como un caballo de Troya que arrojara figuras alucinantes con el poder de
sorprender, de perturbar los sueños de los explotadores”.</i><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><i>“Me propuse
poner en mis cuadros los objetos negros en función de su paisaje y su mundo
propios. Mi pintura es un acto de descolonización, no física pero sí mental”.</i><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El tiempo
transcurrido entre su llegada a París y su regreso a Cuba es un tiempo de
profundos cambios en su poética. A la fascinación por lo africano y lo
primitivo que se había ido procesando en París, al encuentro con el surrealismo
que le muestra el camino para que afloren las raíces africanas que tiene en él,
se suma el redescubrimiento del trópico como “su” lugar y un asumir la negritud
de manera consciente para construir un universo artístico donde la base se
integre con todos aquellos componentes de origen africano vivos en la cultura
cubana y caribeña. En este proceso será importante su vinculación con Lydia
Cabrera y su recopilación de tradiciones y rituales de santería, con Fernando
Ortiz y sus estudios del fenómeno de la transculturación y con Alejo Carpentier
y sus conocimientos sobre la música y ritmos afro-cubanos. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Las obras de
1942 y 1943 son las que revelan ya su expresión propia y definitiva. <o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB4kgTKO-XorP9CGJ1XM-mXxpbZt92yfYzB73HVEfoT68G7suk0RRLNTNfNwGHudKqP0Ol44Lg_5IQeycCc_ZV-GjwsyJxFDbUUQPYums5HikFke3GheULhblqaBUtXPtCpLzFUKUr2HYmklV8HQECMhaC0cSCTNIesG4NdUQab6ae0uGfaFieeBAJgIk/s1200/Lumie%CC%80re-de-la-foret-1942-Centre-Pompidou-Adagp-Paris-20151004.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="763" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB4kgTKO-XorP9CGJ1XM-mXxpbZt92yfYzB73HVEfoT68G7suk0RRLNTNfNwGHudKqP0Ol44Lg_5IQeycCc_ZV-GjwsyJxFDbUUQPYums5HikFke3GheULhblqaBUtXPtCpLzFUKUr2HYmklV8HQECMhaC0cSCTNIesG4NdUQab6ae0uGfaFieeBAJgIk/w406-h640/Lumie%CC%80re-de-la-foret-1942-Centre-Pompidou-Adagp-Paris-20151004.jpg" width="406" /></a></div>"Luz del bosque". <span style="text-align: justify;">1942. Gouache sobre papel sobre
lienzo, 192 x 124 cm. Centro Pompidou, París</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Comienza a plasmar en sus
creaciones la exuberante naturaleza antillana y desde este espacio busca modelar
todo lo sobrenatural de la cosmovisión africana que vive en el presente e
invade la vida cotidiana del cubano. Un espacio donde se funde el hombre con la
vegetación y los animales. En Luz del bosque, una mujer, con la cabeza reducida
a una luna creciente, presenta senos formando racimos de frutas, piernas que
asemejan la caña de azúcar, hojas de tabaco que parecen brotar de su cuerpo… Nos
remite a la plantación, ya sea de tabaco o de caña de azúcar, como recordatorio
de la inserción del africano y su explotación, pero la vegetación frondosa
donde se funden hombres, plantas y animales es el monte, a donde el esclavo
huía, espacio sagrado poblado por los espíritus de los muertos y por las divinidades
y donde se mantuvo viva una cosmovisión que Lam busca develar. Y en estas
representaciones el uso de la máscara, a diferencia del uso formal que le dio
Picasso y la Escuela de París, es la presencia natural de lo sagrado, de lo
sobrenatural, sus personajes con máscaras son entidades mitológicas que funden
lo mítico con el medio natural y cultural. Con ella se hace real lo
maravilloso. Es la mitología viva del Caribe, donde todo está interconectado:
dioses, hombres, animales, plantas, minerales.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPZJFJBU0zTzgP39YvFunZzt9bXMMHFSby1e2msDrRD3CrIw2NEtoLk26v9Tb78ys2EA5i_k0J7UW-kvZjMdXaWqz7uiohptzWf1vRCoUrM-UIWtHgQ34gC0qMRDmyExSN_G6KGz4uA9d40Ub8VDzjKVbsmkjSd5YBWacST3aIU0Hn1spo_0K1EA2TLds/s2631/la%20jungla%20foto%20m%C3%ADa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2631" data-original-width="2533" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPZJFJBU0zTzgP39YvFunZzt9bXMMHFSby1e2msDrRD3CrIw2NEtoLk26v9Tb78ys2EA5i_k0J7UW-kvZjMdXaWqz7uiohptzWf1vRCoUrM-UIWtHgQ34gC0qMRDmyExSN_G6KGz4uA9d40Ub8VDzjKVbsmkjSd5YBWacST3aIU0Hn1spo_0K1EA2TLds/w616-h640/la%20jungla%20foto%20m%C3%ADa.jpg" width="616" /></a><span style="text-align: justify;">"La jungla".
1943. Gouache sobre papel sobre lienzo, 240 x 230 cm. MoMA, Nueva York.</span></div><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">La Jungla es un
dibujo monumental realizado sobre papel, con figuras de tamaño natural en un
campo de caña de azúcar. Las figuras enmascaradas emergen y desaparecen en
medio de un espeso follaje. Son formas totémicas, híbridas, a la vez
voluptuosas y angulosas, que parece camuflarse en medio de una exuberante
naturaleza. El personaje de la izquierda con una tijera abre la espesura para
invitarnos a entrar. El de la derecha (la mujer-caballo que conecta con las
divinidades) muestra las nalgas y vuelve la cabeza tal vez para advertirnos la
peligrosidad. Se trata de una escena
fantástica, por momentos amenazante, que parece evocar el mundo de los
surrealistas. Pero en realidad se trata del monte, de ese espacio del Caribe
donde religión y mitología se funden con el hombre. Donde lo maravilloso se
hace presente en la vida cotidiana. No es una descripción de una ceremonia de
santería, ni una recreación, sino que es la plasmación en el papel de aquello
que Alejo Carpentier denominó precisamente lo “real maravilloso”.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7RRUeSYbFCmFEL42vvuEUn_AOpQ32lO2BmPkCokXti2Xd6amLsAcqRLFhC9PELcs4pq2Onn0ah5hepqZmH90AU4LVILieZnkJswI0Ue9wf-zpiVlIDax5EQVWvSGqP4BHBek0BvU8yCqfKemtJ6Go4QrcaiogqyD5vTb-u9J0GopdPir8pZtR2wxrQbc/s1145/Lam-la-manana-verde-MALBA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1145" data-original-width="750" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7RRUeSYbFCmFEL42vvuEUn_AOpQ32lO2BmPkCokXti2Xd6amLsAcqRLFhC9PELcs4pq2Onn0ah5hepqZmH90AU4LVILieZnkJswI0Ue9wf-zpiVlIDax5EQVWvSGqP4BHBek0BvU8yCqfKemtJ6Go4QrcaiogqyD5vTb-u9J0GopdPir8pZtR2wxrQbc/w420-h640/Lam-la-manana-verde-MALBA.jpg" width="420" /></a></div><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-font-size: 14.0pt; mso-bidi-language: AS; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">"La mañana verde". 1943. Óleo sobre papel sobre
lienzo, 187 x 124 cm. MALBA, Buenos Aires.</span><br /><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">En esta obra “parecería”
que se está representando una práctica de santería en medio de una plantación
de caña. Pero al igual que en La Jungla, Lam, que no es un antropólogo, no esta
ilustrando ni narrando ninguna ceremonia religiosa, sino que está creando
mundos a partir del elemento africano vivo que puebla la idiosincrasia cubana,
donde naturaleza y cultura se funden. Se trata de un personaje femenino, alado,
con cascos de caballo (la mujer-caballo que representa a la persona que es
poseída por los orishás). De su cuello se proyectan otras cabezas, que
representan a otros orishás, y a sus pies vemos, a modo de naturaleza muerta,
una copa con ofrendas de maíz y frutas. Sostiene en su mano derecha, teñida de
rojo, hojas de tabaco, que solían utilizarse en prácticas de santería pero que Lam
introduce también, al igual que hace con la caña de azúcar, para aludir a las
formas asumidas por la explotación de los esclavos en el Caribe.<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><i>Todo lo
mágico, lo imponderable, lo misterioso de nuestro ambiente, aparece revelado en
sus obras recientes con una fuerza impresionante. (...) Hay creación en función
del ambiente. La realidad y el sueño se confunden. La poesía y la plástica se
hacen una. Hay atmósfera de mitos y de color, plenamente original. Hay mundo
propio. (</i>Alejo Carpentier, en Gaceta del Caribe, julio de 1944)<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">
</p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"> En los años siguientes a este “ciclo cubano”
(1942-1948), Lam diversifica sus intereses hacia las filosofías orientales, el
hermetismo o la alquimia. Se interesa por el arte de Nueva Guinea, de Oceanía,
de Polinesia. Con un repertorio de aspectos formales tomados del modernismo
(composición sintética, fragmentada en planos, múltiples perspectivas,
estilizaciones geométricas, etc.), continuará indagando en torno a las formas
totémicas de la imaginería de la santería africana. Sin embargo, también hay
una persistencia de representaciones ligadas con la tradición de la pintura occidental,
pero con agregados plásticos de su ya madura propuesta poética. Tal el caso de
la Maternidad de 1952.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBzMf9gnLrCNYcIBjVk_KOg2Xf9s8LAxJlvUGlcRss5Azjm3BpV71DbaYqUCXrnM54sPSAARCNewDuRqTIfG6BE5XkwtE9U-foZ2EbhXwLXYF-SSR3U_hHa74cgjN1D1wW5Bqbuiwl7UOUMUPpwQ5YlDslqzvFUK-4Diw06LhdXKQn35pSIrSnTsYo_AY/s900/wifredo-lam-maternidad-1952.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="620" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBzMf9gnLrCNYcIBjVk_KOg2Xf9s8LAxJlvUGlcRss5Azjm3BpV71DbaYqUCXrnM54sPSAARCNewDuRqTIfG6BE5XkwtE9U-foZ2EbhXwLXYF-SSR3U_hHa74cgjN1D1wW5Bqbuiwl7UOUMUPpwQ5YlDslqzvFUK-4Diw06LhdXKQn35pSIrSnTsYo_AY/w440-h640/wifredo-lam-maternidad-1952.jpg" width="440" /></a></div><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-font-size: 14.0pt; mso-bidi-language: AS; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">"Maternidad". 1952. Óleo sobre lienzo, 132 x 102 cm.
Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana.</span><br /><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">En 1952 se
instala en París, pero va a seguir estando siempre en contacto con Cuba.
Participa de la política cultural de la Revolución Cubana realizando murales,
organizando en 1967 una exposición de arte moderno en La Habana y participando
centralmente en el Congreso Cultural realizado en 1968. <o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">A partir de
1962 está radicado en Albisola, Italia, donde realizó una vasta obra en
cerámica. Hasta su muerte, en 1982, viaja periódicamente entre Albisola y
París. <o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><b>Dejo a
continuación enlaces a sitios web donde podrán acceder a otros materiales para
ampliar información:</b><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Sobre Wifredo
Lam (biografía, obra, exposiciones, etc.):<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://www.wifredolam.net/index_es.html" target="_blank">https://www.wifredolam.net/index_es.html</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Documental
Wifredo Lam de Humberto Solás<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=K3haX6m1k1s" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=K3haX6m1k1s</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Wifredo Lam.
Escribe Gerardo Mosquera:<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://www.artnexus.com/es/revistas/article-magazine-artnexus/5eb330893eb647223ff32505/15/wifredo-lam" target="_blank">https://www.artnexus.com/es/revistas/article-magazine-artnexus/5eb330893eb647223ff32505/15/wifredo-lam</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Lam: la pintura
como descolonización:<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://elasombrario.publico.es/wifredo-lam-la-pintura-como-decolonizacion/" target="_blank">https://elasombrario.publico.es/wifredo-lam-la-pintura-como-decolonizacion/</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Sobre
exposición de Wifredo Lam en el Centro Pompidou (2015-2016):<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://artishockrevista.com/2015/10/29/pompidou-dedica-gran-retrospectiva-wifredo-lam/" target="_blank">https://artishockrevista.com/2015/10/29/pompidou-dedica-gran-retrospectiva-wifredo-lam/</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Sobre
exposición de Lam en la Tate Modern:<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://www.telegraph.co.uk/art/what-to-see/wifredo-lam-the-unlikely-comeback-of-the-cuban-picasso/" target="_blank">https://www.telegraph.co.uk/art/what-to-see/wifredo-lam-the-unlikely-comeback-of-the-cuban-picasso/</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Análisis de “La
Jungla” de Wifredo Lam:<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://susetsanchez.wordpress.com/2013/07/11/wifredo-lam-y-la-jungla-regreso-de-un-hijo-prodigo-al-monte/" target="_blank">https://susetsanchez.wordpress.com/2013/07/11/wifredo-lam-y-la-jungla-regreso-de-un-hijo-prodigo-al-monte/</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">Interesante y
reciente artículo cubano sobre exposición de obras de Lam en La Habana:<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><a href="https://oncubanews.com/cultura/artes-visuales/wifredo-lam-un-antiguo-pintor-chino-que-dibujaba-dragones-dorados/" target="_blank">https://oncubanews.com/cultura/artes-visuales/wifredo-lam-un-antiguo-pintor-chino-que-dibujaba-dragones-dorados/</a>
<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;">
</p><p class="MsoNormal" style="tab-stops: 265.7pt; text-align: justify;"><o:p> </o:p></p></div></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><o:p></o:p></p></div><span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt; text-align: left;"></span></div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-85603962614225393362023-05-01T17:10:00.001-03:002023-05-01T17:10:11.247-03:00Ciclo de Charlas sobre La Imagen de la Mujer en el Arte desde la Prehistoria hasta la Edad Media<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1GWDgM6fdATRNAhwCrRC3DpLXfbKrseFzlPNN3vUuLl-2E4IromjZa30pycByhc_15HWZ4jsngcZHW2hP4JbPErgzFN4WdZnJ4SA2lnNFzr_j75OhD1zmaH4PPLU1jxyNsPV_uu8MHfj_Yh0a-jyl-shNpm1RBsFrx0IETdmZJu8Z2ac-DyrPMxyS/s1080/El%20Arte%20en%20la%20Historia.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1GWDgM6fdATRNAhwCrRC3DpLXfbKrseFzlPNN3vUuLl-2E4IromjZa30pycByhc_15HWZ4jsngcZHW2hP4JbPErgzFN4WdZnJ4SA2lnNFzr_j75OhD1zmaH4PPLU1jxyNsPV_uu8MHfj_Yh0a-jyl-shNpm1RBsFrx0IETdmZJu8Z2ac-DyrPMxyS/w400-h400/El%20Arte%20en%20la%20Historia.png" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: large;">Informes e Inscrpciones: arteenlahistoria2021@gmail.com</span></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6aHaRl8VRKkIQYgxnTN7S0HEOTQQcRB-kjC_OWVytmrVdyYgyCq5qNI7nI4s--VRc8EEiCF1pcecX8O1EbTZpRKF5cD2s1GSvSydOBsRRDXPF2dw2a7NSgJpOdYkzQlSZx-CxFXCduX6FIwAWfJ2n5X5OvA4KiHlwOFN1AedoRUFrwXzcj0r0DO2U/s1755/Programa%20ciclo%20La%20imagen%20de%20la%20mujer%20desde%20la%20Antig%C3%BCedad%20hasta%20fines%20de%20la%20Edad%20Media_page-0001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1755" data-original-width="1241" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6aHaRl8VRKkIQYgxnTN7S0HEOTQQcRB-kjC_OWVytmrVdyYgyCq5qNI7nI4s--VRc8EEiCF1pcecX8O1EbTZpRKF5cD2s1GSvSydOBsRRDXPF2dw2a7NSgJpOdYkzQlSZx-CxFXCduX6FIwAWfJ2n5X5OvA4KiHlwOFN1AedoRUFrwXzcj0r0DO2U/w453-h640/Programa%20ciclo%20La%20imagen%20de%20la%20mujer%20desde%20la%20Antig%C3%BCedad%20hasta%20fines%20de%20la%20Edad%20Media_page-0001.jpg" width="453" /></a></div><blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div></blockquote><br /><p><br /></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-55132771990101481762023-04-14T19:51:00.004-03:002023-04-14T19:53:32.412-03:00El Parque Rodó: un espacio urbano característico del ideario del estado uruguayo del Novecientos al Centenario<p><b style="text-align: right;"> Prof.
Mónica Salandrú</b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">En las tres
primeras décadas del siglo XX, que coinciden con el período histórico correspondiente
al “primer batllismo”, se consolida en Uruguay un imaginario social que actuó
como base en la configuración de una identidad nacional. Desde el Estado se
buscó afianzar procesos de integración de la población a través de un discurso
optimista, con gran confianza en el futuro, que hablaba de Uruguay como un
“país modelo”, caracterizado por el cosmopolitismo y la fusión de razas. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">En la
configuración de este imaginario social, el uso del espacio público y de la
imaginería urbana fueron elementos claves para tal fin. Las élites dirigentes
buscaron hacer de Montevideo una ciudad moderna y para ello tomaron al París de
Haussmann como modelo. A esto se sumaría la importancia que se concedió a las
ideas higienistas, y ambos aspectos permearon todas las realizaciones urbanas
del período: en particular la generación de amplias avenidas y espacios verdes.
Operó así una búsqueda de valores fundados en lo estético, pero también en la
salud, ya que el miedo a la tuberculosis estaba instalado con mucha fuerza
desde finales del siglo XIX. Se sucedieron así una serie de obras en espacios
públicos para concretar áreas verdes y de esparcimiento: parques y ramblas persiguieron,
además del ornato y la generación de “pulmones verdes”, un afán integrador, y
por tanto democratizador, de la sociedad uruguaya. El parque pasó a constituir
el “jardín de los pobres”: trabajadores urbanos, constituidos mayoritariamente
por inmigrantes, hacinados en viviendas ya sea colectivas o unipersonales
modestas, pasaron a disfrutar en su tiempo libre de espacios arbolados, con
fuentes, estatuas y senderos que sólo estaban presentes hasta entonces en los
exclusivos jardines de las casas del patriciado montevideano. Al generar estos
espacios, el batllismo los concibió también como instrumentos de nivelación
social y de mejora de la calidad de vida de los trabajadores, es decir que
respondieron a políticas educativas (el parque como lugar de educación, de ahí
la importancia de la estatuaria) y de control social (del ocio de la clase
trabajadora) al incentivar a través de ellos el deporte y el contacto con la
naturaleza. Para los trabajadores fueron lugares de paseo y socialización y
para la burguesía lugares de exhibición de su poder económico y de
socialización con sus iguales.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">LA CREACIÓN
DEL PARQUE<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Transcribo a
continuación unos párrafos extraídos del libro de Alicia Torres Corral “La
mirada horizontal, el paisaje costero de Montevideo”, que sintetiza precisamente
desde qué discursos se crea el Parque Rodó:
<i>“Las autoridades de la época trasladaron a los parques la responsabilidad de
oficiar como pulmones de la ciudad. Pero además los consideraron un instrumento
eficaz para civilizar a las clases populares. Se creía que el contacto con
gentes de modales refinados, y con una naturaleza artificial construida por el
hombre según normas estéticas consagradas, convertiría a los montevideanos en
ciudadanos modernos. El énfasis moralizante y filantrópico de los discursos
obedecía a que Montevideo no contaba aún con un parque público capaz de cumplir
ese cometido pedagógico. En 1873 se había inaugurado El Prado, un parque
público que al igual que los primeros parques públicos europeos, tuvo su origen
en un jardín privado. Pero, al estar situado fuera de los límites de la ciudad
en una zona de casas-quintas, resultaba de difícil acceso para las clases
populares y sólo era utilizado por la burguesía. Por lo tanto, en 1896 el
gobierno decretó la creación del Parque Urbano, actual Parque José Enrique
Rodó. Además de haber sido el primer parque público construido dentro de los
límites de la ciudad -de ahí el origen de su nombre-, el Parque Urbano fue el
primer espacio verde público construido junto al mar. La plantación de sus
primeros árboles alcanzó un nivel significativo sin precedentes al ser adoptada
como actividad de cierre de la primera celebración del día del árbol realizada
en nuestro país el 18 de setiembre de 1900. La “fiesta de los árboles”
consistió en un desfile por la Avenida 18 de Julio que partió desde la Plaza
Independencia -espacio institucional de la ciudad-, hasta llegar al Parque
Urbano donde novecientos escolares plantaron cuatrocientos árboles. El acto
alcanzó ribetes de conmemoración patriótica al encomendársele al “Poeta de la
Patria” Juan Zorrilla de San Martín la creación del “Himno al árbol”. Además de
los escolares y las maestras, varias delegaciones de colectividades extranjeras
participaron en el desfile. Niños y numerosos inmigrantes a los que el Estado
debía convertir en ciudadanos. A ellos dirigió su discurso el Ministro de Fomento
en representación del gobierno. La naturaleza perfeccionada del parque público
habría de cumplir un rol similar al de la escuela pública vareliana: conformar
un ámbito de cultura, de integración y de igualación social.” <span style="font-size: x-small;">(</span></i><span style="font-size: x-small;"><o:p></o:p><span style="text-align: left;">Torres Corral, Alicia. </span><i style="text-align: left;">La mirada horizontal, el
paisaje costero de Montevideo, </i><span style="text-align: left;">Facultad de Arquitectura/Universidad de la
República, Ediciones de la Banda Oriental. Montevideo, 2007, pp.90-91)</span></span></p><p class="MsoEndnoteText"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El Parque Rodó
adquiere esta denominación a partir de 1917, como homenaje al insigne pensador
y hombre de letras uruguayo José Enrique Rodó, fallecido en Italia el 1° de
mayo de ese año. El nombre con el que fue inaugurado en 1901 fue el de Parque
Urbano. En relación al Prado (primer parque público, privado a partir de 1873,
y formando parte de la administración municipal a partir de 1889) ofrece dos
claras ventajas: el paisaje costero y la cercanía con la ciudad. En sus
orígenes complementó las instalaciones del Balneario Ramírez que funcionaba
desde 1871. Se instala en terrenos pertenecientes al Banco Nacional y que al
momento de su quiebra (1896) habían pasado a manos del Estado. Éste las
transfiere a la órbita municipal en 1898 junto al establecimiento de fondos
especiales para la conformación del Parque Urbano. Luego se fueron agregando
otros predios a partir de varias expropiaciones realizadas hacia 1912. En la
actualidad el parque ocupa un poco más de 42 hectáreas. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Entre 1900 y
1902 se realizan trabajos preliminares, como la plantación de árboles a la que
hace referencia el texto de Corral transcripto más arriba. Esa actividad estuvo
dirigida por el paisajista Charles Racine, quien procedió a realizar una
selección de árboles y plantas entre los que se destaca la abundancia de flora
nativa. Entre 1903 y 1904 se procede a la construcción del lago artificial (con
una superficie superior a los 17.000 m2) con isletas, así como a la del
denominado Castillo del Lago. El proyecto de estos trabajos correspondió al
Ingeniero José María Montero Paullier, funcionario de la División Arquitectura
de la Intendencia. El diseño, articulado alrededor del lago, respondió al
paisajismo pintoresquista inglés (que había influido a su vez en el París de
Haussmann) en el que la naturaleza se nos presenta domesticada a través de
bosquecitos, roquedales, avenidas de palmeras, etc. En los años siguientes se
agregaron otras construcciones como el templete, el pabellón de la música, el
patio andaluz, paradores. En 1912 se contrató al paisajista francés Charle Thays
quien presentó un proyecto de ampliación del parque hacia la zona de Punta
Carretas que fue concretado muy parcialmente. <o:p></o:p></p>
<div style="mso-element: endnote-list;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdDuXHPb80mf5STPvEXN8kXHkUYenpgoaA0FCDwp1SGiuldZ2nZq11jWwUQPxYl9YdBLTSB7Sb4uR5ZLeQ_UalRZ39MK_hiG0xzhcgYHlkHiczb346Mc6sicALz1mkT6tsehZjpsaOP8msgGiouGA-g7JCziEwcJa3EJYk1csruhBm8QR0eSx2WQLZ/s1003/Imagen1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="1003" height="299" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdDuXHPb80mf5STPvEXN8kXHkUYenpgoaA0FCDwp1SGiuldZ2nZq11jWwUQPxYl9YdBLTSB7Sb4uR5ZLeQ_UalRZ39MK_hiG0xzhcgYHlkHiczb346Mc6sicALz1mkT6tsehZjpsaOP8msgGiouGA-g7JCziEwcJa3EJYk1csruhBm8QR0eSx2WQLZ/w400-h299/Imagen1.jpg" width="400" /></a></div><!--[if !supportEndnotes]--><div style="mso-element: endnote-list;"><br /></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">MONUMENTOS
NOTABLES<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El parque
alberga el <b>monumento a Florencio Sánchez</b>. Realizado por el escultor
uruguayo Luis Cantú (1883-1943) fue emplazado en las cercanías a la confluencia
de Av. Sarmiento y Julio Herrera y Reissig en 1937. Cantú, artista nacido en
San José y formado en Italia, realizó un busto en bronce de Sánchez sobre un
pedestal de piedra con estanque. Placas de granito repasan los títulos de sus
principales obras. Originalmente Cantú había planificado acompañar el busto del
escritor con un cóndor que revelara su sentido americanista y oficiara de
metáfora de las alturas a las que elevó al teatro rioplatense. Pero se decidió emplazar
el cóndor en forma independiente, por lo que hoy lo encontramos en una isleta
del lago artificial del Parque Instrucciones del año XIII ubicado entre las
canteras del Parque Rodó y el Club de Golf.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><b>Otros
monumentos</b> que podemos encontrar en el parque son los correspondientes a <b>Guillermo
Tell</b> (ejecutado por José Belloni en bronce y granito fue donado por la
colectividad suiza con motivo del centenario uruguayo y emplazado en 1931); al <b>Dr.
Emilio Roux</b> (ejecutado por el escultor uruguayo Ramón Bauzá en bronce y
mármol e inaugurado en 1930, evoca al científico francés, colaborador de
Pasteur, cuyos trabajos contribuyeron al logro de la vacuna contra la
difteria); a <b>Albert Einstein</b> (realizado por el escultor uruguayo Amadeo
Rossi Magliano en bronce y granito, fue donado por la colectividad israelita y
emplazado en 1935); a <b>Samuel Blixen</b> (del escultor Juan Carlos Oliva
Navarro, nacido en Uruguay pero naturalizado argentino, en bronce y granito,
fue un homenaje de colegas, alumnos, y amigos al destacado periodista y crítico
teatral, correspondiendo su emplazamiento al año 1911).<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Pero sin duda
que el <b>monumento más destacado es el realizado por José Belloni a José
Enrique Rodó</b> en granito gris y bronce, inaugurado en 1947. En él Belloni
introduce un busto de Rodó en bronce, ubicado en un pedestal sostenido en un
pilar del que emerge, por encima del busto, una figura masculina que representa
a Ariel, símbolo del idealismo y la espiritualidad. Sobre un basamento de 9
metros de largo por 1 metro de alto, el pilar central, referido, delimita dos
grupos escultóricos en bronce que representan las parábolas <i>La despedida de
Gorgias</i> (a la izquierda) y <i>Los seis peregrinos</i> (a la derecha), y en
la parte de atrás del pilar tres bajorrelieves representan tres escenas de la
parábola <i>Mirando jugar a un niño </i>(todas ellas contenidas en la obra de
Rodó “Motivos de Proteo”). Para un análisis detallado desde lo formal y lo
simbólico de esta obra mayor de José Belloni, recomiendo la lectura del
excelente trabajo de la Profesora Cecilia Arias “La imagen y las ideas de José
Enrique Rodó en el espacio público montevideano. Análisis del monumento
localizado en el Parque Rodó de Montevideo”, publicado en línea y cuyo enlace
dejo al final de la presente entrada.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimIZOwHzYU116Xq_dGbx3BKr-QL_m78rRH8gz6pLcu_7B3_pPDi67LPz0QwW3yxgxM6sQFaGhWseJNhjz7a2ck9vreIhc-SSNHJgFjiIO9zVWAXwWUBQ9fPKRCGpmwkDcX0tVpdb94csyO0pwBdZGoz4YnZDsd1xnQqLl0qi7YLcAbI3DbvhbOYyLA/s1024/Monumento_a_Jos%C3%A9_Enrique_Rod%C3%B3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1024" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimIZOwHzYU116Xq_dGbx3BKr-QL_m78rRH8gz6pLcu_7B3_pPDi67LPz0QwW3yxgxM6sQFaGhWseJNhjz7a2ck9vreIhc-SSNHJgFjiIO9zVWAXwWUBQ9fPKRCGpmwkDcX0tVpdb94csyO0pwBdZGoz4YnZDsd1xnQqLl0qi7YLcAbI3DbvhbOYyLA/w400-h300/Monumento_a_Jos%C3%A9_Enrique_Rod%C3%B3.jpg" width="400" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">ESTATUARIA Y
FUENTES<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El
establecimiento de estatuas en parques, plazas, canteros de avenidas, y otros
espacios públicos, constituyó una constante en la primera mitad del siglo XX.
Además de su valor ornamental (embellecer la ciudad, como vimos, fue muy
importante para las élites y para los gobiernos de la época), había una
convicción en relación a su valor educacional. Con los monumentos se buscaba no
sólo homenajear a los personajes a los que estaban dedicados, sino fijar en la
memoria de la sociedad sus aportes. Pero abundaron también una enorme cantidad
de esculturas de personajes y/o temáticas mitológicas o históricas, que se
adquirían por catálogo en centros europeos como París o Londres, y que estaban
destinadas a la educación de la población, buscando familiarizar a ésta con los
hitos de la cultura occidental. Como ejemplos de personajes mitológicos
encontramos en el parque dos esculturas de hierro fundido, compradas ambas por
catálogo a casas europeas. Una de <b>Neptuno</b>, emplazada en 1916 en el lago,
en la que el dios, en actitud de reposo, se encuentra apoyado en un cántaro que
vierte líquido mientras que a sus pies un amorcillo parece jugar alegremente. La
otra corresponde a la diosa <b>Venus,</b> también con un amorcillo que juega a
sus pies, fue ubicada hacia 1940 en un estanque de la plazoleta Florencio
Sánchez, sobre la calle 21 de Setiembre. Una tercer escultura de temática
mitológica, pero esta vez de mármol, corresponde a <b>Narciso</b> y fue
realizada por el escultor uruguayo Federico Moller de Berg en 1934 a partir de
un encargo de la comuna.<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Otra tipología
característica en el ornato de los parques públicos de esta etapa la
constituyeron las fuentes. Y también con el formato de compra por catálogo
encontramos <b>El manantial o La source</b>, realizada en 1862 por el escultor
francés Louis Sauvageau (1822-1874) y adquirida a la fundición francesa Val d’Osne.
Una joven con túnica drapeada, el pelo trenzado con hojas y un collar con motivos
marinos, vierte el agua de un cántaro en un elegante giro corporal. En la base
de la fuente hay figuras de Cupidos montados en delfines, que aparecen
custodiando el escudo nacional (evidente agregado local). Todo el conjunto de
bronce se colocaba en el centro de un estanque con piso de mosaico con motivos
marinos y un borde en cemento con macetones clasicistas, como puede apreciarse
en una fotografía de 1919. En la actualidad, y luego de sucesivas
restauraciones, la fuente no luce esta estructura que fue sustituida por un
discreto borde de ladrillos sobre muro de piedra, y no existiendo ya el piso de
mosaico del estanque. <span style="font-size: x-small;">(<span style="text-align: left;">Confrontar Tomeo, Daniela, </span><i style="text-align: left;">¿Quiénes viven en los
parques? Dioses, músicos, escritores y otras alegorías</i><span style="text-align: left;">. En Almanaque del
Banco de Seguros del Estado, Montevideo, 2012, pp. 130-138)</span></span></p><p class="MsoEndnoteText"><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg69NG-myeBJEo5jInSSJ_1Iok7pVvx1qJ8vZZtPW2chSoWyTNERmZ688m7TxZW1bauBxEC40jlSnnHDG04zAqcGZKg76teqVXlklXVBtkx1JCmIYGYGFp7hF-ZELboiNs7V_g03GbIkf6ZPu3wRdPi84HPQ4YSTWaHpKNO-5ovUN-WXmsTaP1gHGL/s3442/Imagen2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2475" data-original-width="3442" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg69NG-myeBJEo5jInSSJ_1Iok7pVvx1qJ8vZZtPW2chSoWyTNERmZ688m7TxZW1bauBxEC40jlSnnHDG04zAqcGZKg76teqVXlklXVBtkx1JCmIYGYGFp7hF-ZELboiNs7V_g03GbIkf6ZPu3wRdPi84HPQ4YSTWaHpKNO-5ovUN-WXmsTaP1gHGL/w400-h288/Imagen2.jpg" width="400" /></a></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><br /></p>Una
segunda fuente que queremos destacar es la <b>Fuente de los Atletas</b>, del
escultor uruguayo José Luis Zorrilla de San Martín. La obra, cuyo boceto en
yeso es de 1923<span face="Calibri, sans-serif"><span style="font-size: 14.6667px;"> (y se conserva en la actualidad en el Museo Nacional de Artes visuales de Montevideo)</span></span>, fue
presentada en el Salón de Otoño de París en 1925 obteniendo Medalla de Plata. En
1930 la Intendencia de Montevideo la adquiere para emplazarla en el Parque
Rodó, procediéndose entonces a su fundido en bronce. El conjunto escultórico
presenta tres hombres jóvenes (atletas) de pie, entrelazados, sosteniendo una pesada
copa de bordes ondulados desde la cual cae el agua. El grupo transmite fuerza y
armonía. Tanto el pedestal como el estanque, en un contemporáneo “art decó”
fueron diseñados por Zorrilla y se ejecutaron en granito rosado.<o:p></o:p><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">
</p><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggu5oGlji-Aq1aEVEVbwrdnT12StdufXue-BU_i3HI0BqxrZD_y77Hj1n7ACcbhvRkdEuOfGcXE_sawSMltt6xGTthqoeK5DbT1QtXKP50372UwH0zV5QQgg9JFxtQ4IzfJH8fC669UT9D_9ILkJbhvNFN1SHHcveUWN5Pv3rQVMsn4YfTtL4ud68W/s2475/Imagen4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2475" data-original-width="1856" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggu5oGlji-Aq1aEVEVbwrdnT12StdufXue-BU_i3HI0BqxrZD_y77Hj1n7ACcbhvRkdEuOfGcXE_sawSMltt6xGTthqoeK5DbT1QtXKP50372UwH0zV5QQgg9JFxtQ4IzfJH8fC669UT9D_9ILkJbhvNFN1SHHcveUWN5Pv3rQVMsn4YfTtL4ud68W/w300-h400/Imagen4.jpg" width="300" /></a></div><br /></div><div style="mso-element: endnote-list;"><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">CONSTRUCCIONES
EMBLEMÁTICAS<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El parque fue
agregando con el correr de los años una serie de construcciones que están hoy
absolutamente integradas a este paseo que, a su vez, es uno de los más
populares para los montevideanos. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Mencionemos en
primer término el <b>Pabellón de la Música</b>, donado por la colectividad
alemana en 1930, y que homenajea a Beethoven, Mozart, Brahms y Wagner.
Inaugurado en 1931, está realizado en mármol y presenta, sobre cuatro pilares
faceteados, una cubierta piramidal, todo en un sobrio art decó.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Otro de los
rincones característicos de este parque también respondió a la donación de una
colectividad de emigrantes, en este caso andaluces. Se trata del <b>Patio Andaluz</b>
(o “Glorieta Ariel”), inaugurado en 1939 y que está hecho con azulejos pintados
a mano procedentes de la fábrica de cerámicas Mensaque Rodríguez & Cía.,
una de las más antiguas de Sevilla. Participó en el diseño el arquitecto Miguel
Ángel Canale por la División de Arquitectura de la Intendencia Municipal de
Montevideo, arquitecto que también colaboró en el proyecto del Bar Morisco en
la rambla del Buceo (hoy Museo Zoológico Dámaso A. Larrañaga).<o:p></o:p></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: center;">-----------------------------------<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Dejo a
continuación algunos enlaces a sitios con materiales interesantes con los que
ampliar información:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">En este sitio
encontrarán información (tomada de la Guía urbanística de Montevideo) sobre el
Parque Rodó:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><a href="https://nomada.uy/guide/view/attractions/4558">https://nomada.uy/guide/view/attractions/4558</a>
<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Palabras del
Arq. William Rey Ashfield sobre el valor de los parques y los monumentos en el
patrimonio nacional:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=8w-R0L25T7s">https://www.youtube.com/watch?v=8w-R0L25T7s</a>
<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">Valioso
trabajo de la Prof. Cecilia Arias sobre el monumento a Rodó:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><a href="https://revistas.um.edu.uy/index.php/revistahumanidades/article/view/946/1156">https://revistas.um.edu.uy/index.php/revistahumanidades/article/view/946/1156</a>
<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">En el
siguiente link encontrarán una serie de comentarios sobre importantes
esculturas y monumentos de Montevideo donde aparece información sobre la Fuente
de los Atletas:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><a href="https://revistadossier.com.uy/wp-content/uploads/stories/dossier11/dossier_11_acervo.pdf">https://revistadossier.com.uy/wp-content/uploads/stories/dossier11/dossier_11_acervo.pdf</a>
<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">A
continuación, una referencia a la Fuente Le Source:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><a href="https://darioabilleira.com/2012/11/26/fuente-le-source-en-el-parque-rodo-montevideo-uruguay/">https://darioabilleira.com/2012/11/26/fuente-le-source-en-el-parque-rodo-montevideo-uruguay/</a>
<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;">El siguiente
trabajo es del año 1948 pero en él se encuentra información sumaria sobre
varias de las esculturas y monumentos del Parque Rodó:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><a href="https://anaforas.fic.edu.uy/jspui/bitstream/123456789/5747/1/Estatuaria.pdf">https://anaforas.fic.edu.uy/jspui/bitstream/123456789/5747/1/Estatuaria.pdf</a>
<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><o:p> </o:p></p><br /></div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-88955909850998383412022-09-23T14:16:00.001-03:002023-09-10T12:44:01.835-03:00El universo de Petrona Viera<p style="text-align: right;"> <b style="text-align: right;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Prof. Mónica Salandrú</span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbsGt446608kHG1lGJMGwcoGkrQIes6-QYF0gCCpsPO0U6un10SAV6bulZSceGyttGa9O0lWpodBN-yffv8GfvIXMY8X85nSD52NkxvxS1yJvSGLRW8DbUiXP4oRSmhHtK6iMAICSn3yKTzdkP5kLnRHtIQnHjeFpAPaOczclQEUQ1UmamASHD2Uak/s374/petrona.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="374" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbsGt446608kHG1lGJMGwcoGkrQIes6-QYF0gCCpsPO0U6un10SAV6bulZSceGyttGa9O0lWpodBN-yffv8GfvIXMY8X85nSD52NkxvxS1yJvSGLRW8DbUiXP4oRSmhHtK6iMAICSn3yKTzdkP5kLnRHtIQnHjeFpAPaOczclQEUQ1UmamASHD2Uak/w400-h400/petrona.jpg" width="400" /></a></div><br /><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;">Petrona Viera es la primera pintora profesional del Uruguay.
Si bien se registran algunas mujeres pintoras a lo largo del siglo XIX y
principios del siglo XX</span><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_edn1" name="_ednref1" style="font-size: 12pt;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[i]</span></span></span></a><span style="font-size: 12pt;">,
sus actividades se inscribían entre las que eran “bien vistas” en las mujeres
de los sectores sociales altos: tomar clases de dibujo y pintura para
desarrollar su “buen gusto” a la hora de dedicarse al hogar (que junto a la
maternidad constituían las áreas a las que las mujeres debían consagrar su
vida), pero claramente la sociedad patriarcal no aprobaba una dedicación de
carácter profesional ya que ésta estaba restringida a los hombres.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En el caso de Petrona Viera su dedicación en exclusividad a
la pintura y su desarrollo profesional en relación a ésta, encuentra explicación en el interés de una familia que favoreció este desarrollo como una forma
de compensación a su sordera, pero también se vincula a que las décadas en las
que ella se inserta en el mundo del arte, coinciden con la obtención por parte
de las mujeres de la posibilidad de ocupar más espacios a nivel social y
desempeñarse en otros roles hasta entonces reservados sólo a los hombres.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Petrona Viera nace en Salto el 24 de marzo de 1895 siendo la
primera de los once hijos del matrimonio conformado por Feliciano Viera<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_edn2" name="_ednref2" style="mso-endnote-id: edn2;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[ii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
y Carmen Garino. A los dos años sufre una enfermedad, tradicionalmente referida
como meningitis, a raíz de la cual desarrolla una sordera profunda, con las
consecuencias que ésta acarrea en el desarrollo del habla. Esta situación
limita la comunicación social, situación que obviamente hay que tener en cuenta
a la hora de abordar el hacer de Petrona Viera. Se cría en un ambiente familiar
caracterizado por la presencia de muchos niños. Como señalamos ella era la
mayor de once hermanos, de los que siete eran mujeres. Sólo dos de estas
mujeres se casarán y ambas regresan al hogar paterno, una al enviudar y otra al
divorciarse, sumando nuevos niños a éste. Esta casa se caracterizaba además por
la presencia de una madre que limita las salidas independientes de las hijas y
es un hogar que en particular se va a mostrar muy sobreprotector con Petrona
por su condición. No va a tener la joven pintora la posibilidad de formarse en
talleres o asistir al Círculo de Bellas Artes<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_edn3" name="_ednref3" style="mso-endnote-id: edn3;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
ni de viajar al exterior. Ya tempranamente manifiesta un gusto y un particular
talento para el dibujo, actividad que va a ser estimulada por su entorno
familiar. Hacia 1919-1920, la familia gestiona que Petrona tome clases de
pintura a través del Círculo de Bellas Artes, pero con clases en el domicilio.
Es así que el primer pintor que asiste al hogar de los Viera a brindar estas
clases es uno de sus principales profesores, el catalán Vicente Puig. La
formación con este artista se prolonga hasta 1922 en que Puig se traslada a
Buenos Aires para radicarse allí y será sustituido en el rol de maestro de
Petrona por el pintor Guillermo Laborde<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_edn4" name="_ednref4" style="mso-endnote-id: edn4;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iv]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>,
quien se convertirá en una persona fundamental para ella, además de su maestro
será un gran amigo, su referente artístico y su conexión con el mundo del arte.
Permanentemente la alienta a que presente obras en las exposiciones que
realizaba el Círculo de Bellas Artes. No sólo en las que se hacían anualmente
con obras de los alumnos de la institución, sino también en los Salones de
Primavera que el Círculo organiza desde 1923. A partir de 1927 el Ministerio de
Instrucción Pública comienza a organizar los Salones de Otoño, en los que
también Petrona Viera presentará obras, así como en los Salones Nacionales que
se organizarán luego de 1937, año de creación de la Comisión Nacional de Bellas
Artes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Pero otro aspecto en que es clave la figura de Guillermo
Laborde en relación a Petrona Viera es que es quien la introduce en el planismo<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_edn5" name="_ednref5" style="mso-endnote-id: edn5;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[v]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En 1923 hace su primer envío para el Salón de Primavera
organizado por el Círculo de Bellas Artes. Y a partir de este momento y por más
de treinta años enviará obra a las exposiciones del medio local e incluso a
alguna realizada en Buenos Aires. En 1926 realiza su primera muestra individual
en la galería Maveroff. Concurre a distintas muestras de sus colegas, a
galerías de arte, siempre acompañada de su hermana Lucha (Luisa Viera), que la
secundará en todas sus apariciones públicas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Toda la pintura inicial de Petrona, realizada en estos años
en que toma clases con Puig y luego en los primeros años con Laborde, gira en
torno a los eventos familiares, al mundo de los niños de la casa quinta en la
que vive la familia Viera, sobre la Avda. 8 de Octubre. Se trataba de una
lujosa finca, con amplio parque con árboles y espacios de recreo, y numerosos
sirvientes. Con la muerte de Feliciano Viera en 1927, la familia se recluye en
la quinta, sólo Petrona y Lucha realizarán salidas constantes a partir de los
años 30, en que la pintora incursiona en la pintura al aire libre, como veremos
más adelante. En 1929 la familia deberá abandonar la casa quinta ya que no
pueden sostener las hipotecas que pesaban sobre ella y se trasladan a una casa
que les dona el Partido Colorado, también en la Avda. 8 de Octubre, donde la
familia continúa su vida apartada y en la que Petrona Viera instalará el taller
en el que trabajará hasta su muerte en 1960.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Los óleos y dibujos de Petrona de los años 20 gira, como
decíamos, en torno a la vida en la quinta, transformándose por tanto en un
relato visual del universo de los Viera. Pinta retratos familiares, actividades
cotidianas de sus hermanas y hermanos, los juegos infantiles, las tareas de los
sirvientes. Su pintura es muy colorista. Hace un uso de los colores al modo de
los planistas, confrontándolos, colores muchas veces estridentes, con una casi
inexistencia de variantes tonales y en grandes áreas de color.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIkR_IEAqsFIT1PLZiNo_ktXwfWIrz_DitdKPtJJU299CaF4UldWpuMbD_2FVYUmKwZfbK82HazJ8kn_tpF1DBoP89t_vUfJDWnURw4wz1P_jWFZ3rRN31o8hvyQJzgAhQIzLOehmTK90yo4imf4AoH5LBQmFPzajnTMFW6hgASDfmM5q_L3kJv1uX/s2384/recreo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="2384" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIkR_IEAqsFIT1PLZiNo_ktXwfWIrz_DitdKPtJJU299CaF4UldWpuMbD_2FVYUmKwZfbK82HazJ8kn_tpF1DBoP89t_vUfJDWnURw4wz1P_jWFZ3rRN31o8hvyQJzgAhQIzLOehmTK90yo4imf4AoH5LBQmFPzajnTMFW6hgASDfmM5q_L3kJv1uX/w400-h378/recreo.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Recreo" - c.1924 - Óleo s/lienzo 86 x 90 cm, MNAV*</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Esta obra forma parte de toda una serie de cuadros vinculados
a los juegos infantiles. Un grupo de niñas parece danzar, en un clima de
alegría, en la tradicional ronda “Martín Pescador”. Las niñas están
representadas de una manera genérica, no están individualizadas sino que se ha
eliminado la singularidad de los rostros. Es una obra que refleja las
enseñanzas de Laborde ya que se trata de una composición planista de vivos
colores donde se produce un claro contraste entre la luminosidad del día y
sombra que proviene del parral. Participa del tono festivo y distendido de los
años 20 y de la pintura planista de dichos años.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Muchas obras de escenas infantiles y también de escenas entre
hermanas ya más grandes, no son en el exterior de la quinta (que las hay y
muchas relacionadas con el parque y sus árboles) sino en el interior, pero
particularmente en umbrales, un interior que mira al exterior. Se trata de
escenas introspectivas, de figuras quietas que conversan, secretean.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCVHlG4FnKE9mPZSwtjA6-B1BaANtXYZN5a3wK0zWD16Te20apENq6HE-tdWh949pCIcwJQuv7VYcDMsyii4r5kYEg8ZiWcuqimSINT8r7n4BNbIwkBz_lTKAz5kvKkYso0wrZbKY_ckVjLw32xtfnWBWPL3vAbb6hJf47vmzSu4dA-jaaYF5F5fcu/s540/sin%20t%C3%ADtulo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="540" data-original-width="397" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCVHlG4FnKE9mPZSwtjA6-B1BaANtXYZN5a3wK0zWD16Te20apENq6HE-tdWh949pCIcwJQuv7VYcDMsyii4r5kYEg8ZiWcuqimSINT8r7n4BNbIwkBz_lTKAz5kvKkYso0wrZbKY_ckVjLw32xtfnWBWPL3vAbb6hJf47vmzSu4dA-jaaYF5F5fcu/w294-h400/sin%20t%C3%ADtulo.jpg" width="294" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Sin título" - c.1924 - Lápiz s/papel, 54 x 70 cm, MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Tal vez estas obras nos hablan de esa vida de encierro, de
ella y sus hermanas, atisbando a través de los umbrales ese mundo exterior en
el que no están. Tal vez nos hablan de la situación de encierro de la propia
Petrona, que por su sordera ve tan limitada las posibilidades de comunicación
social.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSFN4VXShWQQpxwXqGE2Jz8WiTzxzm9wkKf7mP2flHbDWmi7h-1wbpfHjLWiMKu7Bjm1bPn9BFEAJ5kjRmrR2w6ZLhTdm51geQZG-A7CZ-bz_6rcTVuB-OcJEtOND2R6alf20PpLUD6IvT7T_eEAFrE3HVNiwz5OXXOYv16OFTk3-OpbsiC8ma2qWI/s720/composici%C3%B3n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="719" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSFN4VXShWQQpxwXqGE2Jz8WiTzxzm9wkKf7mP2flHbDWmi7h-1wbpfHjLWiMKu7Bjm1bPn9BFEAJ5kjRmrR2w6ZLhTdm51geQZG-A7CZ-bz_6rcTVuB-OcJEtOND2R6alf20PpLUD6IvT7T_eEAFrE3HVNiwz5OXXOYv16OFTk3-OpbsiC8ma2qWI/w400-h400/composici%C3%B3n.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Composición" - 1927 - Óleo s/lienzo, 252 x 294 cm, MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En 1927 presenta en el Salón de Otoño organizado por el
Ministerio de Instrucción Pública la obra Composición. Es una representación de
cuatro de sus hermanas en un entorno arbolado. El jurado del Salón en un primer
momento decide darle el primer premio, pero no de forma unánime. La discusión
en torno a brindar este premio a Petrona Viera se hizo pública, se enjuiciaba
por parte de la crítica el gran formato de la obra, sugiriéndole de forma
paternalista que utilizara formatos pequeños, se la consideraba demasiado
parecida a la de su maestro, se la veía poco innovadora. El paternalismo
caracterizaba a las críticas que se realizaban en relación a las obras de
artistas mujeres, generalmente se reservaban para evaluarlas términos tales
como “primorosa”, “delicada”, “tímida”, “decorativa”…, proyectando así la
visión que se tenía sobre lo que debía ser la pintura de una mujer, no se
admitía que ésta abordara temáticas y miradas que se consideraban masculinas.
La mayoría de las críticas que se realizaron hasta ese momento, y después, a la
obra de Petrona, reconocieron siempre el talento que tenía, pero muy pocos
valoraron su alcance. El jurado al final, ante la falta de unanimidad, le
otorga el primer premio, pero compartido con Carmelo de Arzadun y Ricardo
Aguerre. Como resultado de la severidad de las críticas (que la afectaron
mucho), y de la actitud errática del jurado, la artista devuelve el premio, no
lo acepta, y no volverá a pintar en un formato tan grande.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Además de las escenas de la vida cotidiana en la quinta,
Petrona Viera también pinta en estos años numerosos retratos, fundamentalmente
de sus hermanas y hermanos. <o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh3E98py-zC9vq21dbEGH_jtTwHSOSAGI6FidkP4TI6_0ghUA6BIdaP4f0c6BmCrSBFnOIb5vczy1CrAj_CGkVOmKmuOf121DWE_JJDxlKtuWZJrO-4e_fiwdj2FFGw5nuwu_RbWstterJD7bvHQTlLgwYsUpLVD5cNRuXYedyVAo5uoqXK3gqyybz/s540/retrato%20lucha.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="540" data-original-width="503" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh3E98py-zC9vq21dbEGH_jtTwHSOSAGI6FidkP4TI6_0ghUA6BIdaP4f0c6BmCrSBFnOIb5vczy1CrAj_CGkVOmKmuOf121DWE_JJDxlKtuWZJrO-4e_fiwdj2FFGw5nuwu_RbWstterJD7bvHQTlLgwYsUpLVD5cNRuXYedyVAo5uoqXK3gqyybz/w373-h400/retrato%20lucha.jpg" width="373" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Retrato de la Srta. L. Viera" - c.1923 - Óleo s/lienzo, 98 x 91 cm, MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En este retrato de su hermana Lucha, su acompañante, se
revela una gran modernidad pictórica, prueba sin duda de todo el contacto que,
a través de Laborde, tenía con la evolución del arte de vanguardia. <o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEy03WLIyjHGmWSXpE5_jlkIGk6vaf2_kTkmKvK2TLQyEys5gpBzA-bE9sU-mDoQXqSFrEp2ng16A0dryZXUpqlWqH0hPGesoR6bMmuaWgWOark_hODC-zG_gPcEuBfkcurOxiyiDYsk_p3jmMCbZi70PRXza8dJiNbK3HIC60J30vV6M9W3QyhgFv/s540/autorretrato.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="540" data-original-width="513" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEy03WLIyjHGmWSXpE5_jlkIGk6vaf2_kTkmKvK2TLQyEys5gpBzA-bE9sU-mDoQXqSFrEp2ng16A0dryZXUpqlWqH0hPGesoR6bMmuaWgWOark_hODC-zG_gPcEuBfkcurOxiyiDYsk_p3jmMCbZi70PRXza8dJiNbK3HIC60J30vV6M9W3QyhgFv/w380-h400/autorretrato.jpg" width="380" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Autorretrato" - c.1930 - Óleo s/lienzo, 91 x 87 cm, MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Su autorretrato, plenamente planista, nos muestra una gran
expresividad, de gran avidez comunicacional, como observando el mundo con sumo
interés.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7AhuucnBWfOZkJTxOgCO34C04dgtQNFwAdAGAODO20zXfGD2hIlqI2-X8PUiJ6aAwRL7u7RgQ3DlExFcP_oBXWnweZXaJropxdg8l27kfat4_blR8K8nX8eC8EmrrJ36-biID8SzWOhKt0MWZGPZdGA3IuQzRIOF53d0Q0zl_k2mZNiuUYueYpFmS/s750/estudio%20de%20desnudo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="583" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7AhuucnBWfOZkJTxOgCO34C04dgtQNFwAdAGAODO20zXfGD2hIlqI2-X8PUiJ6aAwRL7u7RgQ3DlExFcP_oBXWnweZXaJropxdg8l27kfat4_blR8K8nX8eC8EmrrJ36-biID8SzWOhKt0MWZGPZdGA3IuQzRIOF53d0Q0zl_k2mZNiuUYueYpFmS/w311-h400/estudio%20de%20desnudo.jpg" width="311" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Estudio de desnudo" - c.1936 - Óleo s/cartón, 50 x 40 cm, MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En los años 30 se produce un cambio, introduce otras
temáticas, como los desnudos. Esto resulta muy innovador para la época, no sólo
por su condición de pintora mujer, sino porque este género no lo estaban
abordando tampoco en ese momento los artistas hombres. Estos desnudos son muy
particulares desde el punto de vista plástico: muy sintetizados, en colores
cálidos, suaves, nacarados, de gran lirismo. Predominan en ellos, como en buena
parte de su pintura, la calma, el silencio, la invitación a la introspección.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizFvExYM3OQw2X4PPWnc1W2UST62T7ZVK17a9q0A3sjypmg9BfSnQVgN-80nmB-XBAj-e6X8l5cnReNcfVeCq5JF1XBENNKelG9uv3c7NJ2D_TospzRjmPAYppGaTTYaF8onpuYe_KEJR7uvO3A1d65Kotm9pGSpPfEv7pwYu1FSJhAXN1X3JPKMCX/s720/playa%20malv%C3%ADn.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="662" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizFvExYM3OQw2X4PPWnc1W2UST62T7ZVK17a9q0A3sjypmg9BfSnQVgN-80nmB-XBAj-e6X8l5cnReNcfVeCq5JF1XBENNKelG9uv3c7NJ2D_TospzRjmPAYppGaTTYaF8onpuYe_KEJR7uvO3A1d65Kotm9pGSpPfEv7pwYu1FSJhAXN1X3JPKMCX/w368-h400/playa%20malv%C3%ADn.jpg" width="368" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Playa Malvín" - 1931 - Óleo s/cartón, 25 x 23 cm, MNAV </div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Otra temática en la que incursiona en estos años 30 es el
paisaje. Sale a pintar al exterior, siempre con la compañía de su hermana
Lucha. Registra las playas Malvín y Carrasco, por ejemplo. Pero también las
oceánicas de Maldonado y Rocha. Y es aquí, en estos paisajes, donde la pintura
de Petrona Viera abandona su calma característica e introduce gran fuerza y
energía en olas que nos aproximan a furiosos mares y vientos.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKBHji4yS4brBmyn2LJb9VdPlNWUm64CucldCH-iR0NCRLMrt3YNsXntTwipoPCrkgY-s7NHbb-eA3VMIE0IZiNOUM7GzzpnFGh_sGqQE3nOGB3olRb-fIxB_apXrQwKe_nLGdoNH_t62M_USkJBriLv5MaA6z9DY1LH0UzlBSl-Vniyl8PSiur7of/s961/dos%20cuadros%20juntos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="520" data-original-width="961" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKBHji4yS4brBmyn2LJb9VdPlNWUm64CucldCH-iR0NCRLMrt3YNsXntTwipoPCrkgY-s7NHbb-eA3VMIE0IZiNOUM7GzzpnFGh_sGqQE3nOGB3olRb-fIxB_apXrQwKe_nLGdoNH_t62M_USkJBriLv5MaA6z9DY1LH0UzlBSl-Vniyl8PSiur7of/w400-h216/dos%20cuadros%20juntos.jpg" width="400" /></a></div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Estos cambios de los años 30, tanto en las temáticas como en
el uso de los colores, menos vibrantes que los de la etapa anterior, nos hablan
sin duda de nuevas necesidades expresivas por parte de Petrona.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmHJoBkhyORVdaonHGFMZ6d3u7PEeOUrIpsnwhzV9ap9lCKgN3jgKGyK16u1jnlA6iwNjWk8vS7_iRn4xmzE1sqmfIoy_4mf-Vz1tsStuVCok7XkL-qLvKaqRFyMAFfLhkMDIbjFEM-Alvdl63cz83lv37Kii57_YwDs0ekHae6-qBwFEst7IbW6jK/s720/playa%20costa%20azul.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="573" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmHJoBkhyORVdaonHGFMZ6d3u7PEeOUrIpsnwhzV9ap9lCKgN3jgKGyK16u1jnlA6iwNjWk8vS7_iRn4xmzE1sqmfIoy_4mf-Vz1tsStuVCok7XkL-qLvKaqRFyMAFfLhkMDIbjFEM-Alvdl63cz83lv37Kii57_YwDs0ekHae6-qBwFEst7IbW6jK/w319-h400/playa%20costa%20azul.jpg" width="319" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Playa Costa Azul" - 1933- Óleo s/cartón, 50 x 40 cm, MNAV</div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Algunas de las obras de este período parecen perder el énfasis
en la figuración y recorrer otros caminos desde la plástica, donde por momento,
como en estos cuadros de 1933, parece caminar hacia una síntesis narrativa
desde un mayor interés por la pintura pura.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">A partir de 1940 ingresamos en otra etapa en la pintura de
Petrona Viera. En este año muere su maestro Guillermo Laborde, situación que la
afecta profundamente. Unos meses más tarde Guillermo Rodríguez, artista también
vinculado al Círculo de Bellas Artes, se constituirá en su nuevo maestro,
introduciéndola en la práctica de una nueva técnica artística: la xilografía.<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_edn6" name="_ednref6" style="mso-endnote-id: edn6;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[vi]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3512UsDfRIFiIuig0CfpToge0JUumELW6Fil-zsrklDfgi8FKwuqtjfJiyv_Krax-hjleBb_chlyROWuJV4DxKF5z355HI7WuLNUUSx-xHP9Tkx9ZBEckHKbA7cLeAO8VS0ZK7KkyG4va7oMJGZtbsp79DD6GGljzf3q3UnocmpSvVZ11IRJPAzwJ/s718/xilograf%C3%ADa%202.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="718" data-original-width="582" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3512UsDfRIFiIuig0CfpToge0JUumELW6Fil-zsrklDfgi8FKwuqtjfJiyv_Krax-hjleBb_chlyROWuJV4DxKF5z355HI7WuLNUUSx-xHP9Tkx9ZBEckHKbA7cLeAO8VS0ZK7KkyG4va7oMJGZtbsp79DD6GGljzf3q3UnocmpSvVZ11IRJPAzwJ/w324-h400/xilograf%C3%ADa%202.jpg" width="324" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Xilografía - c.1940-1955 - MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Vuelve con la xilografía a la temática del desnudo, pero con
una carga mayor de expresividad y movimiento. Lo mismo ocurre con la temática
del juego infantil, la retoma pero también con una recurrencia a lo expresivo
que no habían tenido en la primera etapa.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBtWw6Cz8UB3n0DAuwNV-NSlG-2i8WtgnCjgXSdIPu5mcCtBWFspH1HiBZzBY5D89-dCay2mur5RI22DIZ7QKAHdGkILKXYbwB_Q_KWUdd6yV0C4HA2J4ZEP5s357Bj2J8o0GeJxidbTPRcH3BijJwHZWaF1O5T10SyqTD0WZYYIzn2eyPUBIOPmm8/s1138/xilograf%C3%ADa%203.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1138" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBtWw6Cz8UB3n0DAuwNV-NSlG-2i8WtgnCjgXSdIPu5mcCtBWFspH1HiBZzBY5D89-dCay2mur5RI22DIZ7QKAHdGkILKXYbwB_Q_KWUdd6yV0C4HA2J4ZEP5s357Bj2J8o0GeJxidbTPRcH3BijJwHZWaF1O5T10SyqTD0WZYYIzn2eyPUBIOPmm8/w400-h253/xilograf%C3%ADa%203.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Xilografía - c.1940-1955 - MNAV </div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Sobre sus últimos años, deja de exponer. Está enferma y su
pintura, al óleo, se centra en flores y naturalezas muertas en las que las
frutas son el centro de la representación. Vuelve al colorismo pero con la
particularidad que, como sus modelos, esta llegando al fin de su vida. Petrona
Viera fallece el 4 de octubre de 1960.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQfdwx8_rfUnOqBEQ1e_MayX0puqaLogADPClAUyVvQEQj6lgMafkQQBe96058O2yWtEJ5gqL263D2VvRxRRvcj691p30yDkVfJCoEe65uJy4V8QKuDDuR-nlcLQvZ2lJLqxvef_gn5o93ZT6jKRL2aExep52JRLzPJIYaE_C8YNWIsJzkw8RE58g1/s720/frutas.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="711" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQfdwx8_rfUnOqBEQ1e_MayX0puqaLogADPClAUyVvQEQj6lgMafkQQBe96058O2yWtEJ5gqL263D2VvRxRRvcj691p30yDkVfJCoEe65uJy4V8QKuDDuR-nlcLQvZ2lJLqxvef_gn5o93ZT6jKRL2aExep52JRLzPJIYaE_C8YNWIsJzkw8RE58g1/w395-h400/frutas.jpg" width="395" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Frutas" - 1957 - Óleo s/cartón, 27 x 27 cm, MNAV</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Para ampliar información pueden consultar el catálogo de la
retrospectiva que el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Montevideo le
dedicó en el año 1922, que pueden descargarlo en: </span><a href="https://mnav.gub.uy/cms.php?id=petrona2020"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://mnav.gub.uy/cms.php?id=petrona2020</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">También pueden descargar el trabajo de Raquel Pereda “Petrona
Viera: su vida y su tiempo” en: </span><a href="https://docplayer.es/24918897-Petrona-viera-su-vida-y-su-tiempo.html"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://docplayer.es/24918897-Petrona-viera-su-vida-y-su-tiempo.html</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></p>
<div style="mso-element: endnote-list;"><!--[if !supportEndnotes]-->*Todas las obras cuyas imágenes se insertaron, se ubican en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.<br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="edn1" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_ednref1" name="_edn1" style="mso-endnote-id: edn1;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[i]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Escasamente estudiadas por la historiografía del arte y con una casi
inexistente valoración por parte de sus contemporáneos.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn2" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_ednref2" name="_edn2" style="mso-endnote-id: edn2;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[ii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Feliciano Viera (1872-1927), abogado y político perteneciente al Partido
Colorado, ocupó la presidencia de la República entre 1915 y 1919. Integrante
del ala batllista de dicho partido, se distancia de la misma por desavenencias
con el líder José Batlle y Ordoñez, conformando en 1921 el sector del partido
denominado “Vierismo”.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn3" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_ednref3" name="_edn3" style="mso-endnote-id: edn3;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
El Círculo de Bellas Artes se había fundado en 1905 constituyendo la primera
academia donde aprender a pintar que tuvo el Uruguay.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn4" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_ednref4" name="_edn4" style="mso-endnote-id: edn4;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iv]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Guillermo Laborde (1886-1940) fue un importante pintor uruguayo asociado al
planismo, junto con José Cúneo, Carmelo de Arzadun, Alfredo de Simone y la
propia Petrona Viera. Realizó una intensa labor docente, además de sus trabajos
de pintura, diseño gráfico y de escenografías.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn5" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_ednref5" name="_edn5" style="mso-endnote-id: edn5;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[v]</span></span><!--[endif]--></span></span></a> Tendencia
pictórica presente en gran cantidad de artistas durante la década de 1920,
caracterizada por una pintura colorista, con una paleta cromática de colores
vibrantes, una composición geométrica definida a partir de amplios planos de
color y aplanamiento de todo el conjunto al no modelarse desde el claroscuro
para dar volumen. Se difunde principalmente desde el Círculo de Bellas Artes y
sus principales exponentes en los años veinte fueron José Cúneo, Carmelo de
Arzadun, Guillermo Laborde, Humberto Causa, César Pesce Castro, Guillermo
Rodríguez, Petrona Viera, entre otros.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn6" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Petrona%20Viera/Petrona%20Viera.docx#_ednref6" name="_edn6" style="mso-endnote-id: edn6;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Vrinda; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[vi]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
La xilografía constituye una de las variantes del grabado y es una técnica de
impresión que utiliza una matriz de madera para obtener la estampa.<o:p></o:p></p>
</div>
</div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br />Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-87110530547057343002022-09-20T15:30:00.005-03:002022-09-20T15:30:36.006-03:00Pintura norteamericana 1920-1990<p> En el próximo mes de octubre estaremos realizando, vía Zoom, un ciclo de charlas sobre la pintura norteamericana en el siglo XX, los pintores Edward Hopper, Jacob Lawrence, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jean-Michel Basquiat, y Keith Haring, serán abordados como ejemplos paradigmáticos de las distintas etapas seleccionadas para su análisis.</p><p>Las charlas se realizarán en vivo los sábados 8, 15, 22 y 29 de octubre de 10 a 12 hrs. Pero si no puedes participar tienes la posibilidad de recibir la conferencia grabada, así como los materiales y constancia, un par de días después de realizada cada una de ellas, para que puedas seguir el ciclo según tus tiempos.</p><p>Por más información, escribe al correo: arteenlahistoria2021@gmail.com</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOp6BqoFq2VRw0YI5GdieigDUgQXN1Gk19AFUvjOL5jCD7H1Z8oTIbe5r4Xnx-dPyaq4swRmNmQbkAEcXtBLMBFbF1rHjdNssowbW0pvgkLG8zfffnUbVtj3RPUfyOcW02mNBTC61G2wJRjKk2TF_u_Dr-eGAkLhYI_o9m-HgAgbO0MDJhqyikukP9/s1600/IMG-20220913-WA0020.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOp6BqoFq2VRw0YI5GdieigDUgQXN1Gk19AFUvjOL5jCD7H1Z8oTIbe5r4Xnx-dPyaq4swRmNmQbkAEcXtBLMBFbF1rHjdNssowbW0pvgkLG8zfffnUbVtj3RPUfyOcW02mNBTC61G2wJRjKk2TF_u_Dr-eGAkLhYI_o9m-HgAgbO0MDJhqyikukP9/w640-h640/IMG-20220913-WA0020.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p align="center" class="MsoNormal"><b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;">PINTURA NORTEAMERICANA
1920-1990<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal"><b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;"> </span></b></p>
<p class="MsoNormal"><b>SESIÓN 1 – 8 de
octubre de 2022<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal">La pintura realista
de Edward Hooper. La serie “Migración” del pintor afroamericano Jacob Lawrence.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b>SESIÓN 2 – 15 de
octubre de 2022<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal">Nueva York y el MoMA
después de la Segunda Guerra Mundial. El expresionismo abstracto: Jackson
Pollock, Willem de Kooning y Mark Rothko<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b>SESIÓN 3 – 22 de
octubre de 2022<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal">El “pop art”. Antecedentes.
La pintura de Andy Warhol y de Roy Lichtenstein <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b>SESIÓN 4 – 29 de
octubre de 2022<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoNormal">Del arte urbano a las galerías: los casos de Jean-Michel
Basquiat y Keith Haring<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i> </i></b></p>
<p class="MsoNormal"><i>Charlas por plataforma
Zoom, sábados 8, 15, 22 y 29 de octubre de 10 a 12 hrs.<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i>Costo: ciclo completo:
$ 2000<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i> Por charla: $ 600<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i>Forma de pago:
transferencia bancaria, depósito en Abitab, Mercado Pago<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i>Se incluyen materiales
y constancia<o:p></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal"><i>Información: </i><a href="mailto:arteenlahistoria2021@gmail.com"><i>arteenlahistoria2021@gmail.com</i></a><i><o:p></o:p></i></p></div><h3 style="text-align: left;">Inscripciones: <a data-saferedirecturl="https://www.google.com/url?q=https://forms.gle/QPN8xstbKVsmH1f86&source=gmail&ust=1663784134994000&usg=AOvVaw0EGZGi0LVl0TI2ZBUuXv55" href="https://forms.gle/QPN8xstbKVsmH1f86" style="background-color: white; color: #1155cc; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" target="_blank">https://forms.gle/<wbr></wbr>QPN8xstbKVsmH1f86</a> </h3>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-55547019007883516382022-07-25T22:05:00.007-03:002022-07-25T22:05:43.829-03:00Ciclo de Conferencias en agosto sobre arte uruguayo<p> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge3aDSvQg1IY_EWANvCMgTxWsPvYNQbcSgZxOvtXRB1zZZU_YOR6BfnKrZEpXeTMxAZBKH85QcFgT0jSr4N9cgy6zCUGrw72pRSRN46kD8mPe9NKM0geL4DFlI5odBW2wwBPsPHzo040oqh8HavhaCDYZfauzIMduE5PbrE9UeLQ3p83V1FlcEhoq2/s2048/afiche.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1152" data-original-width="2048" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge3aDSvQg1IY_EWANvCMgTxWsPvYNQbcSgZxOvtXRB1zZZU_YOR6BfnKrZEpXeTMxAZBKH85QcFgT0jSr4N9cgy6zCUGrw72pRSRN46kD8mPe9NKM0geL4DFlI5odBW2wwBPsPHzo040oqh8HavhaCDYZfauzIMduE5PbrE9UeLQ3p83V1FlcEhoq2/w640-h360/afiche.jpg" width="640" /></a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJoOCte4xbR8Ck3DXake5Cs4a2ARug1ugQ6lVGY3jSa34ByVBKjYPeqPfdpV9N375R3te9tpgGmbCA1jlS39QB4J1rpzh-KOQXgMS_LmjYznyobzA-Ssp6kRoBMjYsp41eJcqf0OIJVOIIvPcd2f6zQ_EMdvaRJNdSVLRiyCSWM_w5-CRTgPPSd970/s1754/programa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1754" data-original-width="1241" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJoOCte4xbR8Ck3DXake5Cs4a2ARug1ugQ6lVGY3jSa34ByVBKjYPeqPfdpV9N375R3te9tpgGmbCA1jlS39QB4J1rpzh-KOQXgMS_LmjYznyobzA-Ssp6kRoBMjYsp41eJcqf0OIJVOIIvPcd2f6zQ_EMdvaRJNdSVLRiyCSWM_w5-CRTgPPSd970/w453-h640/programa.jpg" width="453" /></a></div>Inscripciones: <a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSe_-CTiw_2O5nV-fBAIHzGDwTe9apHOvG4G3cez990FKk3YVw/viewform?fbclid=IwAR038_42BH7fzL0co_n0OcbwhhOPoSRxXnWyFCpGtRxNG0XE637GqC3_TL8" target="_blank">CLIC AQUÍ</a><div><br /><div><br /></div></div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-60129058956899384302022-04-27T11:31:00.008-03:002022-04-27T11:31:38.935-03:00Ciclo de Conferencias sobre Mujeres artistas en las vanguardias europeas y latinoamericanas<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgE6OSJ3Qsab_QF8zER0dflUWF0sncx_epw4OQaiavunC6uy2jUVL7GVMWLHDdk3Ih3mZQct-_MEfef8IhBaZ6oFRUytVZOspH2LPccoyecTtnLYyp74xjrgbnLGc19AsOkDcX5km1iJzlgzgMCFVpwpkuZ_4Rl_xX3sFJz9ereKYt3WHvogcptY64V/s1600/Afiche%20ciclo%20Mujeres%20en%20las%20vanguardias.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1131" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgE6OSJ3Qsab_QF8zER0dflUWF0sncx_epw4OQaiavunC6uy2jUVL7GVMWLHDdk3Ih3mZQct-_MEfef8IhBaZ6oFRUytVZOspH2LPccoyecTtnLYyp74xjrgbnLGc19AsOkDcX5km1iJzlgzgMCFVpwpkuZ_4Rl_xX3sFJz9ereKYt3WHvogcptY64V/w452-h640/Afiche%20ciclo%20Mujeres%20en%20las%20vanguardias.jpg" width="452" /></a></div><br /><p></p><p><span style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; white-space: pre-wrap;">Ciclo de conferencias sobre Mujeres en las vanguardias europeas y latinoamericanas. Se puede participar indistintamente de cualquiera de ellas. Por plataforma Zoom. Se envía grabación a quienes no puedan sumarse en los días y horarios previstos. Por más información: arteenlahistoria2021@gmail.com</span></p><p><span style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; white-space: pre-wrap;">Inscripciones: clic <a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSdzWcEmLr_isniUZM4E6Sj38eWq-iuw57Po1vNbeCx4EyMvew/viewform?fbclid=IwAR1GmNV9TwFnmqXkHi3owxCLrWJqBm9_tNUz5vq5a7FtLudvvip6PPPpS7I" target="_blank">AQUÍ</a></span></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-51413314254640070602022-04-25T19:59:00.000-03:002022-04-25T19:59:00.470-03:00El indigenismo en la pintura latinoamericana<p> Conferencia organizada por la Inspección de Historia el pasado 23 de abril.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="371" src="https://www.youtube.com/embed/1OypkdBXfOE" width="446" youtube-src-id="1OypkdBXfOE"></iframe></div><br /><p><br /></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-5579145670785707582022-04-08T13:45:00.004-03:002022-04-08T13:46:24.792-03:00Actividad de la Inspección de Historia<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkq2uGsXnfGtI70_19UoPJwH1CnKlwKs1sVvvc3Dv1OyyX7QBwqpHFQnTaknMSIHmwsjJETBfBDmcCr3tKZ1bne6eMp7x_PXNG6DtgYR0MkcVgSd0lMauOoHTztP9kx6b_8VANsQgaRpAdSSKKOrUFfV661tliZigYrrR3lYHP3_WwDGF70REH5wN9/s1024/IMG-20220408-WA0007.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="724" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkq2uGsXnfGtI70_19UoPJwH1CnKlwKs1sVvvc3Dv1OyyX7QBwqpHFQnTaknMSIHmwsjJETBfBDmcCr3tKZ1bne6eMp7x_PXNG6DtgYR0MkcVgSd0lMauOoHTztP9kx6b_8VANsQgaRpAdSSKKOrUFfV661tliZigYrrR3lYHP3_WwDGF70REH5wN9/w452-h640/IMG-20220408-WA0007.jpg" width="452" /></a></div><br /><p></p><p>Inscripciones: <a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLScgNSFeEr9Of-IHB00fmpaPGkhL3eGPND1vXufnRu6f1j15XA/viewform" target="_blank">CLIC AQUÍ</a></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-27914974191901631282022-03-24T18:23:00.000-03:002022-03-24T18:23:03.618-03:00Conferencia sobre María Izquierdo<p>Compartimos la conferencia dictada el pasado 18 de marzo</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="358" src="https://www.youtube.com/embed/QvUAQv5RX7w" width="480" youtube-src-id="QvUAQv5RX7w"></iframe></div><br /><p><br /></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-3593090856602628282022-03-17T21:20:00.021-03:002022-09-20T15:17:38.309-03:00María Izquierdo: pintora de claro signo feminista en el México posrevolucionario<blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><p style="text-align: right;">Prof. Mónica Salandrú </p></blockquote><p><span style="font-size: 12pt; text-align: justify;">María Izquierdo (1902-1955) fue una pintora mexicana nacida
en San Juan de los Lagos, Jalisco, en el seno de un hogar conservador y
católico. Debido a la temprana muerte de su padre, y a un segundo casamiento de
su madre, fue criada por abuelos y tías. </span><span style="font-size: 12pt; text-align: justify;"> </span><span style="font-size: 12pt; text-align: justify;">A los 14 años su familia la casa, contra su
voluntad, con un militar del que se separará poco después para casarse
nuevamente con un periodista, Cándido Posadas, con quien tiene 3 hijos. Llega
en 1923 a Ciudad de México divorciándose unos años más tarde de Posadas.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En 1928 ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes, tomando
clases con maestros como German Gedovius, conociendo en este período a Carlos
Mérida y Rufino Tamayo, profesores en la Escuela. De las pinturas que realiza
en este período se conserva <i>Retrato de Belem</i> (1928), correspondiente a
su media hermana, preanunciando en esta obra el tratamiento escultórico de los
retratos y autorretratos que caracterizarán posteriormente toda su producción.
Los trazos simplificados con que representa el armario y los objetos que sitúa
sobre él, al igual que la falta de respeto a las leyes de la perspectiva, nos
hablan de unas búsquedas compositivas y expresivas por parte de Izquierdo que empiezan
a dar cuenta de una pintura personal no exenta de influencias de la pintura
francesa del tipo de la de Cézanne, Matisse, Gleizes o Vlaminck.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyNHlkSJvoiYey_euyvqfxqLLd08lPCTefrrC5xAhJ3Oe5RD0XsvhVnDwIpJEV55-Blflr3lSIWDh2CyJG2D-26lOwEWtDRWSCkFGGe7dM0LJIWu0Qs7-KRwu84B1wCfh3iu2fZ3KBbofeXnsxjzrQsJPQRg2jjvZj3FXAwtPN-_ky3WohB0u5I3zG/s1066/Retrato%20de%20Belem.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="653" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyNHlkSJvoiYey_euyvqfxqLLd08lPCTefrrC5xAhJ3Oe5RD0XsvhVnDwIpJEV55-Blflr3lSIWDh2CyJG2D-26lOwEWtDRWSCkFGGe7dM0LJIWu0Qs7-KRwu84B1wCfh3iu2fZ3KBbofeXnsxjzrQsJPQRg2jjvZj3FXAwtPN-_ky3WohB0u5I3zG/w245-h400/Retrato de Belem.jpg" width="245" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;">Retrato de Belem. 1928. Óleo s/lienzo. 152 x 94 cm. Colección Blaisten</span></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En 1929 coincide en parte con la dirección de Diego Rivera de
esta institución, quien elogia su talento. Los alumnos mejor calificados de la
escuela se indignan y reciben a María con cubos de agua, clara demostración de
un mundo que se consideraba reservado a los hombres y al que le molestaba que
una mujer osara disputar en él un lugar de destaque.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En este año de 1929 realiza su primera exposición individual
en la Galería de Arte Moderno del Teatro Nacional (actual Palacio de Bellas
Artes), dirigida por los pintores Carlos Orozco Romero y Carlos Mérida, con la
participación de Rivera en la introducción del catálogo definiendo a María como
una de las personalidades más atrayentes y prometedoras que presentaba el
panorama artístico. <i>Retrato de Belem</i> es precisamente una de las pinturas
que se exhiben en la muestra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">También en este año inicia una relación sentimental con
Rufino Tamayo, resultando de los años en que están juntos (1929-1933) una
influencia artística mutua. A partir de Tamayo comienza a incursionar en la
acuarela y el gouache. Ambos se interesan por las vanguardias europeas y buscan
romper con la tradición de la escuela mexicana de pintura jugada a un arte
político, para integrarse en un arte más universal. Varios contemporáneos y
biógrafos de estos artistas han insistido en que fue mayor la influencia de
Tamayo sobre Izquierdo, dado que el cúmulo de experiencias y formación en el
campo artístico de aquél era muy superior al de María. Si bien esto último es
así, no podemos desconocer que, para artistas, críticos e historiadores del
arte de estos años, las vinculaciones artísticas entre el hombre y la mujer responden
a las dinámicas de poder dominantes: el hombre pinta, la mujer posa, él es el
maestro, ella la musa y discípula. Buena parte de esto se refleja en las obras
de estos años: mientras Tamayo realizó varios retratos de María Izquierdo, la
mayoría desnudos (con el costo que debe haber tenido para la artista, en el
marco de los convencionalismos sociales del México de entonces), no se conocen
retratos de Tamayo pintados por María. Pero es innegable que, si analizamos la
producción de ambos en este período, hay una iconografía y una forma de
componer compartida. A partir de formas primitivistas (no exentas de la
influencia de Gauguin y Picasso), ambos exploraron la representación del cuerpo
femenino a través de desnudos sólidos y de trazos gruesos, emparentándolo con
las formas emergentes del nuevo clasicismo en la pintura europea de la década
de 1920 (en el marco de la denominada “vuelta al orden”).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Estas búsquedas chocan con el conservadurismo de la Escuela,
situación que la lleva a abandonarla en 1929. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En 1930 se convierte en la primera artista mexicana en
exponer en Estados Unidos, en el Art Center de Nueva York. Izquierdo presentó
allí catorce óleos entre retratos, paisajes y naturalezas muertas. Y en ese
mismo año dos obras suyas fueron seleccionadas para formar parte de la muestra
colectiva (junto a Tamayo, Diego Rivera, Agustín Lazo y otros) <i>Mexican Arts,</i>
que reunió antigüedades, artesanías y arte mexicano de todos los períodos y se
llevó a cabo en el Museo Metropolitano de Nueva York entre octubre y noviembre.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">A lo largo de la década de 1930 va madurando una propuesta
plástica en la que, a las naturalezas muertas, retratos y paisajes, va
agregando autorretratos, temáticas circenses (las más recurrentes) y de
caballos, mujeres en paisajes o ambientes desolados, y ya a partir de 1940
agrega alacenas con objetos de arte popular mexicano y altares domésticos con la
Virgen de los Dolores. Su paleta va mutando de los colores terrosos y apagados,
a una cada vez más clara y variada en tonalidades, con predominio de tonos
cálidos, que la propia artista, desde sus dichos y escritos, relacionó con las
tradiciones indígenas. Y la figura de la mujer como protagonista, cobró mucha
más fuerza en su obra. En las escenas de circo, por ejemplo, aparecen audaces,
ya sea galopando o haciendo equilibrio en la cuerda floja, como trapecistas e
incluso como domadoras. <o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghqpyFQk8Sf9TRHuIu8773eadCjGqzVPvTuQYFS4CCd_V1K1OaHffUjDL8L-Kg9id9mm-5P9p4HmBTsjxnyUgHqAjrcDHvPXIrIA7y_eKvrZhN5M61HWtIvRmVsJMXv1CtSHdR528ujxQ0Gr4kmLCu2oaIG6RKU0WSj5r57HP08WJ2teViscxDYxgQ/s532/las%20caballistas%20lolita%20y%20juanita%201945.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="434" data-original-width="532" height="326" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghqpyFQk8Sf9TRHuIu8773eadCjGqzVPvTuQYFS4CCd_V1K1OaHffUjDL8L-Kg9id9mm-5P9p4HmBTsjxnyUgHqAjrcDHvPXIrIA7y_eKvrZhN5M61HWtIvRmVsJMXv1CtSHdR528ujxQ0Gr4kmLCu2oaIG6RKU0WSj5r57HP08WJ2teViscxDYxgQ/w400-h326/las caballistas lolita y juanita 1945.png" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Las amazonas Lolita y Juanita. 1945. Gouache. 46 x 56 cm. Colección particular</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En sus desnudos (característicos de su obra de los años 30), rompió
con la representación tradicional del desnudo femenino. No idealiza el cuerpo
de la mujer, lo presenta alejado de cualquier estereotipo y cargado de fuerte expresividad.
Cuerpos sólidos y poderosos que remiten a esculturas prehispánicas, pero que no
dejan, al mismo tiempo, de relacionarse con las monumentales siluetas de
Picasso<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_edn1" name="_ednref1" style="mso-endnote-id: edn1;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[i]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Sumado esto a una particular
representación espacial, ya sea arquitectónica o natural, donde abundan los
árboles truncos, la tierra yerma, las columnas aisladas. El desnudo en la obra
de Izquierdo es utilizado para representar los problemas que enfrentaba la
mujer de su tiempo. Si observamos la obra <i>Mujer ante el espejo</i> (1934) vemos
a una mujer que sentada en el suelo da la espalda al espectador y se observa en
un espejo. A su derecha hay un maniquí femenino, de frente, con curvas marcadas
y con el que la mujer parece estar comparándose en función de lo que la
sociedad espera de ella. Esta actitud de ignorar al espectador subvierte la
tradición pictórica imperante, donde el cuerpo de la mujer aparece generalmente
exhibido a los demás. <o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSZf8m74NMfPzPKjT2IqSSe__iWZJIjBdO5Tde7mM9WIJzn9UxKCSPZx7ptu-ZORHJ0jbAf6nkadULk4pB_lDQQS4lxYTn57aoLbW0HP_9u-jTRSJqZ06su8PPYJCSGUY0Xrmco9CO_M50FUj33N8bQJCSLL-STZEt2-cfMBCp-JgxB3aJCjsr32pu/s718/mujer%20ante%20el%20espejo.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="542" data-original-width="718" height="303" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSZf8m74NMfPzPKjT2IqSSe__iWZJIjBdO5Tde7mM9WIJzn9UxKCSPZx7ptu-ZORHJ0jbAf6nkadULk4pB_lDQQS4lxYTn57aoLbW0HP_9u-jTRSJqZ06su8PPYJCSGUY0Xrmco9CO_M50FUj33N8bQJCSLL-STZEt2-cfMBCp-JgxB3aJCjsr32pu/w400-h303/mujer ante el espejo.png" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Mujer ante el espejo. 1934. Gouache s/papel. 21 x 27 cm Colección particular</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En <i>Bañistas</i> (1938), cuatro mujeres aparecen en
situación de baño. Tres de las mujeres asumen las actitudes convencionales: una
está en cuclillas, otra se lava el cabello y la tercera suelta su toalla para
ingresar al agua. No parecen estar conscientes de ser observadas, a diferencia
de la cuarta bañista que mira directamente al espectador con expresión severa y
escondiendo su cuerpo en la toalla. Parece enjuiciar la intrusión de un
observador que cree tener derecho a mirar el cuerpo de la mujer en cualquier
momento. Su gesto de ocultar su cuerpo, a diferencia de la actitud despreocupada
de la mujer desnuda que está detrás, parece referir a que la vergüenza en
relación al cuerpo desnudo se relaciona no con los cuerpos en sí sino con las
personas que los miran.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNtkZRQlsAhN208k3STJMcWZ_r9uNU1kemXR3B7ElKsGHOaPviI0M-sFwEH5-1OOS7J0dvcG5QMdpq_H5YBnAm8PcoHRsRElVWEImym7eBFoQnyNjv5dvM7WvHojT8uf0JxCXtkukSRR--XyfvJS3AUDrDB-CxvSTr3-C8GQuTXvJD52oBCQGFEzmq/s617/bañistas%201938.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="468" data-original-width="617" height="304" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNtkZRQlsAhN208k3STJMcWZ_r9uNU1kemXR3B7ElKsGHOaPviI0M-sFwEH5-1OOS7J0dvcG5QMdpq_H5YBnAm8PcoHRsRElVWEImym7eBFoQnyNjv5dvM7WvHojT8uf0JxCXtkukSRR--XyfvJS3AUDrDB-CxvSTr3-C8GQuTXvJD52oBCQGFEzmq/w400-h304/bañistas 1938.png" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Bañistas. 1938. Gouache s/papel. 23 x 28 cm. Colección particular</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">María Izquierdo pintó también desnudos femeninos en pasajes
oscuros y fantásticos y en posiciones de sufrimiento y esclavitud. Se
constituyen en una denuncia de los abusos de la sociedad hacia las mujeres. En <i>Alegoría
del trabajo</i> (1936) muestra una mujer desnuda, encogida, cubriéndose la cara
con las manos, en un paisaje de montaña o volcanes. Dos columnas, como símbolos
fálicos, marcan la dominación masculina sobre el espacio. Dos piernas
contundentes, masculinas, se extienden encima de ella, con una esfera dorada
con una luna y estrellas cubriendo el lugar correspondiente a los genitales. Se
trata de una pintura que de manera nada sutil expresa la vulnerabilidad de la
mujer frente a la dominación masculina, y se convierte en una clara alusión a
la alta tasa de violencia sexual en México durante y después de la Revolución. <o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsOJvPntWKy_asKlNQQpTiys4zT0er0aT9oI7IGPO-oEw5BwP5QY805jIMYKI7y5FQf-m4apTsTauruLlXzya3tyff1M4toBncvqrt36R3NuP6Z5GeqK0R1CLD96vtJRNgmJhXbac7V0uDyUx9ZOH4DsdX4tTwVgRnRrhElJzGA5Y2FaY1f-rP0sgr/s850/Alegoría%20del%20trabajo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="653" data-original-width="850" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsOJvPntWKy_asKlNQQpTiys4zT0er0aT9oI7IGPO-oEw5BwP5QY805jIMYKI7y5FQf-m4apTsTauruLlXzya3tyff1M4toBncvqrt36R3NuP6Z5GeqK0R1CLD96vtJRNgmJhXbac7V0uDyUx9ZOH4DsdX4tTwVgRnRrhElJzGA5Y2FaY1f-rP0sgr/w400-h308/Alegoría del trabajo.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Alegoría del trabajo. 1936. Acuarela y temple s/papel. 21 x 28 cm. Colección Blaisten</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Los entornos utilizados por la artista, a menudo
sombríos<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>buscan provocar en el espectador un particular
estado de ánimo, una emotividad, una inquietud. No sólo los correspondientes a
desnudos femeninos, también son los paisajes que enmarcan naturalezas muertas o
escenas de caballos, por ejemplo. Estas producciones se emparentan con la
pintura metafísica de Giorgio de Chirico y también con el surrealismo. En 1936 el
poeta y dramaturgo Antonin Artaud, de visita por entonces en México, se muestra
sumamente atraído por la pintura de María en la que, a pesar de advertir
influencias de las vanguardias europeas, encontraba un alma verdaderamente
mexicana, y sostenía “María Izquierdo está en comunicación con las verdaderas
fuerzas del alma india, lleva su drama dentro de sí misma…”.<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_edn2" name="_ednref2" style="mso-endnote-id: edn2;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[ii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
En 1937 Artaud organizó en París, con unas treinta obras de Izquierdo que él
mismo llevó a su regreso de México, una exposición en la Galería Van den Berg
titulada “<i>Le Mexique et l’espirit primitif: María Izquierdo”</i>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Decíamos más arriba que tanto Izquierdo como Tamayo buscaron
romper con el rol político y propagandístico que las figuras clave del
muralismo habían asignado al arte. En 1947 Izquierdo declaraba, en una
publicación del Instituto de Bellas Artes, que evitaba “temas anecdóticos,
folklóricos y políticos porque dichos temas no tienen ni fuerza plástica ni
poética” y pensaba “que en el mundo de la pintura un cuadro es una ventana
abierta a la imaginación humana”.<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_edn3" name="_ednref3" style="mso-endnote-id: edn3;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Esta postura la acercó, durante esa década de 1930, al grupo de vanguardia
literaria denominado los Contemporáneos, que planteaban la idea de un arte puro
y estuvieron muy ligados a las vanguardias internacionales. La obra de Izquierdo
fue objeto de muchos escritos por parte de integrantes del grupo al tiempo que
publicaron algunas de sus pinturas en la edición de setiembre de 1929 de su
revista “Contemporáneos”. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En la década siguiente, en los años 40, la pintora, en la
ampliación de temas que señalábamos, enfatiza mucho más la llamada
“mexicanidad” a partir de recurrir, en el caso de sus autorretratos, por
ejemplo, a acentuar los rasgos indígenas, a los vestidos y peinados
tradicionales, y en el caso de las alacenas y los altares, a objetos de la
cultura popular mexicana. Así como para las escenas circenses acude a sus
recuerdos infantiles y a su fascinación por el circo, en el caso de esta nueva
tipología de naturalezas muertas integrada por las alacenas y los altares,
Izquierdo apela a su pueblo natal, San Juan de Lagos, con la feria anual que
reunía peregrinos y todo tipo de productos para su comercialización. Revela así
un interés por lo local, por las tradiciones, por las artes populares,
coincidiendo aquí con el muralismo, pero no con la intención de construir un
imaginario visual que actúe como soporte de una identidad nacional, sino que toma
esos elementos y les brinda un giro metafórico y poético. La profusión de
dulces, juguetes populares, cerámicas, ex votos, calaveras de azúcar, etc., no
sólo relaciona su pintura con íconos característicos de “lo mexicano”, en un
claro interés por recuperar tradiciones, sino que la entronca con el arte
colonial de México del siglo XVIII y con el arte ingenuo desarrollado en el
país entre fines del siglo XIX y principios del XX. Pero también está presente
la mirada de Izquierdo sobre la mujer: las alacenas como metáforas de las
constricciones de la sociedad mexicana sobre las mujeres. El repertorio de
objetos cotidianos, muchos de ellos que remiten en forma directa a la
sexualidad, encerrados en una alacena como metáfora de la feminidad atrapada.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXRdH2tNY7MiD5x_Nfmf_GXvwIOHDMEAfSaO1Dp2Ia2H-JQo28hEYCA9Qw5yjJ-cnDQDU8oNsArpjhGSH-_FqjpKPYf22zh11O7877mnif_pwzG2JuUhhs_GYsMZEyKOiSuRUvVEmAaxxo2EEy4Pxq_RJdXrWA7rroM61HeE4Q2ELXeQvMtrPc7xQO/s468/alacena%20con%20dulces%20cubiertos.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="468" data-original-width="348" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXRdH2tNY7MiD5x_Nfmf_GXvwIOHDMEAfSaO1Dp2Ia2H-JQo28hEYCA9Qw5yjJ-cnDQDU8oNsArpjhGSH-_FqjpKPYf22zh11O7877mnif_pwzG2JuUhhs_GYsMZEyKOiSuRUvVEmAaxxo2EEy4Pxq_RJdXrWA7rroM61HeE4Q2ELXeQvMtrPc7xQO/w298-h400/alacena con dulces cubiertos.png" width="298" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Alacena con dulces cubiertos. 1946. Óleo s/tela. 62 x 50 cm. Colección particular</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Muchas obras de los años 40 también utilizan el paisaje con
una mirada inquietante sobre los efectos de la modernidad y la
industrialización en la naturaleza y en el medio rural en general. Paisajes
desolados, con tierras yermas y árboles de ramas truncas, parecen estar
remitiéndonos a un crecimiento estancado, a fuertes desarraigos, a una frustración
con ese México posrevolucionario que ha incumplido las promesas de la
revolución, subvirtiendo así la narrativa triunfalista y hegemónica controlada
por el estado.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTo4mkUPDchbOk-BPKIOkSOJnh39RyQOcDAUEnVtchH2R033qObufSHaBcJoXI-pKYpCSQpwXgp5IXcGeTcNTEy5044Z6OYHnzSLkut-gaXMY0G5NSoGEj3yPdbcrsqQ-U9GCP09PYqGSlWdkGg27tPx2kA0JNKj4M_YJmTzmydjEIdjEPz5lUQ2J8/s850/Estación%20tropical.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="634" data-original-width="850" height="299" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTo4mkUPDchbOk-BPKIOkSOJnh39RyQOcDAUEnVtchH2R033qObufSHaBcJoXI-pKYpCSQpwXgp5IXcGeTcNTEy5044Z6OYHnzSLkut-gaXMY0G5NSoGEj3yPdbcrsqQ-U9GCP09PYqGSlWdkGg27tPx2kA0JNKj4M_YJmTzmydjEIdjEPz5lUQ2J8/w400-h299/Estación tropical.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Estación tropical. 1940. Gouache s/papel 44 x 59 cm. Colección Blaisten</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">María Izquierdo no sólo fue una figura importante de la
escena artística mexicana, sino que tuvo un notorio accionar a nivel cultural y
político.<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_edn4" name="_ednref4" style="mso-endnote-id: edn4;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iv]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
En una sociedad que asignaba a la mujer un lugar en el hogar y en un medio
artístico dominado por los hombres, Izquierdo participó activamente en
asociaciones feministas y en agrupaciones de lucha contra el fascismo y
enfrentó, como lo veremos un poco más adelante, prácticas autoritarias y
machistas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Formó parte de la Liga de Escritores y Artistas
Revolucionarios (LEAR)<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_edn5" name="_ednref5" style="mso-endnote-id: edn5;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[v]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.
En 1935 dirigió la muestra “Carteles Revolucionarios Femeninos”, organizada en
el marco de la Secretaría de Educación Pública (SEP) con la participación de
varias artistas vinculadas a la LEAR. En esta muestra, Izquierdo presentó el
afiche “Pulquería El Atorón”, xilografía realizada para la campaña presidencial
de Lázaro Cárdenas. En 1937, como miembro de la sección femenil de Artes Plásticas
del Departamento de Bellas Artes de la SEP, organizó una subasta de arte
mexicano para contribuir al pago de la deuda petrolera. En 1939 formó parte del
Comité Ejecutivo de la Sociedad Panamericana de Mujeres, y en 1944 presidió el
Comité Organizador del Primer Congreso Internacional de Artistas y Escritoras
Antifascistas. En repetidas oportunidades dictó conferencias y escribió
artículos, realizando crítica de arte, para diarios y revistas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">En
1938 inicia una relación con el pintor chileno Raúl Uribe, con el que se casa
en 1944. Uribe trabajaba en la embajada de su país en México y a partir de sus
contactos consiguió compradores para sus cuadros, transformándose en un
promotor de la pintora. En 1944 Izquierdo es designada por la SEP para una
misión cultural en Perú y Chile. Durante esta gira dictó conferencias sobre la
pintura en México y realizó muestras de sus obras en Perú y Chile. En este
último país, fue recibida por el poeta Pablo Neruda quien la promovió con
entusiasmo en el medio cultural chileno y en ocasión de su exposición en el
Ministerio de Educación en Santiago de Chile, el 19 de junio de 1944, leyó su
poema en prosa “Bienvenida a María Izquierdo”<a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_edn6" name="_ednref6" style="mso-endnote-id: edn6;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[vi]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">Tú no has pintado puentes de ciudades
extrañas, ni catedrales civilizadas, sino humildes circos, indios desconocidos,
cerámicas tutelares, franjas de tierras quemadas bajo las que mañana dormiremos
todos… Te doy la bienvenida, gran pintora de México. En tu lenguaje vivo, sabio
e infantil, razonable y onírico, se mezclan las flores de papel, las cortinas
de percal, las litografías populares, los cuadros del fotógrafo ambulante, a
los elementos poéticos y americanos, a las materias misteriosas de la atmósfera
y de nuestros objetos, y a los más profundos círculos natales.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">De
vuelta de su viaje (del que publicó varias crónicas en el periódico Excelsior)
María Izquierdo firma, en febrero de 1945, un contrato con el Jefe del
Departamento del Distrito Federal de México, el licenciado Javier Rojo Gómez,
para pintar el cubo y los plafones de la escalera principal del Palacio del
Distrito Federal, sito en el Zócalo de la Ciudad de México. Estaba en un
momento de su carrera de gran reconocimiento, con muchas exposiciones y
prestigio acumulado, por lo que realizar un mural en un lugar de tal
importancia política significaba para la pintora la oportunidad de colocarse en
el rango de los consagrados muralistas Rivera, Orozco y Siqueiros. En el
contrato firmado se estipulaba que la pintura se realizaría al fresco y el tema
debía girar en torno a la “Historia y desarrollo de la ciudad de México”. La
pintora prepara varios bocetos, algunos a lápiz y acuarela y otros a tinta,
tanto para los muros como para los plafones. Para el caso de estos últimos se
había convenido que el tema fueran las artes. Además de los bocetos, compró
materiales, colocó andamios, contrató personal. En los meses siguientes varios
motivos le fueron comunicados para justificar el retraso en el inicio de los
trabajos. Y finalmente, en octubre de 1945, el contrato fue cancelado. Sin
brindar mayores explicaciones, Rojo, en compensación, ofreció a Izquierdo los
muros de alguna escuela o mercado, ofrecimiento que ésta declinó por considerar
que de aceptar estaba lesionando su carrera y prestigio. De acuerdo a los
bocetos que sobreviven, la pintora pensó en representar el campo como
contrapunto fundamental del progreso urbano, contraponiendo la Tenochtitlán
prehispánica a la moderna ciudad de México en un muro y en otro el contraste en
el cultivo del maíz confrontando el ámbito rural con el fabril. No quedaron
claras las razones de la cancelación del contrato, se cree que Rojo se asesoró
con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros y que éstos desaconsejaron la
realización del mural por parte de Izquierdo, alegando su falta de experiencia
en la técnica del fresco y en la elaboración de murales, y sugiriendo se le
asignase un edificio de menor importancia. Hay que considerar varios motivos
por los que pudo darse esta oposición a Izquierdo; por un lado, sus posturas
con respecto al arte político e histórico que desarrollaba el muralismo
pudieron haber predispuesto a los grandes; por otra parte, la competencia por los
muros entre los artistas era importante, y en esos momentos ni Rivera ni
Siqueiros tenían encargos de la importancia del que se le había realizado a
Izquierdo. También pudo haber sido un factor importante el protagonismo que la
pintora asignaba a la mujer en toda la obra, de acuerdo a los bocetos
elaborados. Además, hay que tener presente que las figuras más importantes del
muralismo, Orozco el primero, consideraban que sólo un hombre tenía las
cualidades idóneas para realizar pintura mural.<span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lo
cierto es que la cancelación del contrato fue un duro golpe para Izquierdo,
económico, por los gastos realizados, y emocional, ya que con gran entereza
denunció la situación de discriminación y abuso de poder de que fue víctima,
así como el monopolio que los tres grandes claramente detentaban en el ámbito
del arte oficial. <o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguorMfLW8-EtREcqM3rXIHHUUYT6Ru-Ljma1JIE2qPLQsBqzR0OQXlGtyXGz5O0gphYI2zvwrGSKJhxVfGlcg8bAP8eIZacYfIH86GiMFJuEL64qEisdI6HvKbCwWKE0til2gJUnH9ocNtOysBio3YgyYeUaHGed6IRRNseUHP00db_n8LNzVhVJdl/s1039/Imagen1.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="736" data-original-width="1039" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguorMfLW8-EtREcqM3rXIHHUUYT6Ru-Ljma1JIE2qPLQsBqzR0OQXlGtyXGz5O0gphYI2zvwrGSKJhxVfGlcg8bAP8eIZacYfIH86GiMFJuEL64qEisdI6HvKbCwWKE0til2gJUnH9ocNtOysBio3YgyYeUaHGed6IRRNseUHP00db_n8LNzVhVJdl/w400-h284/Imagen1.png" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Boceto para muro de la escalera principal del Palacio del Distrito Federal. Gouache s/papel</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">En
estos años María realiza varios altares con la Virgen de los Dolores, altares hogareños
que conmemoraban la fiesta de los siete dolores de la Virgen que se realizaba
una semana antes del Viernes Santo. Además de la imagen de la Virgen, aparecían
en ellos las ofrendas que se solían realizar: frutas, flores, velas, objetos de
cerámica; con cortinas de encaje blanco transparente enmarcando el altar y la
pintura.<o:p></o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNOxyE3t3DRQ4-ybug01npXpolhR8a-1mnPlASTafgx6MMHziH-9kNBQk7xJfb2Tv7mnn0PKx4dcaURLWgoaxbomQBdYaa4WMf_7Kk9yHsjTXw5V8uZM8auKGTKYRPItSdklaPMSD_TUBnr-4ZeeDRS2No_Ll-aMXr0Lgy0xD68reqAir32FGq6vlT/s850/Viernes%20de%20Dolores.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="850" data-original-width="675" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNOxyE3t3DRQ4-ybug01npXpolhR8a-1mnPlASTafgx6MMHziH-9kNBQk7xJfb2Tv7mnn0PKx4dcaURLWgoaxbomQBdYaa4WMf_7Kk9yHsjTXw5V8uZM8auKGTKYRPItSdklaPMSD_TUBnr-4ZeeDRS2No_Ll-aMXr0Lgy0xD68reqAir32FGq6vlT/w318-h400/Viernes de Dolores.jpg" width="318" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Viernes de Dolores. 1944-45. Óleo s/tela. 76 x 61 cm. Colección Blaisten</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">En
1948 María Izquierdo sufre una hemiplejia que le paraliza el lado derecho del
cuerpo y el habla. Con gran tenacidad luchó por su rehabilitación, lo que le
permitió volver a pintar, actividad que realizaba con muchísimas dificultades.
En los años siguientes tuvo dos nuevas embolias que terminaron con su
fallecimiento en 1955, a la temprana edad de 53 años.<span style="mso-tab-count: 8;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">María
Izquierdo ha sido vista tradicionalmente, desde la historiografía del arte,
como una artista cuyo trabajo se reduce a expresar “lo personal”, mientras que
son los artistas hombres de su tiempo los que se ocuparon de los temas sociales
y políticos. Sin embargo está claro que la obra de María abordó de distintas
formas temas sociales, tales como la situación de la mujer en relación a la
violencia machista, las restricciones impuestas a la mujer en la esfera
pública, la cultura popular provinciana, la modernidad y la industrialización
vistas a través de paisajes desolados e inquietantes como una metáfora de ese
México posrevolucionario en que le tocó vivir.</span></p><p class="MsoNormal"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpsHOmWhdLKt1O2WWwsrPx9oMqv75ulYQ10woYbiR40SSN_JPBsn0meu3GQaOU2bWPnZSvbBw6R4rR6kgY4mBwF9rktDc0YGsiaanNK-7sMa6ZoQjFq3tbr4uHoKgLdnBKGQx0jl0IoluxdAakoXhynJcvVLYdJ091bsFPqAz7U56LVerSQO-IXxwO/s1280/María%20Izquierdo%20Presentación.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpsHOmWhdLKt1O2WWwsrPx9oMqv75ulYQ10woYbiR40SSN_JPBsn0meu3GQaOU2bWPnZSvbBw6R4rR6kgY4mBwF9rktDc0YGsiaanNK-7sMa6ZoQjFq3tbr4uHoKgLdnBKGQx0jl0IoluxdAakoXhynJcvVLYdJ091bsFPqAz7U56LVerSQO-IXxwO/w640-h360/María Izquierdo Presentación.jpg" width="640" /></a></div><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br />
<br />
<b>Fuentes consultadas:<o:p></o:p></b></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Andrade, L. (2003). Mujeres de barro y sangre. <i>Poligrafías.
Revista de literatura comparada</i>, N° 4, 159-165. Recuperado de:</span> <a href="http://revistas.unam.mx/index.php/poligrafias/article/view/31339"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">http://revistas.unam.mx/index.php/poligrafias/article/view/31339</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Comisarenco Mirkin, D. (2017). <i>Eclipse de siete lunas.
Mujeres muralistas en México</i>. México: Artes de México<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: EN-US;">Cotter, H.
(1997). <i>Painter on a pendulum, swinging from innocent to elegiac and back</i>.
</span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Recuperado de: </span><a href="https://www.nytimes.com/1997/05/30/arts/painter-on-a-pendulum-swinging-from-innocent-to-elegiac-and-back.html"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://www.nytimes.com/1997/05/30/arts/painter-on-a-pendulum-swinging-from-innocent-to-elegiac-and-back.html</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Deffebach, N. (2018). María Izquierdo: arte puro y
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</span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Goodkin, C. (2013). <i>La Desnuda Rebelde y el Bodegón
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<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Gómez Haro, G. (2013). <i>María Izquierdo, pasión y
melancolía</i>. Recuperado de: </span><a href="https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Guzmán Romero, A. (s/f). <i>Tres mujeres surrealistas en
México. Parte III. María Izquierdo</i>. Recuperado de: </span><a href="http://www.pudh.unam.mx/perseo/tres-mujeres-surrealistas-en-mexico-3/"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">http://www.pudh.unam.mx/perseo/tres-mujeres-surrealistas-en-mexico-3/</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Lucie-Smith, E. (1993). <i>Arte latinoamericano del siglo XX</i>.
Barcelona: Ediciones Destino S.A. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Martín Navarrete, M. (2014). <i>Lo que no pudo ser: María
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de Maestría. Universidad Nacional Autónoma de México. Recuperado de </span><a href="https://repositorio.unam.mx/contenidos/139073"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://repositorio.unam.mx/contenidos/139073</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Ortiz Gaitán, J. (2019). Magia y ensueño en la obra de María
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<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Reza, A. y Reza, D. (2014). Creadoras mexicanas, más allá de
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<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Vázquez Juárez, J. (2016). <i>Maniquí: una obra desaparecida
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México, Recuperado de </span><a href="https://repositorio.unam.mx/contenidos/67433"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://repositorio.unam.mx/contenidos/67433</span></a><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Torres, A. (2011). El muralismo mexicano: cuestión de
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<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Zavala, A. (2013). María Izquierdo y Rufino Tamayo: a
propósito de deudas e influencias. En Comisarenco Mirkin, D. (Coord.) <i>Codo a
codo: parejas de artistas en México</i> (pp. 197-224). México: Universidad
Iberoamericana.<o:p></o:p></span></p>
<span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 11pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><a href="https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo</span></a></span>
<div style="mso-element: endnote-list;"><!--[if !supportEndnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="edn1" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_ednref1" name="_edn1" style="mso-endnote-id: edn1;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[i]</span></span><!--[endif]--></span></span></a> Véase
Gómez Haro, G, <i>María Izquierdo, pasión y melancolía</i><o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn2" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_ednref2" name="_edn2" style="mso-endnote-id: edn2;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[ii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Citado por Reza, A y Reza, D., <i>Creadoras mexicanas, más allá de Frida Kahlo</i>,
p. 38<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn3" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_ednref3" name="_edn3" style="mso-endnote-id: edn3;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iii]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Citado en Zavala, A. <i>María Izquierdo y Rufino Tamayo: a propósito de deudas
e influencias</i>, p. 205<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn4" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_ednref4" name="_edn4" style="mso-endnote-id: edn4;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[iv]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Véase Torres, A. <i>El muralismo mexicano: cuestión de hombres</i>, pp. 591-592<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn5" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_ednref5" name="_edn5" style="mso-endnote-id: edn5;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[v]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Agrupación vinculada al Partido Comunista de México, fundada a finales de 1933
con los objetivos de luchar contra el imperialismo y el fascismo, apoyar las
luchas de los trabajadores y unificar a los intelectuales de izquierda.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="edn6" style="mso-element: endnote;">
<p class="MsoEndnoteText"><a href="file:///C:/A%C3%91O%202022/Art%C3%ADculos%20para%20el%20blog/Mar%C3%ADa%20Izquierdo/Mar%C3%ADa%20Izquierdo.docx#_ednref6" name="_edn6" style="mso-endnote-id: edn6;" title=""><span class="MsoEndnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoEndnoteReference"><span face=""Calibri",sans-serif" style="font-size: 10pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-UY; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[vi]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>
Citado en Deffebach, N. <i>María Izquierdo: arte puro y mexicanidad</i>, p. 27<o:p></o:p></p>
</div>
</div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-82302396881596734652022-03-08T15:09:00.000-03:002022-03-08T15:09:02.356-03:00Conferencia sobre la pintora mexicana María Izquierdo<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhNXIkoGfotPcyv28a4NhLkfXHXBcDTyxA49_g_dHKMPlK9WVLxp1Xnvg0iK73Tx3fJ-wycuOHQ2A9Sq1lWi_Y8ujmE3Oej7jldHRz2l3SwK1eFEzvV_c1IwA7GtZgmxq-SoUuf9QLMe7CIwdStOfXeiFlCaUkP6r41c4rC-ZihulvEQBksZEnYqAGx=s1414" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1414" data-original-width="1000" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhNXIkoGfotPcyv28a4NhLkfXHXBcDTyxA49_g_dHKMPlK9WVLxp1Xnvg0iK73Tx3fJ-wycuOHQ2A9Sq1lWi_Y8ujmE3Oej7jldHRz2l3SwK1eFEzvV_c1IwA7GtZgmxq-SoUuf9QLMe7CIwdStOfXeiFlCaUkP6r41c4rC-ZihulvEQBksZEnYqAGx=w452-h640" width="452" /></a></div><br /><p></p><p>Inscripción: <a data-saferedirecturl="https://www.google.com/url?q=https://forms.gle/jkmDyDoXS2PgNSgo9&source=gmail&ust=1646848990014000&usg=AOvVaw2yc39P-gY5ZdsRZ7txcsWB" href="https://forms.gle/jkmDyDoXS2PgNSgo9" style="background-color: white; color: #1155cc; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" target="_blank">https://forms.gle/<wbr></wbr>jkmDyDoXS2PgNSgo9</a></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-25236723297043081322022-02-14T15:15:00.014-03:002022-02-14T15:18:10.725-03:00Charla sobre Mujeres muralistas en México 1920 - 1970<p> En el marco del ciclo El muralismo mexicano, este próximo sábado 19 de febrero se realizará la charla en torno a "Las mujeres muralistas"</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEilyXVSXs1BjQ2DSGcozXJgRsJscovQe8odAOhbxIfSlbqOUiNCfrml2u7qo6cdGRDLi2ROMS9AlLigFYqL9vbPR7HeR6DBxglMsHqqqKomqUynJWfsmJVkc1Vd4DSNbLAbhQ9Y_3uUHxutDE8C0GmKeDCaKcBR8M3wVckHDoD9xnq3Z6M3H88Ey1Wj=s800" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="800" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEilyXVSXs1BjQ2DSGcozXJgRsJscovQe8odAOhbxIfSlbqOUiNCfrml2u7qo6cdGRDLi2ROMS9AlLigFYqL9vbPR7HeR6DBxglMsHqqqKomqUynJWfsmJVkc1Vd4DSNbLAbhQ9Y_3uUHxutDE8C0GmKeDCaKcBR8M3wVckHDoD9xnq3Z6M3H88Ey1Wj=w640-h640" width="640" /></a></div><br /><p>Informes: arteenlahistoria2021@gmail.com</p><p>Inscripciones:<a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfkk0DWkAzIcnb2FH5uw63M76dbUBDiexGSf7zFwqk2reIW-A/viewform">https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfkk0DWkAzIcnb2FH5uw63M76dbUBDiexGSf7zFwqk2reIW-A/viewform</a></p><p><br /></p><p> </p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-26185306438473345252022-01-28T17:44:00.015-03:002022-01-28T17:47:16.677-03:00Nuevo curso vía Zoom! El muralismo mexicano<p> Ciclo de charlas sobre El muralismo mexicano, a cargo de la Prof. Mónica Salandrú</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjoJaPANOgjFcIvnmYnZgCGui_8NXm4Zsgz8AD4mcwmPIhlYKu3AhCwajeH85FiQc7HjL1WEDNSTuePDBWbOAzwH9QChAJOfi0TonL60jmh2iAuXRgUd8-9oF3QDbt7V0ojJvAwFhe_PDuSnD58p2hdktS7BBXx1hqHhVWIFXxkXEvxHHUk_pMIeyyQ=s1600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjoJaPANOgjFcIvnmYnZgCGui_8NXm4Zsgz8AD4mcwmPIhlYKu3AhCwajeH85FiQc7HjL1WEDNSTuePDBWbOAzwH9QChAJOfi0TonL60jmh2iAuXRgUd8-9oF3QDbt7V0ojJvAwFhe_PDuSnD58p2hdktS7BBXx1hqHhVWIFXxkXEvxHHUk_pMIeyyQ=w640-h360" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEidYBx2Sxo56Cw4ZU9nV13Pt1nQeURlGtJy-vaHJaRkQhFvA15gZx_WjHjeNYF79O9RKwQ9R3bhwSjiQbqOq099FjpSdz5BjYTWAsM9v1numqpihFzGetWv6VTULRxrHl-qvhI13jjWfmmMaDKzlVkFXmE5F4BZcb5TGlmHsrHvqufSkI2Xzw8BKlbG=s1600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEidYBx2Sxo56Cw4ZU9nV13Pt1nQeURlGtJy-vaHJaRkQhFvA15gZx_WjHjeNYF79O9RKwQ9R3bhwSjiQbqOq099FjpSdz5BjYTWAsM9v1numqpihFzGetWv6VTULRxrHl-qvhI13jjWfmmMaDKzlVkFXmE5F4BZcb5TGlmHsrHvqufSkI2Xzw8BKlbG=w640-h360" width="640" /></a></div><br /><p>Inscripciones <a href="https://forms.gle/vXP8Cp68pL9T6Ghr8">https://forms.gle/vXP8Cp68pL9T6Ghr8</a></p><p>Para mayor información y todo tipo de aclaraciones: arteenlahistoria2021@gmail.com</p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-42604017487951193562021-12-10T18:45:00.002-03:002021-12-10T18:45:44.446-03:00Eduardo Vernazza en el Espacio Cultural del Edificio Artigas<p> <span style="font-size: large;">“Eduardo Vernazza, el arte en escena”</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiSQsk_bq_a0F5rp3ZgzsFjlNzhzCarVi2zF8n4FXeaomMtrTFBvpnXYVWJYMLSGAyncKSzoGIUzt3I1ROSdLNaliylaQTMCbPQ5iUOFLWrgZT737_4gJabXEJMYFAJyZbV0RnmTrIUa_3ZPZf5eIqrXaTVwX4thyNSo7vcgM8xpWPpGx7rwqXX2u8r=s2592" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="1213" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiSQsk_bq_a0F5rp3ZgzsFjlNzhzCarVi2zF8n4FXeaomMtrTFBvpnXYVWJYMLSGAyncKSzoGIUzt3I1ROSdLNaliylaQTMCbPQ5iUOFLWrgZT737_4gJabXEJMYFAJyZbV0RnmTrIUa_3ZPZf5eIqrXaTVwX4thyNSo7vcgM8xpWPpGx7rwqXX2u8r=w301-h640" width="301" /></a></div><span style="font-size: large;"><p>Eduardo Vernazza fue un artista plástico uruguayo nacido en
Montevideo el 13 de octubre de 1910 y fallecido el 26 de mayo de 1991.
Reconocido dibujante, pintor y crítico de arte, tuvo una formación
prácticamente autodidacta. En dibujo recibió clases de su tío Marcelino
Buscasso y frecuentó también el Círculo de Bellas Artes, tomando clases de
escultura con Severino Pose. Siendo muy joven, con apenas 20 años, ingresa como
dibujante en el diario El Día, ilustrando la sección Policiales a través de “apuntes”,
es decir, imágenes (dibujos, bocetos) que por medio de escasos y precisos
trazos sintetizan un hecho, un acontecimiento, o, como veremos más adelante, un
espectáculo.</p></span><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Tiempo después pasa a tener la sección “Ocio y Espectáculos”,
ya no sólo como dibujante sino también como cronista. En esta tarea permanecerá
hasta el cierre de El Día en la década de 1980. Sus “apuntes” acompañarán sus
textos sobre las artes escénicas de Uruguay por más de 50 años.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Si bien el ballet constituyó el objeto de representación
preferido, sus apuntes y críticas periodísticas abarcaron todo tipo de
representaciones, así como también a las artes visuales, en particular el
dibujo y la pintura.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Su obra plástica en relación al espectáculo teatral,
nacional e internacional, consistía en la realización de esbozos rápidos desde
la primera fila de la sala. Constituían el punto de partida de los “Apuntes”
con los que acompañaba sus notas periodísticas. Y muchos de ellos se
convirtieron en la base de pinturas al óleo de gran formato.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">A través de su lápiz desfilaron obras, actores y autores de
primer nivel, tanto del ámbito nacional como internacional. Sus ilustraciones y
notas documentaron así la denominada “época dorada” de las artes escénicas en
Uruguay, que se extiende<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>desde la década
de 1930 a la de 1950.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">De sus dibujos y pintura emergen Margarita Xirgú, Estela
Medina, Dahd Sfeir, China Zorrilla, Vittorio Gassman, Vivian Leigh, Rudolf
Nureyév, Margot Fonteyn, entre muchos otros,<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>captando siempre un gesto, una pose, una mirada, que los identifica y
define.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">En los bailarines, la captación del instante se da con unas
pocas líneas, que nos sintetizan magistralmente el movimiento.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Y en sus óleos sobresale el color: vivaz, sugestivo,
arriesgado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: large;">Y es a este universo creativo de Vernazza que nos acerca la
muestra que está llevando adelante el Espacio Cultural del Edificio Artigas, “Eduardo
Vernazza, el arte en escena”. Se trata de una colección privada que, según nos
comentó la Sra. Roxana Palotta, Directora del Espacio Cultural y responsable de
la exposición, generosamente se puso a disposición de este evento en un
esfuerzo de difundir la obra de Vernazza, escasamente visitada por galerías y
museos. La colección tiene una unidad, marcada por su referencia a las artes
escénicas. Pero anotemos brevemente que Vernazza tiene una obra plástica, tanto
a nivel de dibujos y pinturas, bastante más amplia, que abarca escenas
callejeras, el mundo del circo, el candombe, bodegones, marinas, etc.</span></p><p class="MsoNormal"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi2A-EUOOiOrTjSWFBb3oNWs97GxrSmZRHfCJg1p3YID6poErPiExcnyhtRw5N9fmlTH6dYqCRakxRSv1urHOFkHdjYtHb8Syz_KwbfuwTCNlcylwEgKc2GDkZG__160CKheuMFeC7hu5eIi-nOScjpEt7FZdP_weM0xEmq_nFEqgs1YhzjVPwKpadx=s2508" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1254" data-original-width="2508" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi2A-EUOOiOrTjSWFBb3oNWs97GxrSmZRHfCJg1p3YID6poErPiExcnyhtRw5N9fmlTH6dYqCRakxRSv1urHOFkHdjYtHb8Syz_KwbfuwTCNlcylwEgKc2GDkZG__160CKheuMFeC7hu5eIi-nOScjpEt7FZdP_weM0xEmq_nFEqgs1YhzjVPwKpadx=w400-h200" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjZHqSoorEJcpByRlAj2tTg0RUmLj2A-NklXLZQ7nTBnl-dcbcyt15VEIAIeAUM9xpcKT7SV4YjVePCcqzIeGXdD1YsOysp0ngMlp-J3KqHnFYGw4XdUKMZxuElck8ucIIGJFRubWbdu-HvaJ-acKtxxau6cCYSuZGk8nRVTzpiL0rODGf1C5OW-zs2=s2508" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1254" data-original-width="2508" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjZHqSoorEJcpByRlAj2tTg0RUmLj2A-NklXLZQ7nTBnl-dcbcyt15VEIAIeAUM9xpcKT7SV4YjVePCcqzIeGXdD1YsOysp0ngMlp-J3KqHnFYGw4XdUKMZxuElck8ucIIGJFRubWbdu-HvaJ-acKtxxau6cCYSuZGk8nRVTzpiL0rODGf1C5OW-zs2=w400-h200" width="400" /></a></div><span style="font-size: large;"><p class="MsoNormal">En el subsuelo del emblemático edificio art decó, Rincón
487, la exposición se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 17 hrs., hasta
el próximo 25 de febrero.</p></span><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Algunas de las obras que pueden verse en la muestra:<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgewmTu1flLpNtLik-YcTjO6cOPImtscLixPonYgchpJg4wpxS7HeFLKMsBCruMuauYcqS73JwEZdRwjau_I9k8eiTx4bTBUDYezo9o8FGLbQPNqrKnU9pUExL9N8-UqDHLFmEEHs87iJ6nxGcQUmLWFn5vPwXoHPy--Vf6PbZs3nIt4Mj6sIMpRYdb=s2048" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1114" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgewmTu1flLpNtLik-YcTjO6cOPImtscLixPonYgchpJg4wpxS7HeFLKMsBCruMuauYcqS73JwEZdRwjau_I9k8eiTx4bTBUDYezo9o8FGLbQPNqrKnU9pUExL9N8-UqDHLFmEEHs87iJ6nxGcQUmLWFn5vPwXoHPy--Vf6PbZs3nIt4Mj6sIMpRYdb=w217-h400" width="217" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjS6nWwGPrHnJSYSmz1yLeNmimlfP-fHtsVhEdoI9qjzyPsKmBdcY9wxr1rmHeNmGBnLcgD06cJhcGLnBiwL6XgSV0BMmfDZstoqWHiodgm4ajP8pVcdNDS8qcClAon-ujOZ52UhecxR_tHJIcakm81I9ekOhCyzNU4nXbl2vpPzhsXAcoPm1hV1BDI=s1154" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1106" data-original-width="1154" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjS6nWwGPrHnJSYSmz1yLeNmimlfP-fHtsVhEdoI9qjzyPsKmBdcY9wxr1rmHeNmGBnLcgD06cJhcGLnBiwL6XgSV0BMmfDZstoqWHiodgm4ajP8pVcdNDS8qcClAon-ujOZ52UhecxR_tHJIcakm81I9ekOhCyzNU4nXbl2vpPzhsXAcoPm1hV1BDI=w400-h384" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgAiCWhv5wvCIWAC1w_gQ-Wk3q6kEvsfI2maPuJwKk6iDA47NM-IhZZGvSKkhwhuthYm7hbYgWLoiFVmzEYtYrAcmKhV-CeZ-L89whSs_rRr9ObaulXLEIPuMhQKMF1jyY3Uk8M-a5G91-eib5hF-Pzm5FDmir1bmftMiqW0tL6Suvlntth9nwpWoec=s2048" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1166" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgAiCWhv5wvCIWAC1w_gQ-Wk3q6kEvsfI2maPuJwKk6iDA47NM-IhZZGvSKkhwhuthYm7hbYgWLoiFVmzEYtYrAcmKhV-CeZ-L89whSs_rRr9ObaulXLEIPuMhQKMF1jyY3Uk8M-a5G91-eib5hF-Pzm5FDmir1bmftMiqW0tL6Suvlntth9nwpWoec=w228-h400" width="228" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhP-8Gv6_ucAAYCJU79r6tPE-ETfQ-JKiY8FStmtjdsul9nxKyvVaDrase3Hxd1huhyx05JsA8OV0rrPm4JZtVzfvcEdy2qEtnCpG8pfbfm3hMJOzU7VUiC3XQ_fDucXVl4M2oe5bwYbcc7lgbWuNRzp3hWdxOwuJUFRFpsrrhd7Mx5u0ZMSVLKGj_u=s2048" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1572" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhP-8Gv6_ucAAYCJU79r6tPE-ETfQ-JKiY8FStmtjdsul9nxKyvVaDrase3Hxd1huhyx05JsA8OV0rrPm4JZtVzfvcEdy2qEtnCpG8pfbfm3hMJOzU7VUiC3XQ_fDucXVl4M2oe5bwYbcc7lgbWuNRzp3hWdxOwuJUFRFpsrrhd7Mx5u0ZMSVLKGj_u=w308-h400" width="308" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhdssbO_c-Nr39e-MKiG_DgNLjwhfyVU0_yUOKbytgTJoYJjjHDNyQcmiFDhG2nbrSCZO41OvtZLe3pBy6sTWvaDxgARVk1pFzyGyaLI8HU5M7GrNSAzh-AtpwQifDVDoTJ-v-RIwtddikOAflN33oWSXWgGwd3e-PT2zGSEwqyqP0stIGp7FOQcTz_=s2048" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1840" data-original-width="2048" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhdssbO_c-Nr39e-MKiG_DgNLjwhfyVU0_yUOKbytgTJoYJjjHDNyQcmiFDhG2nbrSCZO41OvtZLe3pBy6sTWvaDxgARVk1pFzyGyaLI8HU5M7GrNSAzh-AtpwQifDVDoTJ-v-RIwtddikOAflN33oWSXWgGwd3e-PT2zGSEwqyqP0stIGp7FOQcTz_=w400-h360" width="400" /></a></div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Para ampliar información:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Entrevista a la Directora del Espacio Cultural del Edificio
Artigas, Roxana Palotta, en el programa “En Perspectiva” el pasado 1° de
diciembre:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=0j9-OhpHrac">https://www.youtube.com/watch?v=0j9-OhpHrac</a><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Comentario sobre la muestra en Revista Dossier:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;"><a href="https://revistadossier.com.uy/artes-visuales/eduardo-vernazza-el-momento-preciso/">https://revistadossier.com.uy/artes-visuales/eduardo-vernazza-el-momento-preciso/</a>
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">El arte cinético de Eduardo Vernazza por la Dra. Nathalie
Roelens, en:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;"><a href="http://eduardovernazza.blogspot.com/2015/06/el-pintor-y-dibujante-de-uruguay.html">http://eduardovernazza.blogspot.com/2015/06/el-pintor-y-dibujante-de-uruguay.html</a><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;">Algunas de la notas de Eduardo Vernazza para El Día, en:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: medium;"><a href="http://letras-uruguay.espaciolatino.com/vernazza_eduardo/index.htm">http://letras-uruguay.espaciolatino.com/vernazza_eduardo/index.htm</a><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><o:p><span style="font-size: medium;"> </span></o:p></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-66492072459407475732021-11-15T17:37:00.007-03:002022-09-23T14:37:29.244-03:00El palco del teatro como tema en la pintura de los impresionistas a través de dos cuadros, uno de Mary Cassatt y otro de Pierre-Auguste Renoir<p style="text-align: right;"><span style="font-size: medium;"><b>Prof. Mónica Salandrú </b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Pintar
la vida moderna fue una de las características del Impresionismo, pintar a la
gente con sus indumentarias, en sus actividades cotidianas. Esto incluía las
novedades que presentaba el ocio de la burguesía triunfante en los espacios
urbanos de la renovada vida parisina. El teatro se convirtió en uno de los
lugares preferentemente frecuentados por este grupo social, ya que se
constituyó en un escenario social donde el estatus y las relaciones estaban en
exhibición pública. El lugar ideal para ver y ser visto, para la demostración
de riqueza y “buen gusto”. Y no sólo para la alta sociedad, ahora los nuevos
ricos invadían los teatros para mostrarse. El tema del palco ya había sido
tomado por dibujantes como Honoré Daumier, ya que era ideal para la sátira
social: en sus dibujos aparecían hombres lascivos con anteojos de gran tamaño,
mujeres maduras que luchaban por verse atractivas, padres que exhibían a sus
hijas casaderas, provincianos que se movían torpemente en un ambiente que
desconocían pero al que querían integrarse. También el mundo de la moda había
hecho del palco un frecuente motivo de los dibujos de sus revistas, ubicando
allí a elegantes damas que lucían los vestidos novedosos. Pero como motivo
pictórico aparece por primera vez en el cuadro “El palco del teatro (La loge)”
de Pierre-Auguste Renoir, presentado en la primera exposición impresionista en
1874.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis5AjyefTYgE4aOE2h31qW6bfeSpAfEXpt_wXbbNe6JKNYaIzAhLRIbEI1eFDPjVJQfw-c7mC2yI04DMcE5pMJYXarSrDckB0LYN3GlEbJYSceMGFBeRIt5seNrZXUWT5Qh14DK8zblLc/s2048/La_Loge_de_P.-A._Renoir_%2528Fondation_Vuitton%252C_Paris%2529_%252846499625955%2529.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1617" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis5AjyefTYgE4aOE2h31qW6bfeSpAfEXpt_wXbbNe6JKNYaIzAhLRIbEI1eFDPjVJQfw-c7mC2yI04DMcE5pMJYXarSrDckB0LYN3GlEbJYSceMGFBeRIt5seNrZXUWT5Qh14DK8zblLc/w316-h400/La_Loge_de_P.-A._Renoir_%2528Fondation_Vuitton%252C_Paris%2529_%252846499625955%2529.jpg" width="316" /></a></div>Pierre-Auguste Renoir. "El palco". 1874. Óleo s/lienzo 80 x 63 cm. Instituto de Arte Courtauld, Londres<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Una pareja elegantemente vestida en unos de los principales
teatros de París constituyó un tema sin precedentes. Era un paradigmático tema
de la vida moderna, y estaba representado también de una manera poco
convencional: la composición recortada daba la impresión de una instantánea
fotográfica, reforzada por la actitud diferente de ambos personajes. Mientras
la mujer ha bajado sus binoculares para convertirse en centro de atención, el
hombre levantó los suyos para mirar a otra persona entre el público. Mientras
el rostro del hombre queda semioculto por los prismáticos, la joven se muestra
en toda su belleza como en un marco dorado.
Esta pintura ilustra claramente los convencionalismos sociales en estos
ámbitos: la mujer está para ser mirada y el hombre es el que mira (respondiendo
a la tradicional práctica pictórica: los hombres pintan mientras las mujeres
constituyen su tema). Estamos por tanto ante un claro ejemplo de las
construcciones que en relación al género, caracterizan a esta época y a esta
sociedad. La escena fue preparada en el
estudio del artista. Para la mujer posó Nini López, modelo de Renoir en
diversas oportunidades. Y para el hombre posó Edmond, su hermano. Con una
pincelada suave y fluida, Renoir genera una sinfonía en blanco y negro
contraponiendo las rayas atrevidas del vestido de moda de la mujer con el
atuendo de noche del hombre. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM1YCNq7wn93zuH1kuy43b-9u8y6LHfhf0nzx3iD2bvETby53mZkCdqg4FTI5uegEqePGz-Rq-UyL0tdPLL6JVbPRAJ2DDTXAMs3ENAnB_T-LN_-4uo3V9yPhTH3bFXzTLNFgoW1gt2DA/s1600/Mujer+de+negro+en+la+%25C3%25B3pera.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1295" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM1YCNq7wn93zuH1kuy43b-9u8y6LHfhf0nzx3iD2bvETby53mZkCdqg4FTI5uegEqePGz-Rq-UyL0tdPLL6JVbPRAJ2DDTXAMs3ENAnB_T-LN_-4uo3V9yPhTH3bFXzTLNFgoW1gt2DA/w324-h400/Mujer+de+negro+en+la+%25C3%25B3pera.jpg" width="324" /></a></div>Mary Cassatt. "Mujer de negro en la Ópera". 1878. Óleo s/lienzo 81 x 66 cm. Museo de Bellas Artes de Boston<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Mary Cassat también abordó el tema del palco del teatro en
varias de sus pinturas. En el óleo de 1878, “Mujer de negro en la Ópera”,
Cassatt le dio a su figura femenina un papel notablemente más dinámico que el
otorgado por Renoir a la suya, ya que mira con avidez a través de sus lentes de
ópera la fila de asientos frente a ella (o la escena). En el fondo, arriba a la
izquierda, un hombre dirige su mirada hacia ella. El espectador, que los ve a
ambos, completa el círculo. En Cassatt la mujer, en lugar de un receptor pasivo
de la mirada masculina, analiza activamente a la multitud y no muestra signos
de ser consciente del espectador. Los binoculares, al ocultar su rostro,
contribuyen a subvertir el rol asignado a la mujer de objeto de
contemplación. Esa postura inquisitiva
sin duda rompe con los estereotipos comunes sobre la feminidad. El negro del
vestido podría indicarnos su condición de viuda, y si es así, no tenía las
mismas restricciones sociales que las solteras y las casadas. De todas formas,
claramente estamos ante una mujer está asumiendo actitudes que esta sociedad
reserva a la masculinidad.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-77426277206059813922021-11-03T18:53:00.005-03:002022-09-23T14:38:32.626-03:00Dos mujeres artistas en el Impresionismo: Berthe Morisot y Mary Cassatt<div class="separator" style="clear: both;"><div style="text-align: right;"><b style="font-size: large;">Prof. Mónica Salandrú</b></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpOJELpXkGCBtSgFwjD8zbpdpoCrToMKNSCH_MAejJnsHhXyb-vkn8cEeSlKTonNybJ75Q5VaXB9j59qOYFAEtazspzV5cZpTswYV89C-JJF29YYfQze4e3pzru3RuFE5ZldhX_S9V994/s960/Diapositiva1.JPG" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="720" data-original-width="960" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpOJELpXkGCBtSgFwjD8zbpdpoCrToMKNSCH_MAejJnsHhXyb-vkn8cEeSlKTonNybJ75Q5VaXB9j59qOYFAEtazspzV5cZpTswYV89C-JJF29YYfQze4e3pzru3RuFE5ZldhX_S9V994/s400/Diapositiva1.JPG" width="400" /></a></div>
<b><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Artistas mujeres: </span></b><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">
En la década de 1970, el ensayo de Linda Nochlin “¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?” pone en cuestión la omisión que la historiografía del arte ha realizado del estudio de la creación artística realizada por las mujeres a lo largo de la historia. E inaugura una serie de estudios que van al rescate de artistas mujeres olvidadas en los diferentes períodos históricos, buscando objetivar el peso del género en la historia del arte. </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">En 1989 una acción del grupo “Guerrilla Girls”, colectivo feminista vinculado al mundo del arte, desplegó afiches en Nueva York en que se preguntaba: “¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum? Menos del 5% de los artistas de la Sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos.”
La denuncia del colectivo se centraba en la hipervisibilidad de la mujer como objeto de representación frente a la invisibilidad como sujeto creador. Y la denuncia iba mucho más allá que a los investigadores de la historia del arte, involucrando museos, galerías, críticos, curadores, y otras instituciones dedicadas a la difusión de la creación artística. </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">En la década de 1980 fue importante el peso de la obra de Rozsika Parker y Griselda Pollock “Old Mistresses. Women, Art and Ideology”, en la que las autoras sostenían que era insuficiente agregar a las mujeres y por lo tanto la tarea de la investigación feminista tenía que centrarse en comprender el peso de las construcciones del género en cada época, ya que son precisamente éstas las que definen quiénes pueden transformarse en artistas y quiénes deben ser recordados u olvidados. </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Se entendió pertinente realizar estas consideraciones previas a los efectos de contextualizar la aproximación que realizaremos en este artículo de dos de las pintoras más importantes del movimiento impresionista: Berthe Morisot y Mary Cassatt. Artistas que llegaron a tener un importante reconocimiento por parte de sus colegas varones, de la crítica y del público cercano al mundo del arte en la Francia del último cuarto del siglo XIX, y que sin embargo la historiografía del siglo XX tardó en integrarlas como objeto de investigación, y museos y curadores demoraron en realizar retrospectivas importantes que dieran cuenta de su actividad creadora. Acercarnos a su tiempo histórico y algunas características de su trabajo es lo que intentaremos abordar a continuación. </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><b>La mujer creadora en Francia en la segunda mitad del siglo XIX:</b> </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">En este momento histórico, la burguesía está recluyendo a las mujeres en sus hogares. Para ello está construyendo un ideal de feminidad en que la mujer no debe aspirar a desarrollarse profesionalmente ya que eso está reservado a los hombres. Puede aspirar a formarse como una aficionada al arte, eso está bien visto, pero no a convertirse en una profesional. Y todo conspira entonces para que esta construcción del género se consolide a favor del monopolio masculino del arte, y de su naciente mercantilización. </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">La primera traba a la que nos referiremos es la vinculada a las limitaciones en la formación artística de las mujeres. Hasta 1897 estuvieron excluidas de recibir educación en la École des Beaux Arts de París, institución de corte académico, patrocinada por el estado, reservada sólo a los estudiantes varones que eran los llamados a constituirse en artistas profesionales. La alternativa fue acudir a estudios particulares de artistas establecidos o academias particulares que ofrecían enseñanza para mujeres, a un costo bastante elevado, siendo los más conocidos el estudio de Charles Chaplin y la Academia Julian. Estas instituciones seguían los programas de estudio académicos, es decir que centralizaban la formación en el dominio de la anatomía humana a través del estudio del modelo desnudo en vivo. Esta formación era esencial en la pintura de historia o de mitología, las más reconocidas en la producción de obras de arte merecedoras de un sitial en el Salón. Y estas clases de dibujo les fueron negadas a las mujeres por considerárselas inapropiadas e incluso peligrosas para las buenas costumbres de las jóvenes. No fue sino hasta finales del siglo XIX que estos estudios y academias privadas ofrecieron la posibilidad a las mujeres del dibujo al natural, quedando excluidas entonces de la posibilidad de aspirar a encargos oficiales, concursos, becas, todos los cuales privilegiaban la pintura de historia sobre todos los otros géneros pictóricos. Muchas mujeres recurrieron al retrato, la pintura de género, el paisaje y la naturaleza muerta, todos temas considerados menores frente a los géneros “mayores”.
</span><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlfYpMOIKMAVRX4xcuHbTxgTkcwPraxHuX7QkcQ2XIVC_KRD3qHwynyZo26OhMNVaKFh6Fvnduvo6MkWzMtuKeJHu0PzcS4sFyKsCOyyWd3lWj4UM9OnSkKz6rjjC9ylDY5-xbNReJ5AU/s836/Bashkirtseff_-_In_the_Studio.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="684" data-original-width="836" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlfYpMOIKMAVRX4xcuHbTxgTkcwPraxHuX7QkcQ2XIVC_KRD3qHwynyZo26OhMNVaKFh6Fvnduvo6MkWzMtuKeJHu0PzcS4sFyKsCOyyWd3lWj4UM9OnSkKz6rjjC9ylDY5-xbNReJ5AU/s400/Bashkirtseff_-_In_the_Studio.jpg" width="400" /></a></div><b>
María Bashkirtseff. <i>En el Estudio.</i> 1881. Óleo s/lienzo 188 x 154 cm. Museo de Bellas Artes de Dnipró</b></div><div><br /></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Una segunda valla en la dedicación de la mujer de manera profesional al arte tiene que ver con la presión de los convencionalismos sociales en relación a los roles de clase y género. Como ya decíamos, si bien se fomentaba el talento de la mujer en el dibujo o en la acuarela como parte de una buena educación burguesa, no se admitía una carrera profesional que la distrajera de sus roles “naturales” de esposa y madre. Estas presiones sociales resultan evidentes en el destino de mujeres artistas como Edma Morisot, hermana de Berthe, joven con mucho talento que abandona la pintura al contraer matrimonio en 1869, decisión de la que luego se arrepentirá, según surge de cartas escritas a su hermana, pero que no tendrá marcha atrás al optar por su rol natural de esposa y madre. Otro ejemplo es la artista Marie Bracquemond, que luego de una formación muy sólida y de exponer durante varios años con los impresionistas y siéndole reconocido su talento tanto por sus colegas masculinos como por los críticos, decide abandonar la pintura en 1890 debido a la oposición de su esposo, el pintor Félix Bracquemond, a que se desarrollara como pintora impresionista. La artista estadounidense Mary Cassatt optó por la soltería, como una alternativa clara e independiente para poder sostener su carrera artística a lo largo de su vida. Berthe Morisot atrasó bastante su matrimonio y cuando se casó lo hizo con alguien que la apoyó en su carrera brindándole así la posibilidad de desarrollarse profesionalmente.
También es interesante anotar que estas artistas, que expusieron y lograron un reconocimiento público, están asociadas de distinta forma a artistas hombres notorios: Berthe Morisot cuñada, modelo y amiga de Édouard Manet, quien ofició de puente entre ella y el grupo impresionista. Mary Cassatt amiga de Edgar Degas, invitada por éste a participar de las exposiciones impresionistas. Y Marie, como vimos, esposa de Félix Bracquemond, vinculado por amistad con algunos de los pintores impresionistas y participante también de sus muestras. </span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">En tercer lugar señalemos las limitaciones en relación a los espacios públicos por los que estas mujeres pueden circular libremente. La imposibilidad de asistir libremente a cafés, salones de baile, café teatros, y otros locales nocturnos, permitidos a los hombres pero no a mujeres de su clase social, sumado a la incapacidad de ir sin escolta a parques, avenidas, y ni que decir viajar, constituyó una clara desventaja a la hora de poder representar los temas de la vida moderna más característicos del impresionismo. Esta falta de libertad explica la recurrencia en la obra de las pintoras impresionistas de los temas que se podían pintar desde el hogar: retratos, escenas de género, naturalezas muertas.
La rusa María Bashkirteff, alumna de la Academia Julian, escribía en su diario en 1882: <i>“¡Ah! Cuán dignas de compasión son las mujeres, los hombres al menos son libres. Independencia absoluta en la vida diaria, libertad para ir y venir, para salir, para comer fuera o en casa, para pasear por el Bois de Boulogne o ir al café; esta libertad es la mitad de la batalla por adquirir talento, y tres cuartas partes de la felicidad de cada día”</i>. (Citado por Smith, 2006, p. 68)</span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial; font-size: medium;">En los párrafos precedentes se ha querido contextualizar desde lo artístico el ambiente en que iniciaron su formación y desarrollaron su obra las pintoras impresionistas, así como el espacio social que les es permitido observar y representar en su pintura. A continuación vamos a presentar algunos aspectos de su vida y su obra para aproximarnos al aporte realizado al impresionismo.
</span></div><div><br /></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: large;">Berthe Morisot (1841-1895)</span><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Berthe Morisot nació en
Bourges, Francia, en 1841, en el seno de una familia de la alta burguesía. Tataranieta
del pintor Jean-Honoré Fragonard, fue educada en el gusto por las artes y la
música. Junto a su hermana Edma inició tempranamente una formación pictórica
con varios maestros, entre ellos el artista Joseph-Benoît Guichard. En 1858 se
inicia como copista en el Louvre y conoce a Fantin-Latour y a Félix
Bracquemond. Por intermedio de un nuevo maestro, Achille Oudinot, conocen a
Camille Corot e inician, a partir de 1860, una práctica de pintura al aire
libre.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">En 1868 Berthe conoció a
Édouard Manet, posando para él en varias de sus obras. La primera de ellas fue <i>El balcón</i>, presentada por Manet en el
Salón de 1869. Entre 1864 y 1873, Morisot presentó regularmente obras en el
Salón. En 1874 se constituyó en la primera pintora que decidió unirse al
Impresionismo, participando en la Primera Exposición Impresionista realizada
entre el 15 de abril y el 15 de mayo en el estudio del fotógrafo Nadar. A fines
de ese mismo año contrae matrimonio con Eugène Manet, hermano menor de Édouard,
quien resultó un apoyo muy importante en su desarrollo profesional. Interesada
en la activa vida cultural de la época, se relacionó con intelectuales y
artistas como Monet, Renoir, Pissarro, Degas, Mallarmé o Valéry.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: medium;">La vinculación de Morisot
con el impresionismo fue más allá de su carácter de expositora, fue una activa
participante en las tareas organizativas y puntal de la financiación de las
muestras. Llegó a participar en siete de las ocho exposiciones realizadas por
el grupo entre 1874 y 1886. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: medium;">Y con respecto a Manet, la
relación entre ambos pintores se benefició de influencias mutuas. Morisot tomó
muchas de las características de la pintura de Manet, así como influyó en éste
para que adoptara la pintura al aire libre y para que su paleta se fuera
aclarando.</span><span style="font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPDSNcdzMblFYs2NZ7BKpDtumhRaIF2UCeB1wpLQW14h8ZKxm2FPZxTz5XkH58qV2G0x-u1mSpmp58lWcTL0Ul-NSpEwOQeH-tvr3HZlueXFse5WGBOeAzz7U7ypduQQtNT9CrRvy6qPU/s2048/Berthe_Morisot_-_The_Cradle_-_Google_Art_Project.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1681" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPDSNcdzMblFYs2NZ7BKpDtumhRaIF2UCeB1wpLQW14h8ZKxm2FPZxTz5XkH58qV2G0x-u1mSpmp58lWcTL0Ul-NSpEwOQeH-tvr3HZlueXFse5WGBOeAzz7U7ypduQQtNT9CrRvy6qPU/w329-h400/Berthe_Morisot_-_The_Cradle_-_Google_Art_Project.jpg" width="329" /></a></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><i><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">La cuna</span></i></b><b><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">.1872. Óleo s/lienzo 56 x 47 cm. Museo
de Orsay, París<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: medium;">Esta obra, presentada en la
primera exposición impresionista en 1874, representa a la hermana de la
pintora, Edma, con su pequeña hija Blanche. Se trata de la primera aparición de
la maternidad como tema en la obra de Morisot. Es una pintura en la que ya se
va perfilando el estilo de Berthe: predilección por los colores claros y en
particular el blanco, interés por los aspectos psicológicos, creación de
efectos atmosféricos. En la composición del cuadro destaca una diagonal que
conecta a la madre con la hija, partiendo del rostro de Edma y su brazo doblado
se proyecta al brazo y rostro del bebé, acentuándose por la disposición de la
cortina al fondo. El marcado contraste entre el negro y el blanco revela la
influencia de Manet, así como la luz entrando por la ventana a través de las
cortinas nos remite a Degas. La mujer mira pensativamente a su hijo sin que
aparezcan los tópicos sentimentales con que visualmente se solía representar el
amor materno. Aun así, la ternura está presente en la forma en que la mano
sostiene el velo que protege al bebé. Todo el cuadro transmite una cierta
melancolía a partir del gesto de meditación que implica la cabeza de Edma apoyada
en la mano.</span><span style="font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijx_bIzA2PGzPpX0AgDMiqL_19OBSt0GMy9g25w3cVwMJ8JcW_AhevLBdYtx8A7T9iLzWRPn2yjohhpawV22NPYd1df1Wu7HmaiBYCTXrFLxbLtdgytmVo7iDaCzzs3hWS50ZqQrjLTws/s2048/Mujer+en+su+tocador.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1533" data-original-width="2048" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijx_bIzA2PGzPpX0AgDMiqL_19OBSt0GMy9g25w3cVwMJ8JcW_AhevLBdYtx8A7T9iLzWRPn2yjohhpawV22NPYd1df1Wu7HmaiBYCTXrFLxbLtdgytmVo7iDaCzzs3hWS50ZqQrjLTws/w400-h300/Mujer+en+su+tocador.jpg" width="400" /></a></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Mujer en su toilette</span></i></b><b><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">. 1875-80. Óleo s/lienzo 60 x 80 cm. Instituto
de Arte de Chicago <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;">En este óleo,
correspondiente ya al momento que su técnica impresionista está plenamente
definida, Morisot aborda uno de los temas de la vida moderna muy frecuentado
por los impresionistas: la toilette. La intimidad del baño y los rituales de
limpieza de la mujer (presentes frecuentemente en la pintura desde el Barroco
en adelante) fue muy pocas veces abordado por artistas mujeres, posiblemente
por sus connotaciones eróticas y voyeuristas. Precisamente ahí </span><span face="Arial, "sans-serif"">radica el punto de vista diferente
que aportan tanto Morisot como Cassatt en la representación de esta temática:
mientras la mirada masculina (pensemos en las obras de Manet, Degas e incluso
Renoir) está impregnada de una actitud de acechar la intimidad femenina a
través del ojo de la cerradura (al decir de Degas), la mirada de las artistas
mujeres es de absoluta franqueza y naturalidad. Delicada y sugerente, la
protagonista del cuadro no muestra su rostro y el espejo, gran protagonista,
está ahí sólo para ella y no para compartir su imagen. Vemos ese gusto de
Morisot por los colores claros, el sutil manejo del blanco con matices de
lavanda, rosa, gris y azul, distribuidos con pinceladas suaves y plumosas,
generando un efecto vaporoso, característico de la mayoría de sus pinturas. Presentado
este cuadro en la quinta exposición impresionista, en 1880, tuvo un gran
reconocimiento, tanto de sus colegas masculinos como de la crítica.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSzrjLEEYLsqy2P5eYi-a6I8htJj_lst4zMizMY0URXL25b0hzzjnY4Vse0KDEItoa7H4j-pKHEZrRRdd4pqThh7PLy0msssqk1bhzGx2iYPsi1wfwhjOdfWuzE7rH115XNDr50L7WOYc/s800/D%25C3%25ADa+de+verano.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="489" data-original-width="800" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSzrjLEEYLsqy2P5eYi-a6I8htJj_lst4zMizMY0URXL25b0hzzjnY4Vse0KDEItoa7H4j-pKHEZrRRdd4pqThh7PLy0msssqk1bhzGx2iYPsi1wfwhjOdfWuzE7rH115XNDr50L7WOYc/w400-h245/D%25C3%25ADa+de+verano.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b><i><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Día de verano</span></i></b><b><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">. ca. 1879. Óleo s/lienzo 46 x 75 cm. Galería
Nacional, Londres<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: medium;">Este cuadro, exhibido
también en la quinta exposición impresionista en 1880, representa una escena en
el Bois de Boulogne, uno de los parques más frecuentados por la burguesía parisina.
Si bien se trata de una escena en un espacio público, es un espacio cercano al
domicilio de la pintora y la temática se encuadra también en las preferidas por
los impresionistas: escenas de ocio de la burguesía urbana. Aquí Morisot se ha
valido de dos modelos profesionales y seguramente la obra se inició en el lugar
(una acuarela preparatoria así parece documentarlo) pero luego se terminó en el
taller. Se enfoca en las dos mujeres (y no en las multitudes que a diario visitaban
el parque), bien de cerca, ubicando al espectador en el mismo bote. Para
realzar más el efecto de intimidad la escena se recorta empujando el horizonte
hacia la parte superior de la imagen. Al fondo vemos un follaje muy resumido con
unas personas a lo lejos. En un ambiente lleno de luz, una malla de pinceladas
texturizadas integra a las mujeres con el agua y el follaje circundantes. Se
trata de unas pinceladas en zigzag, llenas de audacia y vigor, que generan
prismas brillantes de luz refractada en la superficie del lago. En algunas áreas, la imagen casi se
disuelve en patrones abstractos de pinceladas animadas. Esta pintura fue vista
por algunos críticos como un trabajo inacabado (crítica que se reitera en
varios trabajos de Morisot).</span><span style="font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> </span><b><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: large;">Mary Cassatt (1844-1926)</span></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Mary Cassatt nace en
Pittsburgh en el seno de una familia acomodada. Pasó sus primeros años con su
familia en Francia y Alemania. Entre 1860 y 1862 estudió en la Academia de
Bellas Artes de Pensilvania, pero ya a partir de 1865-1866 está estudiando en
París, primero con Jean-León Gérôme y después en el estudio de Charles Chaplin,
prolongando su estadía hasta 1870. Con el inicio de la guerra franco-prusiana
regresa a los Estados Unidos, pero ya en 1871 regresa a Europa estudiando en
Italia (Parma) en 1872 y visitando en 1873 España, Bélgica y Holanda. En 1874
se instala nuevamente en Paris, ciudad en la que vivirá hasta su muerte en
1926. Hasta 1877 expone regularmente en el salón. En este año Degas la invita a
exponer con los impresionistas, constituyéndose en la única estadounidense en
formar parte del grupo. Cassatt expone en las muestras de 1879, 1880, 1881 y
1886. La amistad que desarrolla con Degas será muy fructífera desde el punto de
vista artístico, ambos comparten su interés por la representación de temas
contemporáneos, por las composiciones de figuras, por la importancia dada al
dibujo, así como por la exploración de nuevas técnicas. Entre fines de la
década de 1870 y principios de la de 1890 los principales temas representados corresponden
a la familia (sobre todo pinturas de su hermana Lydia), distintas escenas de
género y escenas de ópera y teatro. A partir de 1890 se especializó en el tema
de la madre y el niño, representado en óleos, pasteles y grabados.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Es interesante el trabajo de
Cassatt asesorando a coleccionistas de arte norteamericanos, contribuyendo así
en el ingreso del impresionismo a los Estados Unidos a través de obras de
Degas, Pissarro o Monet. Destaca en particular su asesoramiento para la
conformación de la colección Havemeyer, hoy en el MET.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj23O7OOD2FiUNV1x1bbnWWBt9CX7RzRtrMhrV6pzvUsjEdsGZvldDP2I8xiZBC9NWHYmj075bXQ5fokF0wY2_ZDGT5Uj0MGvmhQd8HynSnbkcL9pLpKBahyHC9nmHWfs8mbJj6dlaLEh8/s1600/Mujer+de+negro+en+la+%25C3%25B3pera.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1295" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj23O7OOD2FiUNV1x1bbnWWBt9CX7RzRtrMhrV6pzvUsjEdsGZvldDP2I8xiZBC9NWHYmj075bXQ5fokF0wY2_ZDGT5Uj0MGvmhQd8HynSnbkcL9pLpKBahyHC9nmHWfs8mbJj6dlaLEh8/w324-h400/Mujer+de+negro+en+la+%25C3%25B3pera.jpg" width="324" /></a></div><b style="font-family: arial; font-size: large;"><i><span style="line-height: 115%;">Mujer de negro en la ópera</span></i></b><b style="font-family: arial; font-size: large;"><span style="line-height: 115%;">. 1878. Óleo s/lienzo 81 x 66 cm. Museo
de Bellas Artes, Boston</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Entre los espectáculos de la
modernidad, que formaban parte de las preferencias para el ocio burgués, tiene
un lugar destacado el tema de la ópera, el teatro como un escenario social
donde el estatus y las relaciones estaban en exhibición pública: ver y ser visto.
El tema abordado por artistas hombres (Renoir y Degas entre ellos) colocaba a
las mujeres, receptora natural de la mirada masculina de acuerdo a la ideología
de género dominante, en </span></span><span style="font-family: arial; font-size: large;">palcos como si estuvieran expuestas en marcos
dorados. Cassatt, por el contrario, en lugar de ubicar a la mujer como un
receptor pasivo de la mirada masculina, le otorga un papel notablemente
dinámico: mira con avidez, a través de sus lentes de ópera, a la fila de
asientos frente a ella y no muestra signos de ser consciente del espectador. En
el fondo (arriba, a la izquierda) un hombre dirige su mirada hacia ella. El
espectador, que los ve a ambos, completa el círculo. Los binoculares tienen el
efecto de ocultar el rostro de la protagonista, subvirtiendo así el rol
asignado a la mujer de objeto de contemplación, y su mirada inquisitiva rompe
con los estereotipos comunes sobre la feminidad.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibNCEnW8fz6o7ggICFIzbEHivlUnvGbafx4s3pC_h0Fyx63F3eqNImkVWY7DHmBGYkM6zVDT7S8gGDrzcalYgAgosAd8pZs8sihdpTPKTRJ9mA3acMSKZViJ6Vl5cKeK_YVlyALnm7MiI/s1600/El+t%25C3%25A9.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1128" data-original-width="1600" height="283" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibNCEnW8fz6o7ggICFIzbEHivlUnvGbafx4s3pC_h0Fyx63F3eqNImkVWY7DHmBGYkM6zVDT7S8gGDrzcalYgAgosAd8pZs8sihdpTPKTRJ9mA3acMSKZViJ6Vl5cKeK_YVlyALnm7MiI/w400-h283/El+t%25C3%25A9.jpg" width="400" /></a></div><b style="font-family: arial; font-size: large;"><i>El té. </i></b><b style="font-family: arial; font-size: large;">ca<i>.</i></b><b style="font-family: arial; font-size: large;">1880. Óleo s/lienzo
65 x 92 cm. Museo de Bellas Artes, Boston</b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: large;">La pintura forma parte de todas las obras de
estas pintoras que documentan las actividades sociales de las mujeres de la
alta burguesía, reflejando aspectos de género y de clase: bebiendo té,
asistiendo a la ópera, tejiendo o leyendo. Pero a Cassatt le interesa más lo
pictórico que lo narrativo, priorizando superficie, color, composición. Beber
té constituía un ritual doméstico y social, a través del cual se ponía de
manifiesto el estatus familiar. La escena se encuentra ambientada en un salón
contemporáneo, un interior parisino típico de la alta burguesía. Comprueban
esto detalles como el papel tapiz, la chimenea de mármol, la pintura en la
pared con un elaborado marco dorado, el jarrón de porcelana. El antiguo
servicio de té plateado (en un primerísimo primer plano y en que emplea un
recurso fotográfico al presentarlo más grande en escala que las propias mujeres)
evidencia una rica historia familiar. Dos mujeres protagonizan el cuadro, en
roles tradicionales de anfitriona e invitada. La anfitriona, con un sencillo
vestido de día marrón apoya su mano en la barbilla. La invitada, con el
sombrero, los guantes y el pañuelo en el cuello, nos indica que ha venido desde
afuera. La instantaneidad cuasi fotográfica se nos presenta en la captación de
la invitada en el acto transitorio de beber. La composición es osada al
presentarnos formas ovaladas (presentes en varios objetos) como patrones repetitivos
contrastando con la estricta geometría del papel tapiz.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglF3cXCdqqo1R-9S8mL7_e4OAu2Rig5nvVcvVhb9EN6DD8qC2ULMAZhNB0Pb6QtK29gos41jKH-_2BXM8SUa1CB30SI352OatgJr7WAnSvXNztN-OfMcYIqW-5MGOGUKhxMVCjydcrFh0/s1600/Mujer+con+beb%25C3%25A9.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1168" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglF3cXCdqqo1R-9S8mL7_e4OAu2Rig5nvVcvVhb9EN6DD8qC2ULMAZhNB0Pb6QtK29gos41jKH-_2BXM8SUa1CB30SI352OatgJr7WAnSvXNztN-OfMcYIqW-5MGOGUKhxMVCjydcrFh0/w293-h400/Mujer+con+beb%25C3%25A9.jpg" width="293" /></a></span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><b><i>Mujer con bebé</i></b><b>. ca. 1902. </b><b><span lang="EN-US">Pastel s/papel 72 x 53 cm. Instituto
de Arte Clark, Williamstown, Massachusetts</span></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Como
señalamos antes, a partir de 1890 las representaciones de mujeres con niños
fueron habituales en la obra de Cassatt, que modernizó y secularizó las
tradicionales imágenes de la Virgen y el Niño, despojándolas de su simbolismo
religioso para transformarlas en escenas domésticas cotidianas. Ya sea en el
baño, delante de un espejo, jugando, etc., nos presenta una visión apacible de
la actividad de la mujer en su rol materno. Muchas de las composiciones revelan
en mayor o menor grado la influencia de las estampas japonesas.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: large;">En este
caso, esa influencia está presente en el kimono que usa la mujer. Buena parte
de estas imágenes son pasteles, técnica con la que Cassatt trabajó mucho, a
veces con un trazo más incisivo, otras de forma más aterciopelada. Esta obra
forma parte de esta última modalidad, donde claramente el pastel le permite
trabajar la belleza de la carne, la tersura de la piel y del cabello, en
contraste con los llamativos colores naranja, azul y verde del voluminoso
kimono y del fondo.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Bibliografía
consultada:<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">* Mayayo, P. (2015) <i>Historias de mujeres, historias del arte</i>.
Madrid: Ediciones Cátedra<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">* Myers, N. (2008) <i>Mujeres
artistas en el siglo XIX en Francia</i>. Recuperado de <a href="https://www.metmuseum.org/toah/hd/19wa/hd_19wa.htm">https://www.metmuseum.org/toah/hd/19wa/hd_19wa.htm</a>
<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Smith, P. (2006) <i>Impresionismo</i>. Madrid: Ediciones Akal<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">* Trasforini, M.A. (2021) Una
historia indisciplinada. El género en la historia del arte. En G.Guzmán et al. <i>El canon accidental: mujeres artistas en la
Argentina 1890-1950</i> (pp.54-61) Buenos Aires: Museo Nacional de Bellas Artes<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">* Weinberg, B. (2004) <i>Mary Stevenson Cassatt (1844-1926)</i>. </span><span style="line-height: 115%;">Recuperado de <a href="https://www.metmuseum.org/toah/hd/cast/hd_cast.htm">https://www.metmuseum.org/toah/hd/cast/hd_cast.htm</a> <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;">Páginas
web consultadas:<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><a href="https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/berthe-morisot-summers-day">https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/berthe-morisot-summers-day</a> <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><a href="https://collections.mfa.org/objects/32829/the-tea;jsessionid=A8F66D4026DCD0C3F46B782F41E87758?ctx=9c2a9d95-46d1-4c3f-bf06-89c65ab6f241&idx=9">https://collections.mfa.org/objects/32829/the-tea;jsessionid=A8F66D4026DCD0C3F46B782F41E87758?ctx=9c2a9d95-46d1-4c3f-bf06-89c65ab6f241&idx=9</a><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"><a href="https://www.museobilbao.com/obras-maestras/mary-cassatt">https://www.museobilbao.com/obras-maestras/mary-cassatt</a>
<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: arial; font-size: medium;"> </span></span></p></div><div><br /></div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-86543718749899338682021-10-29T15:08:00.005-03:002022-09-23T14:40:43.492-03:00Rafael Barradas: breve aproximación a su vida y obra<div style="text-align: right;"><span style="font-size: large; text-align: center;"> </span><b style="text-align: center;"><span style="font-size: x-large;">Rafael Barradas: 1890-1929</span></b></div><p style="text-align: left;"><b style="font-size: large; text-align: right;">Prof. Mónica Salandrú</b></p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihjglQuEHUuiVUUU5tHc5XCJ806813ntSdcalpikdwMvKP_U_1uLGDxFSmeCucBZtBuqfzslU9g7pOnFnIUdihjenU-6gpQuJw5UX7qB4DDF-oHDg8euHHY2x2rSI80CJtUL87IscfMXI/s291/09+Barradas.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="291" data-original-width="236" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihjglQuEHUuiVUUU5tHc5XCJ806813ntSdcalpikdwMvKP_U_1uLGDxFSmeCucBZtBuqfzslU9g7pOnFnIUdihjenU-6gpQuJw5UX7qB4DDF-oHDg8euHHY2x2rSI80CJtUL87IscfMXI/s16000/09+Barradas.jpg" /></a></div><br /><p></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Rafael Barradas fue un
destacado pintor nacido en Montevideo en 1890 y fallecido en la misma ciudad en
febrero de 1929. Junto con Figari y Torres García, forma parte de los grandes
maestros de la pintura uruguaya del siglo XX. Pero su importancia trasciende el
ámbito nacional ya que su obra constituyó una referencia para toda la pintura
de vanguardia en España en los años en que residió en ese país.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrYfaE4bQjC2HOhyAQNT_9lFxqwieiSokOZPjZ2M6qc9TrsW5lzHsPIC4WsxAmoUEDTi4K1qk-9aDTMZ4GurChfOSzjxAGLeultzpCKlxr5L3RVFChldN5KSTtCLHsdOycOxyBfjce_lw/s730/Imagen1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="730" data-original-width="548" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrYfaE4bQjC2HOhyAQNT_9lFxqwieiSokOZPjZ2M6qc9TrsW5lzHsPIC4WsxAmoUEDTi4K1qk-9aDTMZ4GurChfOSzjxAGLeultzpCKlxr5L3RVFChldN5KSTtCLHsdOycOxyBfjce_lw/w300-h400/Imagen1.jpg" width="300" /></a></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Con apenas 20 años es un
destacado dibujante en el ambiente periodístico y cultural del Montevideo del
900. Vinculado con la bohemia intelectual montevideana, colabora como dibujante
y caricaturista con periódicos y revistas del medio local y de Buenos Aires.<o:p></o:p></span></p><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX3djgL_BG8nLuP4Bnvs40jTrWfs7cIj3xT9kEchfCO7uu5kFTvzkvysmB8l7lz5OYyNU35Bf_amllkJ1wFkGpfNM7P3g3wbNyAD_qhXOgTEzQYyA_f6B6nXShAixuIjNjbTusKUVQkzw/s2048/Los+emigrantes+foto+m%25C3%25ADa.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1755" data-original-width="2048" height="343" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX3djgL_BG8nLuP4Bnvs40jTrWfs7cIj3xT9kEchfCO7uu5kFTvzkvysmB8l7lz5OYyNU35Bf_amllkJ1wFkGpfNM7P3g3wbNyAD_qhXOgTEzQYyA_f6B6nXShAixuIjNjbTusKUVQkzw/w400-h343/Los+emigrantes+foto+m%25C3%25ADa.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;">Los emigrantes. 1912. Óleo s/ lienzo 112 x 144 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.</div><div><br /></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">De su primera etapa en
Montevideo, destaca el cuadro “Los emigrantes”, realizado en 1912. A Barradas
le interesaron ya tempranamente las temáticas sociales. En este caso aborda un
motivo que formaba parte de la realidad de ese Uruguay. Sus padres habían sido
emigrantes, él mismo lo será en los siguientes años. En esta obra vemos grandes
planos de color, definidos contornos y un uso muy destacado de la luz,
inundando de colores claros y luminosos el fondo del cuadro. Preanuncia con
esta pintura al planismo, un estilo pictórico característico del Uruguay en la
década de 1920.<o:p></o:p></span></p><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7EJUJwPrz3SHyO6V-uFtWGsCDRYKZzV1TwKrZxabaFhy1LROrxP5AP9I-3dHlx21GwHfMMkKaHdZDBzsJeQWcS6u_HyhSayZCguTa3KJUpCSdJa_qUGiyP_K0c2OzWE-k9lgPaqq8opY/s564/Dibujo+1913+a+La+Semana.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="564" data-original-width="558" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7EJUJwPrz3SHyO6V-uFtWGsCDRYKZzV1TwKrZxabaFhy1LROrxP5AP9I-3dHlx21GwHfMMkKaHdZDBzsJeQWcS6u_HyhSayZCguTa3KJUpCSdJa_qUGiyP_K0c2OzWE-k9lgPaqq8opY/w396-h400/Dibujo+1913+a+La+Semana.png" width="396" /></a></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En 1913 viaja a Europa,
junto a Alfredo de Médici, quien comparte generosamente con Barradas una beca
que el Estado le había otorgado para estudiar canto en Milán. En la imagen
vemos un dibujo que envía a “La Semana”, una de las publicaciones montevideanas
con las que Barradas colaboraba. En clave humorística se representa él junto a
de Médici, que con grandes privaciones económicas han llegado a la Europa
“soñada”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK5KP8riThAKTOWakWYMLl3_IrtN5n3_6p6JET4SffxUp67fldLpKC9pY4yTG8r3sazpllKXBJjdsGevkTE1Dtter09x-Ys2V2QsL1MNczEbSU6w0rUL5qxn7iP8a6FOGVKNTpRf6ZJsM/s1000/Estudio+1913+MNAV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="816" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK5KP8riThAKTOWakWYMLl3_IrtN5n3_6p6JET4SffxUp67fldLpKC9pY4yTG8r3sazpllKXBJjdsGevkTE1Dtter09x-Ys2V2QsL1MNczEbSU6w0rUL5qxn7iP8a6FOGVKNTpRf6ZJsM/w326-h400/Estudio+1913+MNAV.jpg" width="326" /></a></div><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: medium; text-align: center;"> Estudio. 1913. Óleo s/cartón 60 x 50 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.</span></span><p></p></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En Milán toma contacto con
las innovaciones que está presentando la pintura europea, en particular con el
futurismo y el cubismo, vanguardias que lo inspirarán luego en la pintura que
va a realizar en los años 1917 a 1919. Aquí vemos un retrato que realiza de su
amigo Alfredo de Médici en Milán.<o:p></o:p></span></p><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvpziAeDzm03Y_S9XRPbsJ0F70BuFhpb-mgI8Prgz181FaMVEJ8Cx1GKTozu8Hd3MuMTKUKczGgVV4VmvKB5Os3ci_n0OUJ8bQkPTTXEuAyft0ZNSYDWcjMk0rLyu4yD4ejMjRSFaCcFI/s2000/The+tango+emocion+de+color+escena+de+cafe+multitud+1913+MNBA.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1982" data-original-width="2000" height="396" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvpziAeDzm03Y_S9XRPbsJ0F70BuFhpb-mgI8Prgz181FaMVEJ8Cx1GKTozu8Hd3MuMTKUKczGgVV4VmvKB5Os3ci_n0OUJ8bQkPTTXEuAyft0ZNSYDWcjMk0rLyu4yD4ejMjRSFaCcFI/w400-h396/The+tango+emocion+de+color+escena+de+cafe+multitud+1913+MNBA.jpg" width="400" /></a></div><span style="text-align: center;">Escena de café. 1913. Óleo s/ cartón 36,5 x 36,5 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.</span><div><span style="text-align: center;"><br /></span></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Sobre finales de 1913 y
principios de 1914 está en París y realiza esta escena de café, donde
apreciamos cómo a partir de formas quebradizas y angulosas, está buscando
transmitir un dinamismo al cuadro, dinamismo propio de esas sociedades modernas
y cambiantes que presentan las ciudades europeas que visita.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhArjx2xYz1AP9R66zbN9nqlJUThwVnWqC7pQDx7mQF5OFggEKD1nX9AuVxRHlmCJJlC1bq48soEi-pI3X220eKH7p-zQr6OhLhW7LcTRqLx5BOuZgKZa7QZ7DBDg8TQBz8mDgwT3B4tXY/s1000/Viejo+catal%25C3%25A1n+1914+MNAV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="931" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhArjx2xYz1AP9R66zbN9nqlJUThwVnWqC7pQDx7mQF5OFggEKD1nX9AuVxRHlmCJJlC1bq48soEi-pI3X220eKH7p-zQr6OhLhW7LcTRqLx5BOuZgKZa7QZ7DBDg8TQBz8mDgwT3B4tXY/w373-h400/Viejo+catal%25C3%25A1n+1914+MNAV.jpg" width="373" /></a></div>Viejo catalán. 1914. Óleo s/lienzo 86 x 80 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Hacia abril de 1914 llega a
Barcelona, iniciando una estadía en España de 14 años, ya que es desde este
país que retorna a finales de 1928 a Montevideo. Trabaja como ilustrador para
una revista de esta ciudad. Esta obra, realizada a fines de 1914 revela su
mirada sobre personajes de la vida cotidiana, gentes de pueblo, en la que
reitera el uso de superficies planas de color y contornos nítidos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQA8aM1npSPWJObU80gfvaDYUmnn_N2Uu9dQF0SJLTBovteuzyswRYrvSHAPgQ2oRZsII_zZrTeuna1v4b5-p-_cmgHSllFIbE2umBjbCdBZqdvvJnfkTMThLw-9ZA6N32JRWwh4MNauY/s2048/Barradas+y+Pilar+1915+3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1395" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQA8aM1npSPWJObU80gfvaDYUmnn_N2Uu9dQF0SJLTBovteuzyswRYrvSHAPgQ2oRZsII_zZrTeuna1v4b5-p-_cmgHSllFIbE2umBjbCdBZqdvvJnfkTMThLw-9ZA6N32JRWwh4MNauY/w273-h400/Barradas+y+Pilar+1915+3.jpg" width="273" /></a></div><span face="Arial, "sans-serif"" style="font-size: 12pt;"><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="font-size: 12pt;"><br /></span></p>En 1915 está en Zaragoza,
donde contrae matrimonio con Simona Lainez, una campesina aragonesa a la que él
llama Pilar y de la que realizará muchos retratos. Todo ese año permanece en
Zaragoza, trabajando en revistas y periódicos, realizando muestras de sus
obras. Fue un artista que influyó mucho en este medio, aportando innovación en
el dibujo y la pintura.</span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOXyPLoW1hxUmOeYaRHenuBRiIHGWB14DjwrmijeP4IXaq0g-NmWaIoaqZ5PQ9TAA6obxVfyXOKftRn7psl39Py2ADPXEkamTp_WNMVWvTDBwQSweuFH0Kyuj7b-ROVZknLK_hTMuGA7M/s472/barradas+y+pilar+barcelona+c1916.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="472" data-original-width="339" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOXyPLoW1hxUmOeYaRHenuBRiIHGWB14DjwrmijeP4IXaq0g-NmWaIoaqZ5PQ9TAA6obxVfyXOKftRn7psl39Py2ADPXEkamTp_WNMVWvTDBwQSweuFH0Kyuj7b-ROVZknLK_hTMuGA7M/w288-h400/barradas+y+pilar+barcelona+c1916.jpg" width="288" /></a></div><br /><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">A principios de 1916 está de
vuelta en Barcelona, ciudad en la vivirá hasta 1918 en que se trasladará a
Madrid. Además de Pilar, forman parte de su hogar su madre y hermanos que han
viajado desde Montevideo y viven con el pintor. Trabaja estos años realizando
dibujos para revistas, ilustraciones de libros y carteles publicitarios.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRoTwLdIf8gXtT2JMYp7qqP37w0BDR3Qj18bqTw6cfDpnr5PBeiy2TV27CObZj3iYqIkZa5PLIMjGfnk_trOKGgNSqyWaKAtM5ewn4wfBju_C4QR81k-glccfnd1YmdRAwMLUNX-6cwhU/s500/JTG_1917.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="352" data-original-width="500" height="281" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRoTwLdIf8gXtT2JMYp7qqP37w0BDR3Qj18bqTw6cfDpnr5PBeiy2TV27CObZj3iYqIkZa5PLIMjGfnk_trOKGgNSqyWaKAtM5ewn4wfBju_C4QR81k-glccfnd1YmdRAwMLUNX-6cwhU/w400-h281/JTG_1917.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;">Joaquín Torres García y su familia en "Mon Repós" en 1917.</div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">El año 1917 es sumamente
importante. Barradas se vincula con importantes intelectuales y artistas
catalanes, expone dibujos y pinturas, y fundamentalmente es el año en que
inicia una estrecha amistad con el pintor uruguayo residente en Barcelona,
Joaquín Torres García. Esta amistad será rica en influencias mutuas, recorrerán
juntos la ciudad buscando reflejar en la pintura esa fascinación por el
espectáculo urbano. Es sobre todo Barradas el que incita a Torres García a
tomar la ciudad como temática central a abordar.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvLRKaqWhD42zAZebUUWNjDKC6DS0JYH_HzrBvNsxOcJrBNZ2Be8BhJIZsF4mwmWikdB8yuc6GKAK8a5_B0m2Rp6syYJWZ7BzjqYpL9x5LTj4OdAEFuj3-_Y3rlRzH2sjzmKdxtqAHqMU/s2048/Rafael+Barradas+Composici%25C3%25B3n+vibracionista+1917+MNBA.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1873" data-original-width="2048" height="366" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvLRKaqWhD42zAZebUUWNjDKC6DS0JYH_HzrBvNsxOcJrBNZ2Be8BhJIZsF4mwmWikdB8yuc6GKAK8a5_B0m2Rp6syYJWZ7BzjqYpL9x5LTj4OdAEFuj3-_Y3rlRzH2sjzmKdxtqAHqMU/w400-h366/Rafael+Barradas+Composici%25C3%25B3n+vibracionista+1917+MNBA.jpg" width="400" /></a></div>Composición vibracionista.1917. Acuarela s/cartulina 45 x 49 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Es así que en 1917 Barradas
consolida un estilo que él mismo denomina “vibracionismo”, caracterizado por un
exaltado cromatismo, una estructuración del espacio a partir del encastre de
formas geométricas, y una búsqueda de revelar así el dinamismo del paisaje
urbano a partir de la incorporación de carteles, letras, números, relojes,
ruedas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL4FVpXYcKThvPhJJ2JX9sJQCCu_fN3qeWdClYcgAH9HklqO0OC093Lfpyu9Pvy6Ik53NIcBVcDMfL6vpPGRFqNI9W3uJP0ktP5mNJVHUt7k3z8SUzUBiizAgZ6hjw6ExiizrM5wvIQAg/s1000/La+catalana+1918+MNAV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="932" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL4FVpXYcKThvPhJJ2JX9sJQCCu_fN3qeWdClYcgAH9HklqO0OC093Lfpyu9Pvy6Ik53NIcBVcDMfL6vpPGRFqNI9W3uJP0ktP5mNJVHUt7k3z8SUzUBiizAgZ6hjw6ExiizrM5wvIQAg/w373-h400/La+catalana+1918+MNAV.jpg" width="373" /></a></div> La Catalana. 1918. Óleo s/lienzo 83,5 x 78 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En esta obra, “La Catalana”,
Barradas nos habla del movimiento, valiéndose de la representación de un medio
de transporte de la ciudad. La intención es transmitir la vida urbana,
sugiriendo movimientos, ruidos, cambios constantes, como características
vitales de la ciudad de Barcelona. Los recursos plásticos son el color, la
fragmentación de las formas y la estructuración del espacio a partir del dibujo
y la línea.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUcK61ecNgv5WZ7hiiif2kFwfEL5fDaNY-74qrt6BC3xKDzpIqTGzhMxPEOJalXDqX5o-GIBKv2Mhx0kGGFtld34ZW3M0O8ho7IyQYKZDDwzAzKpbPiS6PYzY1cFVdce3nAKLWaTiutvY/s1000/Calle+de+Barcelona+1918+Museo+Patio+Herreriano.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="837" data-original-width="1000" height="335" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUcK61ecNgv5WZ7hiiif2kFwfEL5fDaNY-74qrt6BC3xKDzpIqTGzhMxPEOJalXDqX5o-GIBKv2Mhx0kGGFtld34ZW3M0O8ho7IyQYKZDDwzAzKpbPiS6PYzY1cFVdce3nAKLWaTiutvY/w400-h335/Calle+de+Barcelona+1918+Museo+Patio+Herreriano.jpg" width="400" /></a></div> Calle de Barcelona. 1918. Óleo s/lienzo 50,7 x 60,5 cm. Museo Patio Herreriano, Valladolid.<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="font-size: 12pt;">En esta obra la protagonista
es la ciudad. Colores vivos y planos múltiples se interceptan indicándonos los
diferentes ritmos urbanos, y las formas fragmentadas nos remiten a un tumulto
de figuras, ruedas y carteles. El reloj establece la pauta temporal: la 1 p.m.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="font-size: 12pt;"><b>1918 a 1925: Madrid</b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Entre 1918 y 1925 Barradas
va a residir en Madrid. Es la etapa más rica en términos de producción
plástica: ilustraciones, caricaturas, pintura, diseños teatrales y
publicitarios… Se integra, ocupando un lugar central, a los grupos de
vanguardia tanto literarios como plásticos, y a las principales tertulias de la
época, fundando su propia tertulia en el Café de Oriente.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijO6slbAUNYF2qVSRxgi-IYGeHJWpGaLu_0GFmOPRmtTJeSYZM1BcvCxWuT5BbfO5deeayHGDSMYQdyfSYT3TsC3pMxIEPcuCyd9JjirKkvzvVzNs76mYekX2slv68eZ_LEOpnEXj4AYs/s2048/Rafael_Barradas_-_Portrait_of_Pilar_-_Google_Art_Project+1919+MNacACatalu%25C3%25B1a.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1540" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijO6slbAUNYF2qVSRxgi-IYGeHJWpGaLu_0GFmOPRmtTJeSYZM1BcvCxWuT5BbfO5deeayHGDSMYQdyfSYT3TsC3pMxIEPcuCyd9JjirKkvzvVzNs76mYekX2slv68eZ_LEOpnEXj4AYs/w301-h400/Rafael_Barradas_-_Portrait_of_Pilar_-_Google_Art_Project+1919+MNacACatalu%25C3%25B1a.jpg" width="301" /></a></div> Retrato de Pilar. 1919. Óleso s/lienzo 79,5 x 60 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.<br /><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Ya a partir de 1920
introduce una nueva modalidad pictórica denominada “clownismo”, que él mismo
definió como “lo que queda de la persona cuando ella se va, esos rasgos mínimos
que en la memoria fijan la estructura de una fisonomía o de un gesto”. En la
imagen vemos un retrato de Pilar del que
surgen esos rasgos muy elementales en la representación de la fisonomía de la
cara y en la de las formas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLj_Oq-x3_IwVLRcoCyM4ZMF1Ad83__cw2tu4goPlMUe2ooYlV04tZ5uzmDilGJx40yVGo9atPMSRmPsL04DDr1WKtgdVbxh3bwRKLnI8VV1Bexh5oC20mmDaA4srgKwXU-_eRHMd2usI/s620/Benjam%25C3%25ADn_Jarn%25C3%25A9s%252C_Humberto_P%25C3%25A9rez_de_la_Ossa%252C_Luis_Bu%25C3%25B1uel._Rafael_Barradas_y_Federico_Garc%25C3%25ADa_Lorca._Madrid%252C_1923.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="620" data-original-width="456" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLj_Oq-x3_IwVLRcoCyM4ZMF1Ad83__cw2tu4goPlMUe2ooYlV04tZ5uzmDilGJx40yVGo9atPMSRmPsL04DDr1WKtgdVbxh3bwRKLnI8VV1Bexh5oC20mmDaA4srgKwXU-_eRHMd2usI/w294-h400/Benjam%25C3%25ADn_Jarn%25C3%25A9s%252C_Humberto_P%25C3%25A9rez_de_la_Ossa%252C_Luis_Bu%25C3%25B1uel._Rafael_Barradas_y_Federico_Garc%25C3%25ADa_Lorca._Madrid%252C_1923.jpg" width="294" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Vemos en esta foto (tomada hacia 1920) un grupo
en el que están Barradas y Federico García Lorca, ambos sentados, y que da
cuenta de la amistad entre el pintor y el poeta que se inicia en estos años de
Madrid y va a continuar hasta el regreso de Barradas a Uruguay.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0pvfhyphenhyphenoJIWGdujKATkvkg6zV7qHJMNqBqSkrvBkzy8h2qkzWCXZu_swQblRh2e_w-yiYgYp8xV0c53uHp1HVzxgSKIMW2qoKy9Zbw1I7aqXEIcmGR8HJaKJxjQGiqN7wsnEqr5Gzs4nw/s1000/Garcia+Lorca+1921+MNAV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="676" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0pvfhyphenhyphenoJIWGdujKATkvkg6zV7qHJMNqBqSkrvBkzy8h2qkzWCXZu_swQblRh2e_w-yiYgYp8xV0c53uHp1HVzxgSKIMW2qoKy9Zbw1I7aqXEIcmGR8HJaKJxjQGiqN7wsnEqr5Gzs4nw/w270-h400/Garcia+Lorca+1921+MNAV.jpg" width="270" /></a></div><span face="Arial, "sans-serif"" style="line-height: 115%;"><span>García Lorca. Ca. 1921. Acuarela y lápiz s/papel 33 x 23 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.</span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Y en este retrato que
Barradas realiza de Lorca vemos un claro ejemplo de ese estilo “clownista” que
desarrolla por estos años.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhCBQssnQC16TzfoCdqoT42TetXeYDKPsDx7bGKBZKHRNSMRXGjdWf9Jsumxqo3KogtVntsdT1IuMChKEgS8OZTvyXwOLcNhy3Qt0yho0i6SUUjvBFP5YylhQHDDZ5R8vPPeMUPdfFc24/s1000/La+familia+1922+MNAV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="781" data-original-width="1000" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhCBQssnQC16TzfoCdqoT42TetXeYDKPsDx7bGKBZKHRNSMRXGjdWf9Jsumxqo3KogtVntsdT1IuMChKEgS8OZTvyXwOLcNhy3Qt0yho0i6SUUjvBFP5YylhQHDDZ5R8vPPeMUPdfFc24/w400-h313/La+familia+1922+MNAV.jpg" width="400" /></a></div>La familia. 1922. Óleo s/lienzo 108 x 140 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">También en un lenguaje
“clownista” está realizado este retrato de su familia. Con una vida
caracterizada por las privaciones económicas, la familia está pintada, según
palabra de Barradas “más con mi alma que con mis manos”.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">1916-1928: L'Hospitalet de Llobregat</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En estos años Barradas, ya
muy enfermo de tuberculosis y con una situación económica muy adversa, sale de
Madrid y pasa a vivir en L’Hospitalet de Llobregat, un pueblo a escasos
kilómetros de Barcelona. Conforma allí una tertulia: el “Ateneíllo de
Hospitalet” por el que pasa prácticamente toda la intelectualidad española de
esos años.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAWQNl_DRMfgpY2bbQdO_E4yGjKL5NfLyJgpiUEyovaB8zciiT5HUDrer8Kkk1JxjVM-dURFuZmTry3_HNC4ILrkL8oC7RlfuzJ9H6BdhSI7KJVYk-MLSSvp-sfNP2ZVGwp0QO5dDJeg4/s1000/constructor+catal%25C3%25A1n+1927+MNAV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="741" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAWQNl_DRMfgpY2bbQdO_E4yGjKL5NfLyJgpiUEyovaB8zciiT5HUDrer8Kkk1JxjVM-dURFuZmTry3_HNC4ILrkL8oC7RlfuzJ9H6BdhSI7KJVYk-MLSSvp-sfNP2ZVGwp0QO5dDJeg4/w296-h400/constructor+catal%25C3%25A1n+1927+MNAV.jpg" width="296" /></a></div>Constructor catalán. 1927. Óleo s/lienzo 100 x 75 cm. Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Continúa pintando cuadros de
una serie que ya había iniciado años antes, denominada “Los Magníficos”. Se
trata de retratos frontales, de pie o sentados, de distintos personajes de las
clases populares españolas. Crea figuras arquetípicas, de manos enormes y rudas
y ojos sin pupila. A partir de una </span><span face="Arial, "sans-serif"" style="font-size: 12pt;">paleta de tonos terrosos, de
unos contornos fuertes y definidos, nos brinda una imagen contundente y
empática de trabajadores y campesinos castellanos, aragoneses y catalanes.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMkBAt9SDtrqDBhn88BJ874U5AxRu1DrY-Z8xBoLs7XFIE-S4u-GlbaD-onsUrVMJjeFBb2GsX86TYUv37R0-58ORM3sFhbRp_RaW6ukMqGsNSqGG8cGinLZzfY9e_aDvhiJuDuMxOXX8/s800/barradass.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="530" data-original-width="800" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMkBAt9SDtrqDBhn88BJ874U5AxRu1DrY-Z8xBoLs7XFIE-S4u-GlbaD-onsUrVMJjeFBb2GsX86TYUv37R0-58ORM3sFhbRp_RaW6ukMqGsNSqGG8cGinLZzfY9e_aDvhiJuDuMxOXX8/w400-h265/barradass.jpg" width="400" /></a></div><br /><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Barradas regresa a
Montevideo en noviembre de 1928, ya muy enfermo y fallece el 12 de febrero de
1929.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></p><span style="text-align: center;"></span></div>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-63093234965363830062021-09-25T13:16:00.002-03:002021-09-25T13:16:27.034-03:00Ciclo de Charlas sobre Los Impresionistas<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_Afmkj-FUOJvhm1FrjuDQ5QIM1azkNvp2oTkkwDJnVQEnH1lcSmt3mPKoAGU9NBh7qWqqEkZZe07sYVJju5OBbPeOZ-9U96P47NIkKdFVa6Qfga6sB3ItgrM6ivoFoZmJ_i_58o0YGxg/s1600/Afiche+Los+impresionistas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1131" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_Afmkj-FUOJvhm1FrjuDQ5QIM1azkNvp2oTkkwDJnVQEnH1lcSmt3mPKoAGU9NBh7qWqqEkZZe07sYVJju5OBbPeOZ-9U96P47NIkKdFVa6Qfga6sB3ItgrM6ivoFoZmJ_i_58o0YGxg/w453-h640/Afiche+Los+impresionistas.jpg" width="453" /></a></div><br /><p></p><p>Por información sobre modalidades de pago: escribir a: arteenlahistoria2021@gmail.com</p><p>Inscripciones: <a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSeJ_aOWlrhRfYUvCGnwPnfd6U_Dq6IQcXZ3bry6OieL_KBRyA/viewform">https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSeJ_aOWlrhRfYUvCGnwPnfd6U_Dq6IQcXZ3bry6OieL_KBRyA/viewform</a></p><p><br /></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-11437446935327075132021-09-23T16:46:00.002-03:002021-09-23T16:46:42.029-03:00Rafael Barradas: breve aproximación a su obra<p>Charla realizada por la Prof. Mónica Salandrú a través de la plataforma ZOOM, el pasado 17 de setiembre en relación a la obra del pintor uruguayo Rafael Barradas </p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/tGzwjS7Nflo" width="320" youtube-src-id="tGzwjS7Nflo"></iframe></div><br /><p></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7533571544082399625.post-125342117404161312021-07-18T21:00:00.000-03:002021-07-18T21:00:03.301-03:00Ciclo de charlas "Arte y guerra"<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY7E-Rp4uAH1aFJoTXqqln1mA_4ARaMHmM6WZF5dioOq5UYDwuK1DIqjTkKPYUqhJMPyW2GxUauZS65lVzKCuNdPxRcwmgPl5fYSHxnmqx0FxNiO6ZT__Otu7SIcP2TW5rtWnrh-y2OZ4/s2048/001_ArteyGuerra.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1448" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY7E-Rp4uAH1aFJoTXqqln1mA_4ARaMHmM6WZF5dioOq5UYDwuK1DIqjTkKPYUqhJMPyW2GxUauZS65lVzKCuNdPxRcwmgPl5fYSHxnmqx0FxNiO6ZT__Otu7SIcP2TW5rtWnrh-y2OZ4/w452-h640/001_ArteyGuerra.jpg" width="452" /></a></div><br /><p></p><p>Para ampliar información: arteenlahistoria2021@gmail.com</p><p>Formulario de inscripción: <a data-saferedirecturl="https://www.google.com/url?q=https://forms.gle/1KEUtwYt6oVxWWvD8&source=gmail&ust=1626738784452000&usg=AFQjCNEYFncq_blJMu1IlRa29_YF1bPOEA" href="https://forms.gle/1KEUtwYt6oVxWWvD8" style="background-color: white; color: #1155cc; font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt;" target="_blank"> https://forms.<wbr></wbr>gle/1KEUtwYt6oVxWWvD8</a></p><p class="MsoNormal" style="background-color: white; color: #222222; font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 11pt; line-height: 16.8667px; margin: 0cm 0cm 10pt;"><span lang="ES-UY"> </span></p>Mónicahttp://www.blogger.com/profile/03016698463724313168noreply@blogger.com0